Jahrelang bezeichnete sich Elsinore als “Band in Transition”. Vier Jahre hat es gedauert vom Debutalbum bis zum zweiten Werk, dem gerade erschienenen Yes Yes Yes. Vier Jahre, in denen sich ihre Musik stetig verändert hat. So konnte man viele Stücke im Laufe der Jahre schon hören; The General war schon 2008 einer meiner Songs des Sommers. Die Version von damals unterscheidet sich nicht einmal wirklich von der Albumversion – aber mal ehrlich, was hätte man an dem Lied auch groß verändern sollen?

Anderen Songs, die ebenfalls schon vorher bekannt waren, tat eine Überarbeitung auch viel besser: Lines war als Ryan Groff-Solostück schon gut, in der geradezu Orchestralen Orchesterversion ist es der beste Song des Albums, einer der besten Songs des Jahres bisher. Überhaupt ist in ihm die Richtung mit am besten zu erkennen, die die Band aus Champaign, IL mit diesem Album eingeschlagen hat: Weg vom leichten Indie-Gitarrenpop mit leichten Folk- und Country-Einflüssen, hin zu “großem” Pop mit vollem Sound und dem nötigen Mut zum Pathos. Zwar stand ihnen auch ersteres gut – Nothing for Design ist immernoch eine großartige Platte – aber mit dem neuen Sound schaffen sie das, was kaum jemand schafft: Sie entwickeln sich weiter, emanzipieren sich von ihrer eigenen ersten Platte, fangen noch einmal von vorne an und veröffentlichen eine tolle Platte.

Schon seit der Veröffentlichung ihrer Chemicals EP steht nichts mehr von “Band in Transition” auf ihrer myspace-Seite. Elsinore, so scheint es, sind angekommen. Mit Pauken und Trompeten.

Ach ja: Die Songs, die vorher noch nicht bekannt waren, sind fast alle ebenfalls großartig.

Elsinore – Yes Yes Yes (2010, Parasol, Digital über Bandcamp)

Inzwischen hat sich das Blatt gewendet. Ein erstes Kennenlernen mit Chili Con Carne im Hamburger „Nachtasyl“, der umjubelte Auftritt vor Kettcar, ein Release-Konzert bei „Michelle-Records“ und das zugehörige Album „Atzelgift“ schafften es tatsächlich, Marcus Wiebusch und Kettcar nicht nur zu verdrängen sondern nahezu vergessen zu machen. Besaß Kettcars Auftritt bei Omas Teich Festival bei mir allein nostalgischen Wert, bleibt jedes neue Lied der Kapelle Herrenmagazin aus Hamburg bei mir inzwischen für immer unauslöschbar im Ohr hängen.

Torsten Otto und „König Wilhelmsburg“ heißen die beiden markantesten Neuerungen auf dem zweiten Herrenmagazin Album “Das wird alles einmal dir gehören.”

Torsten Otto ist der neue Produzent. Genau wie Muff Potter auf ihrem Abschiedsalbum „Gute Aussicht“ ließ er auch die vier Herren Magazin ihr Album live einspielen. Dies sorgt für das ein oder andere musikalische Eselsohr, wahlweise auch für den einen oder anderen musikalischen Kaffeefleck. Bringt aber im Vergleich zum von Delbos Tobias Siebert hochwertig produzierten „Atzelgift“ den Vorteil mit, dass die Songs auf der Bühne um einiges leichter zu reproduzieren sein werden.

„König Wilhemsburg“ (so wird er auf der tollen wiederbelebten Herrenmagazin Homepage genannt) ist der neue Gitarrist. Der Sänger der nicht mehr existenten Peters ersetzte im letzten Jahr Gründungsmitglied Philipp Wildfang. „Er ist arrogant, fährt Mercedes A-Klasse, redet zu viel und manchmal auch einfach eine stabile Schulter und Vaterfigur für die gestrandeten Seelen dieser Band, wenn er nicht gerade masslos trinkt oder meckert.“ so wird der bandneuling auf der entsprechenden facebook-seite beschrieben.

Die Songs selber geben zu eintausend Prozent wieder, was Herrenmagazin ausmacht. Das sind intelligente, emotionale und eingängige Indierock-Hymnen, die bei mir Assoziationen zu den frühen Jimmy Eat World, Alkaline Trio oder Muff Potter erzeugen. Der mir in Musikhörerfahrung überlegene Münchener Autor Michael Sailer wirft auch Blumfeld, die Smiths, The Fall, Placebo oder Ton Steine Scherben in den übergroßen Topf der vergleichbaren Bands. Was dann wohl bedeutet, dass man Herrenmagazin nicht eins-zu-eins übersetzen kann. Allein eines sollte klar sein: All das, was Bands aus dem Herrenmagazin Dunstkreis (Schrottgrenze, Grafzahl oder Junges Glueck) jahrelang (leider) nur angedeutet haben, zelebrieren Herrenmagazin im ganz großen Stil: allgemein gültige und tausendfach interpretierbare Melodiespringbrunnen erschaffen, die den Spaß beschreiben, mit voller Wucht gegen die Wand zu laufen.

Herrenmagazin ist nicht mehr nur die Band um Gary- und Das Bierbeben-Schlagzeuger Rasmus Engler. All das Namedropping ist nicht mehr nötig. Die Band konnte Gisbert zu Knyphausen in „Alle sind so“ für ein Duett gewinnen. Der in Kritikerkreisen zurzeit angesagteste deutsche Songwriter ist es aber nicht, der „Das wird alles einmal dir gehören“ zu einem Großereignis macht. Das bekommen die vier Hamburger schon selber hin. „Erinnern“ ist das ohne Zweifel poppigste Stück, das Herrenmagazin je geschrieben haben und kratzt im Refrain gerade noch die Kurve zum deutschsprachigen Schlager. „Hals über Kopf“, „Gold für Eisen“ und „Onze“ gehören zu den großartigsten deutschsprachigen Songs, die ich je gehört habe. „Die Zeit heilt keine Wunden / Bild dir das bloß nicht ein / Sie haben die Bibel nur erfunden / Um selber Gott zu sein“ („Keine Angst“). Wer sich nicht zu schade ist, derlei Zeilen auf seine Platten zu pressen, ist ohnehin von der eigenen Heiligsprechung nur noch den berühmten Katzensprung entfernt. Wie schon der grandiose Vorgänger schließt das Album mit dem wuchtigsten Stück. In „Krieg“ wagt die Band sich musikalisch hinaus bis in ungewohnte Hardrock-Gewässer, spielt mit den dazugehörigen Klischees und geht trotzdem nicht unter.

Bei anderen Bands halten Nachfolger von Lieblingsalben selten das, was man sich von ihnen verspricht. The Gaslight Anthem sind das beste Beispiel. „Bands entwickeln sich halt weiter“ ist die in solchen Fällen oft skandierte Floskel. Zweifelsohne entwickelt sich auch Herrenmagazin auf dem zweiten Album weiter. Allerdings enttäuschen sie damit nicht, sondern begeistern auf ganzer Linie.

All diejenigen, die sich durch meine stark euphorisierten und ausschließlich subjektiv eingefärbten Worte dazu angestachelt fühlen, sind herzlich dazu eingeladen, auf einem der anstehenden Konzerte die vielen Punchlines von „Das wird alles einmal dir gehören“ zum Besten zu geben.  Ganz so wie ich es bis zum 4. Mai 2008 noch bei Kettcar getan hätte.

Herrenmagazin – Das wird alles einmal dir gehören (Motor, 3. September 2010)

Meist erinnert die Atmosphäre in ihrer klaren Melancholie aber an Readymade oder Monta. Eigenständigkeit? Scheinbar minimal. Wie bei einem schönen Raclette-Abend gibt es hier eben von allem etwas. Dabei wird ein anderes Klischee der Eidgenossen von Neviss’ Musik allerdings ganz mühelos erfüllt: die Gemütlichkeit.

“Now rest
Just rest
Your worried mind
The best is yet to come” (aus “Now Rest”)

Und am Besten sind Neviss wirklich dann, wenn sie genau das tun. Sich Zeit nehmen. Wenn sie den Hörer gemütlich und entspannt mit perlendem Klang durch ihre Verse tragen.

„Nothing is wrong
As I’m humming along
With birds and kids and bees
I’m awaking with the trees
Can you smell the sea?” (aus “Merry Christmas”)

Klar aber, dass bei all den Ähnlichkeiten zu bekannten Indie-Größen hier nicht nur geschmust wird. Gain = Abwechslung? Auf jeden Fall wird hier zwischendrin gerockt – wird gerne auch einmal (vermutlich) dem wilden Touralltag gehuldigt, auch wenn einen dieser statt in alle Himmelsrichtungen lediglich ins thüringische Jena verschlägt.

„Well, I hope things will never change
I hope we’ll always stay here
Will you let me make this clear
I believe we belong here” (aus “Never Wanted To Go To Jena”)

Klingt fast so, als ob Neviss live einiges auf der Pfanne haben könnten. Wer will, kann das diesen September in Chemnitz oder Berlin (nicht aber in Jena) herausfinden. Ansonsten: „The Good Men“ einpacken und ab auf die Wiese und entspannen.

„And lying in the grass
The world has no weight here
Well, ok, this won’t last
But I can promise
The surprise will be great next year” (aus “Merry Christmas”)

Neviss – The Good Men (ab 3. September 2010, GoldOn Records)

Schon im Opener Pitch Grammar wird man mit stampfendem Rhythmus und Gespensterchören begrüßt. Lakonisch und abgeklärt fügen sich die Stimmen von Bassist Niklas Forst und Gitarrist Viktor Lager in die verschachtelten Gitarrenfiguren ein. Cabin In The Woods zeigt sich dabei mit seinem echten Refrain sogar verhältnismäßig eingängig. Durch den Gesang gewinnt die Musik von Alarma Man neue Ausdrucksmöglichkeiten hinzu, es gibt nicht mehr nur dauernd auf die Zwölf. Statt auf tightes Geschredder setzen sie vermehrt auf Atmosphäre. Kopfkino statt Synapsenmassage also. Ihre beklemmende Düsternis behält die Band dabei allerdings bei. Ihre Musik hört man immer noch am besten alleine und bei Dunkelheit.

“Alarma Man haben sich selbst das Geschenk der Veränderung und der Weiterformulierung gemacht.” steht im Promotext. Das kann man so unterschreiben und der Band dazu gratulieren, denn die heikle Operation Veränderung ist ihr mit “Love Forever” geglückt.

Alarma Man – Love Forever (ab 13.08.10, Sinnbus/Rough Trade)

Alarma Man – Cabin In The Woods

die musik erinnert dabei vor allem an letzteren – was ob des eher umständlichen plattentitels ja auch nicht mehr verwundert. packt man zu dessen musik ein paar mehr rockgitarren hinzu, ist man schon recht nah bei julian gerhard.

einen großen einfluss auf die Texte scheint – und auch das kann man aus dem Albumtitel herausdeuten – das studentische Umfeld in Julian Gerhards Heimatstadt Münster auszuüben: wer will schon mit jemandem zusamm’ sein, der so wohnt handelt unter anderem von den Unwägbarkeiten von WG-Mitbewohnern, in das letzte mal hab’ ich mich gemeldet. nein? geht es um flüchtige bekannte und im opener und anspieltipp irgendwas was geld bringt wird das singende ich für jemand anderen verlassen.

julian gerhard – irgendwas was geld bringt

alles in allem summieren sich die songs zu einem durchaus vielversprechenden debutalbum. wie bei singer-songwritern üblich, gewinnen die songs zusätzlich mit der zeit – mein urteil könnte später also auch noch besser ausfallen.

julian gerhard – wenn du hier eh nur rumstehst, kannst du auch auf die jacken aufpassen (seit 8. Juli 2010, Omaha Records)

nach ihrer wiederauferstehung vor fast zwei jahren klangen angelika express – trotz neuer besetzung – wenig anders als vor der zwischenzeitlichen auflösung 2005. das war und ist ja erstmal nichts schlechtes, waren die alten stücke der band doch ganz wunderbar, und dass die neuen stücke sich auch live gut einpassten, konnte man nur begrüßen. aber muss man denn dann als titeltrack einer neuen EP unbedingt eine neue version eines alten stückes auswählen? zumal wenn hände hoch, eine wesentlich fetter produzierte version von cocktail für eine leiche, nicht an ihr eigenes original herankommt.

an zu wenigen guten einfällen kann so etwas freilich nicht liegen bei angelika express, dafür stellt robert zu häufig neue songskizzen und ähnliches auf die homepage. vielleicht ist die fünf-track-digitalausgabe ja wirklich nicht viel mehr als die resteverwertung der schon durch vorbestellungen ausverkauften limited-edition der cd mit 15 Titeln.

denn auch nach hände hoch kann die ep nicht zu hundert prozent überzeugen: die songs fließen zwar locker und im typischen angelika express-sound vor sich hin, aber es gibt wie schon erwähnt nix neues mehr zu hören. und die klasse von klassikern wie teenage fanclub girl oder geh doch nach berlin oder eben dem cocktail für eine leiche-original wird eben auch nicht mehr erreicht.

einziger ausreißer nach oben: video girlfriend. hier hört man ihn noch, den mut zur ganz großen geste, den in deutschland kaum jemand außer angelika express zeigt, ohne dabei peinlich zu werden. und ja, auch gehirn zurück hat seine schönen passagen.

ansonsten ist die ep aber wohl vor allem etwas für hardcore-fans. und die haben ja wohl schon die limitierte edition.

angelika express – hände hoch ep (2010, ausverkauft als limitierte CD [100 Stück], noch erhältlich als download u.a. bei bandcamp)

Zwar besitze ich die beiden Songs leider nicht auf Vinyl, sondern nur als digitale Version, aber dafür ist diese in Deutschland bereits für einen sehr geringen Betrag legal zu haben.

Will Sheff Covers Charles Bissell, Charles Bissell Covers Will Sheff 7″ (2008, Jagjaguwar)

Ambient, Shoegaze, Noiserock, Krautrock, Electronica, Spacerock, Slowcore – mit Begeisterung sammeln The Happy End alles auf, was so an Abgefahrenem am Wegesrand herumliegt. Doch am Ende kommen dabei irgendwie doch immer wieder beinahe Popsongs heraus, auch wenn man diese mehrmals hören und dreimal um die Ecke denken muss, um sie als solche zu erkennen. Die Band selbst bezeichnet ihre Musik übrigens als „Zen-Noise“, was immerhin griffig klingt. Auch der Titel der Platte ist äußerst treffend gewählt, denn tatsächlich hat man andauernd das Gefühl, Echos zu hören. Wahlweise aus einer anderen Zeit oder einer anderen Welt.

“Echoes Of Jericho” ist ein Album voller Extreme: Der längste Song dauert knapp zehn Minuten, der Kürzeste 15 Sekunden. Und auch mit einer durchschnittlichen Songlänge zwischen fünf und sechs Minuten sprengen The Happy End jedes Radioformat. Aber wer solche Musik aus einem Radio hören will, der sollte den Drehregler sowieso lieber irgendwo zwischen den Frequenzen der Stationen stehen lassen.

Klar, man könnte der Band vorwerfen, beim Verfassen des Songs All Diffenrent Drugs eben jene konsumiert zu haben – aber das wäre billig und würde höchstwahrscheinlich auch nicht stimmen. Fest steht jedoch: Für solche Musik scheint das Wort „mäandernd“ geradezu erfunden worden zu sein. Destroy Your Brilliant Career hingegen klingt wie die Warteschleifenmusik einer Paranoiker-Hotline.

Manchmal könnte man auch denken, man lauscht einer bipolaren Version von The Notwist. Überhaupt fällt es wirklich schwer, diese Musik ohne Zuhilfenahme von psychopathologischen Krankheitsbegriffen zu beschreiben. Das muss man auch erstmal schaffen als Band! Erst bei At Least lugt ganz verschämt das Sonnenlicht durch die Ritzen in den Fenstern. Und das auch nur, um dann bereits im nächsten und gleichzeitig letzten Song Turn The Sun Down wieder unwirsch abgekanzelt zu werden.

„Echoes Of Jericho“ ist eine Platte, die einen verstört zurücklässt und gleichzeitig fesselt. Was soll man dazu noch sagen?! Hört sie euch an – wenn ihr euch traut…

The Happy End – Echoes Of Jericho (ab 30.07.10, Festplatten/RDS/Cargo Records)

Bandhomepage

Kraftklub – Scheissindiedisco

Die Uncle Sally’s nennt es “K.I.Z., nur mit mehr Gitarren”, und das trifft es eigentlich ganz gut. Es fallen zwar nicht ganz so viele Schimpfwörter wie bei den Berlinern, der Mut zur Selbstironie und die Kraft hinter den Punchlines ist die gleiche.

Als Vertriebskanal vertraut man laut Interviews übrigens unter anderem auf illegale Downloadplattformen (laut myspace ist der physische Tonträger aber auch ausverkauft), den neben Scheissindiedisco größten Anspieltipp Zu Jung gibt es aber auch ganz legal zum Download. Und die gesamte EP Adonis Maximus als Stream.

(EP-Stream via Spreeblick)

Bandhomepage

auf jeden fall geht es um die band katze, die 2005 das vielleicht unterschätzteste Album des gesamten letzten Jahrzehnts aufgenommen hat. und dass, obwohl sänger klaus cornfields vorherige 90er-Band Throw that Beat in the Garbage Can! mit zumindest ein wenig ähnlicher Musik in den neunzigern das Spex-Titelbild zierte und sogar einen MTV-European-Music-Award gewann. Ach ja, er zeichnete ganz nebenbei auch Comics für die Intro und war unter anderem für das Timid Tiger-Bandlogo (von dem sie sich ja mittlerweile verabschiedet haben) verantwortlich.

Aber das markanteste an ihm ist und bleibt seine Stimme. Ergänzend kommt bei Katze dazu vor allem die genauso markante Stimme von Minki Warhol. Und eben eine ganz eigene Art von Musik. Man könnte die Richtung Bubblegum-Punk nennen, die PR-Abteilung spricht von Comic- oder Lollypop-Punk. Geht ja in die gleiche Richtung. Ein wenig elektronisch und teilweise eigentlich viel zu zuckersüße Melodien. Und trotzdem gibt es immer diese Brüche, ohne die das Ganze dann vielleicht doch irgendwann einmal langweilig werden könnte.

So wechseln sich eine ziemlich eingängige Country-Nummer wie Du hältst deine Hände (einem der absoluten Anspieltipps) mit in Ansätzen kakophonisch instrumentierten und ebenso gesungenen Liedern wie dem Titelsong Du bist meine Freunde und schnell gespielten punkigeren Stücken wie dem Opener Franzi wir wollen, dass du bei uns in der Band mitmachst ab. Eins haben all diese Stücke neben den schon angesprochenen sehr markanten Stimmen und der extremen Catchyness gemeinsam: Tolle Texte. Ob es jetzt um das “betrunkene Arschloch auf der Parkbank” (Du hältst deine Hände) oder in Zeilen wie “in meinen Liebesbriefen suchst du nur die Schreibfehler” (Hübsch aber Dumm) um die Probleme mit dieser Sache namens Liebe geht – immer hört man auch ein Augenzwinkern und meist wird ein neuer Blick geworfen auf altbekannte Pop-Themen.

Selten hat Musik, nie hat Punk so viel Spaß gemacht.

(Aber das beste an dem Album ist vielleicht auch, dass ich mit kaum anderer Musik so gut Jonas nerven kann.)

Katze – Du Bist meine Freunde (digital ab 9., physisch ab 23. Juli 2010, ZickZack/What’s So Funny About/Indigo)

Katze bei myspace | Homepage

Katze – Du Bist meine Freunde

Katze sind im September zusammen mit der Blockflöte des Todes auf Deutschland-Tour:

• 14.09.10 Bremen (MS Treue)
• 15.09.10 Hamburg (Silber)
• 16.09.10 Berlin (Comet)
• 19.09.10 Köln (Underground)
• 20.09.10 Frankfurt (Das Bett)
• 21.09.10 München (Orangehouse)
• 22.09.10 Nürnberg (Muz)
• 23.09.10 Leipzig (Moritzbastei)
• 25.09.10 Gera (Haus der Pioniere)
• 26.09.10 Dresden (Bärenzwinger)

Interessant wird es vor allem dann, wenn die Band auf mehrstimmige Gesangslinien setzt und mit Songstrukturen und Rhythmen experimentiert, wie etwa in “Lost Time”. Auch das abschließende “Illuminate Insomnia” mit seinem weltumgreifenden Refrain kann überzeugen.

Insgesamt überwiegen die ruhigen Momente auf dem Album, die dadurch erzeugte Atmosphäre wirkt allerdings nicht ganz so düster und beklemmend wie der wie ausgestorben wirkende Spielpatz bei Nacht im Artwork dazu. Zeitweise erinnern Godzilla Was A Friend Of Mine an eine abgeklärtertere Version von Sparta, doch einer eindeutigen Schubladenzuordnung entziehen sie sich durch ihre eklektische Herangehensweise. Wie an einem Büffet picken sie sich von allem etwas heraus und verstauen es manierlich auf ihrem Teller.

Man hat bei allen gelungenen Ansätzen allerdings teilweise das Gefühl, dass der entscheidende Funken Risikobereitschaft fehlt. Mit ihren sauber geschriebenen und arrangierten Songs gehen Godzilla Was A Friend Of Mine noch ein wenig zu sehr auf Nummer sicher. Nichtsdestotrotz sollte man die Band im Auge behalten.

Godzilla Was A Friend Of Mine – dto. (2010, lässt sich bei der Band per Mail bestellen)

Godzilla Was A Friend Of Mine bei Myspace

Besonders der Bass rückt dabei als melodiegebendes Instrument weiter in den Vordergrund, als man es von vielen Bands gewohnt ist. Aber auch jede Menge anderer Klangerzeuger kommen auf der Platte zum Einsatz – von wohlbekannten wie Klavier und Gitarre bis hin zu exotischeren wie dem Glockenspiel oder der Mbira. Zur rhythmischen Untermalung dienen zwei Drumsets sowie Percussions, für die Fülle sorgen Samples und Loops. Dazu gibt es immer wieder mehrstimmige Gesangslinien oder auch lässig aus dem Ärmel geschüttelte Rap-Parts.

Die Klangassoziationen reichen von Weilheim über I Might Be Wrong bis hin zum kunterbunten knertz! Kollektiv. Aber das trifft es alles nicht richtig. „Beteigeuze“ ist Pop und Anti-Pop zugleich: zu smart für den Mainstream und zu funkelnd-schön für den Außenseiterstatus.

Umso erstaunlicher, dass die Band derzeit noch ohne Label dasteht. Also liebe Plattenfirmen: Zuschlagen und euch eine enorm talentierte Band sichern! Intelligenteren und frischeren Indie Pop hat man in diesem Jahr jedenfalls noch von niemandem gehört.

Tending To Huey – Beteigeuze (lässt sich ab sofort bei der Band per Mail bestellen)

Tending To Huey bei Myspace

Vor lauter Lärm und Stoner-Heaviness verlieren Neume dabei jedoch nie die Melodie und den Groove aus dem Blick. Man fühlt sich an die Kollegen von DŸSE erinnert, allerdings mit leichtem Grunge-Einschlag. Und auch vor komplexen Songstrukturen wie im knapp elfminütigen Puls schrecken Neume nicht zurück – inklusive angetäuschtem Gitarrensolo und furiosem instrumentalen Finale. Wenig später wird dann mit schrägen Takten und Dissonanzen die Weltuntergangsmaschine angeworfen. Zum Abschluss gibt es mit dem verhältnismäßig ruhig beginnenden, sich aber zu einem wahren Brecher steigernden The Chemist nochmal ein Highlight.

Einziges Problem an der Platte: Wenn man sie zuhause angemessen laut aufdreht, kann man auch gleich seinen Mietvertrag zerreißen. Da hilft wohl nur der Besuch eines Livekonzerts der Band. Wohliges Ohrenklingeln garantiert!

Neume – Inch (ab 11.06.10, BluNoise Records/Alive!)

Neume bei Myspace

Die Platte bietet gleich ein paar Highlights: Zum einen wäre da natürlich Worte wiegen schwer, in dem Ex-Spandau-Mitglied und Herrenmagazin-Frontmann Deniz Jaspersen als Gastsänger zu hören ist. Der Song ist wunderbar, sobald man sich von der wohl schlimmsten Textzeile des Albums, mit der eben dieser Song beginnt: “Worte wiegen schwer, das ist prekär.”

Ansonsten sind es nämlich neben großartigen Gitarrenlinien vor allem die Texte, die die Band auch auf diesem Album auszeichnen. Manch andere Band wäre zum Beispiel bei einem Thema wie Gentrifizierung entweder in Punk-Plattitüden oder, noch schlimmer, in Sozialromantik abgerutscht – nicht so Spandau in Altona. Es wird vor allem beobachtet und die eigene Ratlosigkeit in so einer Situation geschildert.

Ein weiterer Höhepunkt ist Lied Nummer 8, Gesucht, Gesehen, Gebrannt, DIE Hymne für Konzertgänger. Genauer als hier ist wohl selten das Gefühl, ein Konzert seiner Lieblingsband zu sehen, beschrieben worden – schöner wohl noch nie.

Spandau – Als die Jugend kollabierte (CD im Digipak, 2010, Eigenvertrieb via Bandhomepage)

Das sauschön gemachte Ding hört auf den schmunzelnden Namen If I Had A Hi-Fi und versammelt hinter seiner liebevoll gestalteten Hülle verschiedenste Titel. Ob Megahit der frühen Neunziger (Depeche Mode – Enjoy The Silence) oder süßliches Kleinod (Janine von Arthur Russell) – Sänger Matthew Caws zufolge hat die Band hier einfach all das in einen Topf geschmissen, was ihren Mitgliedern so gefällt. Evolution etwa ist ein Lieblingslied von Bassist Daniel Lorca. Auf dem erschöpften Heimweg von einem langen Tag am Strand lief der Song der spanischen Band Mercromina im Radio – und Lorca hat sich sofort in ihn verliebt.

Nada Surf schaffen es, kuschelige Französische Chansons, New Wave und knackigen Indie gemeinsam harmonierend in Szene zu setzen. Die Band hat den unterschiedlichen Songs ihren unnachahmlichen Stempel aufgedrückt – zur Freude aller Fans. Meint man zu Beginn des Albums vielleicht doch noch, eine etwas dröge Sammlung in den Händen zu halten, ändert sich diese Meinung spätestens nach dem dritten Hördurchlauf oder einer Autofahrt von Berlin nach Mainz. Mal wieder schaffen es die New Yorker Jungs, ein Album wie aus einem Guss zu produzieren, dessen unzählige Ohrwürmer einen auch Wochen später noch ungefragt wohlig umarmen.

Im Juli touren Nada Surf übrigens bereits zum zweiten Mal mit ihrer charmanten Coverplatte durch Europa. Ein Besuch lohnt sich definitiv.

Nada Surf – If I Had A Hi-Fi (2010, Rykodisc/Warner)

Nada Surf – Enjoy The Silence (Depeche Mode Cover)

“Blue Skies” ist das zweite Album von Grand Sports. Und eins vorweg, es ist weder eine schlechte noch eine langweilige Platte geworden. Aber eben auch keine, die einen vom Hocker reißt. Es sind solide bis gute Rocksongs darauf zu finden (allen voran der Opener The Truth und das Titelstück Blue Skies). Und die Zusammenarbeit mit dem Blunoise-Produzenten Guido Lucas war ohne Frage eine gute Idee, denn das ungehobelt Krachige steht dem Album gut zu Gesicht und verleiht ihm einen gewissen Charme.

Zur Auflockerung dienen mal ein paar Handclaps (All We Need) oder ein unerwarteter Reggea-Part (Flowers On The Moon). Dabei merkt man der Band an, dass sie sich nicht darum schert, was gerade angesagt ist und was nicht. Das mag man lobenswert finden, allerdings sorgt es in diesem Fall dafür, dass “Blue Skies” in etwa so spektakulär gerät wie ein Feierabendbier in der Stammkneipe.

Etwas experimenteller wird es erst gegen Ende mit dem ausufernd betitelten Instrumental The Rough Cutting Edges Of The Selfproclaimed Quack Named Dr. Raloscisum, welches verhalten in Richtung Prog schielt. Zum Abschluss gibt es mit Seven Riders dann noch einen ordentlichen Schuss Melancholie, bevor sich der Song beharrlich steigert und das Album nach einem angemessen zelebrierten Gitarrengeschrammel ausklingt. Auch das ist beileibe keine neue Idee.

Man kann es nicht anders sagen: Mit “Blue Skies” ist Grand Sports eine ordentliche Rockplatte gelungen. Nicht mehr und nicht weniger.

Grand Sports – Blue Skies (ab 28.05.10, BluNoise Records / Alive!)

Grand Sports bei Myspace

Die vollständige wirkung eines neuen gisbert zu knyphausen-albums entfaltet sich erst dann, wenn man die dazugehörigen songs zum ersten mal live gehört hat. Das durfte ich in überwältigender art und weise am vergangenen Freitag im wiesbadener schlachthof erfahren.

Um die 1000 zuhörer fanden sich zur kollektiven gänsehaut ein. Manche von ihnen kennen gisbert, seit er ein kleiner junge war. Manche sind vielleicht gerade erst jetzt durch die fast schon unheimliche mediale gisbert zu knyphausen-manie auf ihn aufmerksam geworden. Manche hatten sich einfach eingefunden, um traumhaft schöne lieblingslieder wie �erwischt� oder �sommertag� laut mitzusingen.

Auch meine wenigkeit ließ sich das mitsingen nicht verbieten. Der ein oder andere böse blick eines eher stillen konzertgenießers brachte mich zwar an den rande eines schlechten gewissens. �Dieses verflog aber schlagartig, als gisbert mir nach dem konzert gestand, vor ein paar jahren noch selbst einer der lautesten �mitsinger� auf bright eyes konzerten gewesen zu sein.

“Teile dieser Platte sind so schwarz wie das Cover”, schreibt jan wigger. mal abgesehen davon, dass das artwork von tina polster wie schon beim ersten album wieder ganz fabelhaft gelungen ist, wirkt das album wirklich textlich düsterer als das debüt. all der melancholische tiefgang wird aber immer wieder flankiert von schroffer lakonie. bestes beispiel hierfür ist “melancholie” – für mich das “spieglein, spieglein” des neuen albums – mit zeilen wie “ich mein, du weißt ja, eigentlich mag ich dich sehr gerne, wenn du nur ab und zu mal deine fresse halten würdest.” genau diese ganz eigene mischung aus poesie, pathos, wortwitz und alltagssprache ist es, die gisbert zu knyphausen ausmacht und abhebt� von all den anderen talentierten deutschsprachigen songwritern unserer zeit.

bei all den lobeshymnen auf die knyphausenschen texte sollte man nicht vergessen, dass “hurra! hurra! so nicht!” ein kunstwerk einer fünfköpfigen band ist. frenzy suhr, gunnar ennen, jens fricke und sebastian deufel gehören genauso dazu wie ihr namhafter bandkopf. damit das auch der letzte mitbekommt, wird es im eröffnungssong des albums “hey” gleich richtig laut. die musikalische untermalung der band verbindet die melancholischen und die wenigen euphorischen stücke der platte zu einer einheit, setzt stücken wie “grau, grau, grau!” oder “kräne” (eine art abschieds-hymne an hamburg und seinen hafen) die krone auf und sorgt vielleicht dafür, dass als referenzen in zukunft nicht mehr nur element of crime und reinhard mey sondern auch wilco oder the notwist herangezogen werden.

so oder so ist der inzwischen in berlin gelandete musiker gisbert zu knyphausen mit seinem zweiten album im mainstream angekommen. das beweisen 1000 besucher im schlachthof in wiesbaden, das beweist eine mehrseitige story im rolling stone aber zu allererst beweisen das elf ausnahmslos grandiose songs.

das foto hat übrigens anna thut geschossen. vielen dank dafür!

Und wo er keine hat, erkämpft er sie sich. Oder singt zumindest drüber, wie in Opener, Titeltrack und kommender Single Enklave. Hier werden (wie auch auf einer zugehörigen Seite, die sich auch unter einem der QR-Codes im Booklet findet und einem sich in der Produktion befindenden Video) Freiräume für alles gute und schöne gefordert. Das klingt dann sowohl musikalisch und textlich ziemlich nach Hamburger Schule – und das soll nicht die letzte Referenz sein, die einem beim Hören der EP einfällt.

Der Promozettel nennt beinahe zu jedem Song eine internationale Größe, die ähnlich klingen soll – dass dabei aus Brian Molko Brian Moloko wird, ist wahrscheinlich bloßer Zufall. Aber der Placebo-Vergleich passt schon überraschend – aber das Original ist wie meistens besser als die Kopie. Zum Glück ist All die Geister mit denen ich schlief aber der schwächste Song der Ep.

Im nächsten Song 22.22 besinnt sich Daniel Decker nämlich wieder auf PSO-Zeiten und liefert eine ziemlich großartige Satire auf alle Wichtigtuer unter den Songwritern. Und auch, wenn wir genau diese Musiker ja oft mit am meisten lieben, macht es Spaß, einmal über – oder eben mit ihnen – zu lachen.

Lied Nummer vier (Vorstadtjunge) ist dann die 1:1-Übertragung des 80er Jahre Gay-Klassikers Smalltown Boy von Bronski Beat, und deshalb sparen wir das hier mal aus.

Schließlich geht es im Anschluss daran zum besten Lied des Albums, Langsames Gift. Ich bin ja der festen Überzeugung, dass jeder Platte eine Ballade gut zu Gesicht steht, und bei Enklave ist es der letzte Song. Schaurig-schöner hat zumindest dieses Jahr noch kaum jemand all den Schmerz, den man beim Gang durch diese Welt fühlt, beschrieben. Und ist dann auch noch zu einem Happy End gekommen.

Daniel Decker – Enklave EP (ab 28.5.2010, Tumbleweed/Broken Silence)

Um die Jugend geht es auch auf dem neuen Album. Gleich eine ganze Hymne (Anthem for doomed youth) wird ihr gewidmet und vor ihren Eltern gewarnt (Be afraid of your parents). Das sind aber nicht die einzigen Songs, die quasi eine Fortsetzung von ihren jeweiligen Vorgängern auf Album Nummer eins darstellen: Europe ist natürlich Teil Zwei des Songs America, klingt aber musikalisch vollkommen anders: Wo America noch Ohrwurm-Potenzial en masse hatte, ist Europe einer der kantigsten Songs, den die Band jemals veröffentlicht hat.

The Indelicates – Europe

Und auch musikalisch knüpft man dort an, wo man aufgehört hatte: Your Money ist mit seinem Piano-Intro und der erst danach einsetzenden E-Gitarre – genau wie Jerusalem (hier sind es vor allem die Drums) – ein wohl archetypisches Indelicates-Stück. Und auch textlich bewegt man sich auf gewohnt hohem Niveau. Zwar hat man nicht mehr bei jedem Refrain das Gefühl, sich jeden zweiten Satz auf die Haut tätowieren oder zumindest auf ein T-Shirt schreiben zu wollen, hochintelligent sind die Texte aber allemal. Und poetisch noch dazu. Beispiel gefällig? “No Garden and no home we are Greeks in the age of Rome/With no right to criticise the happily dull to Grecian eyes/Now the world has no need of the songs that we sang/We are savages you and I and we will hang, hang, hang” (Savages).

Auch wenn es so klingt, als sei Songs for Swinging Lovers der zweite Teil von American Demo, ist das Album alles andere als das. Es ist ein absolut eigenständiges Album, das völlig getrennt vom Debut betrachtet werden muss. Ob es auf Dauer besser, gleich oder schlechter als sein Vorgänger ist, weiß ich auch nach dem mindestens sechsten Durchlauf nicht. Wenn ich mich entschieden habe, melde ich mich. Eigentlich ist es aber auch egal: Songs for swinging Lovers ist nämlich ein großartiges Album. Punkt.

(Ein weiteres absolutes Highlight des Albums ist übrigens auch das hier schonmal vorgestellte Sympathy for the Devil.)

The Indelicates – Sympathy for the Devil

The Indelicates – Songs for Swinging Lovers (2010, als Pay-What-You-Like-Download via Corporate Records, Physische Tonträger ab Juni 2010)

(Ich weiß, hatte euch den Artikel schon für gestern versprochen, hab es aber nicht geschafft. Sorry.)

Eines der besten Dinge bei den New Pornographers ist, dass die drei wichtigsten Bandmitglieder, Neu-Woodstocker Carl Newman, Dan Bejar und die wohl bekannteste Solokünstlerin der Band, Neko Case, außerhalb der Band ziemlich unterschiedliche Musik machen. Es kreist alles irgendwie um das weite Feld Indie-Pop, aber ein A.C. Newman-Album klingt dann doch ganz anders als eins von Neko Case oder gar die neueste Destroyer-Ep. Entsprechend abwechslungsreich klingen so regelmäßig auch die New Pornographers-Alben. Auch dieses Mal.

Der Opener The Moves und das schon bekannte Your Hands (together), zum Beispiel, weisen noch einen letzten Rest Glam Rock auf. Für sich genommen sind es keine schlechten Songs, können aber mit dem Rest des Albums größtenteils nicht mithalten. Denn das, was sonst auf dem Album zu hören ist, gehört mit zu dem schönsten und besten, was 2010 bisher erschienen ist (und wahrscheinlich erscheinen wird): Silver Jenny Dollar ist der beste Song, den Dan Bejar mindestens seit dem 2003er Testament to Youth in Verse (auf Electric Version) für die Pornographers geschrieben hat. Sein Refrain, mit Background-Gesang von A.C. Newman und seiner Nichte und neuestem Bandmitglied Kathryn Calder, dürfte die nächsten Wochen nicht mehr aus meinem Kopf gehen. Mit Valkyrie and the Roller Disco ist auf dem Album auch wieder eine wunderschöne mehrstimmig gesungene Ballade enthalten, und My Shepherd, das wohl dunkelste Stück auf der Platte, begeistert mit einem Bläser-Solo. Dazu gibt es dann noch ein paar Stücke, die irgendwie typisch nach Pornographers (z.B. die erste Single Crash Years) bzw. nach dem jeweiligen Nebenprojekt des Songwriters klingen (If you can’t see my Mirrors könnte genausogut auf einem Destroyer-Album sein), die nichtsdestoweniger tolle Songs sind.

Vielleicht sind es auch sie, die das Album so gut machen: Bei einer so großen Band muss man ja immer Angst haben, dass ein Album ziemlich ausfranst und kein roter Faden mehr zu erkennen ist. Die Pornographers haben es auf Together einmal mehr geschafft, trotz sehr unterschiedlicher Songs diesen roten Faden zu finden.

The New Pornographers – Together (2010, Matador/Beggars Group/Indigo)

Wir wissen, dass viele von Euch enttäuscht waren, weil wir die Veröffentlichung unseres Albums in Eurer Region zunächst zurückgehalten haben. Das bedauern wir aufrichtig – derlei Restriktionen widersprechen all unseren Grundsätzen den freien Austausch von Daten in der ganzen Welt betreffend, und wir haben uns die letzten drei Wochen deshalb sehr schlecht gefühlt. Wir hoffen, dass Ihr die Gründe dafür nachvollziehen werdet.

Mehr in der Pressemitteilung der Band. Und morgen hier ein ausgiebiges Review.

(via twitter)

(hatte vorhin im Bus noch drüber nachgedacht, wann es das album endlich auch in Deutschland gibt)

Der Bass knarzt mürrisch, die Schlagzeugbecken scheppern, schiefe Gitarrenakkorde hauen dazwischen, die Stimme scheint von weit draußen zu kommen. Gewohnte Songstrukturen werden dabei aufgebrochen, man weiß nie so ganz was als nächstes passiert. Auf Mitsingrefrains wartet man jedenfalls vergebens. Das alles trägt zu der klaustrophobischen und leicht verstörenden Atmosphäre bei, die das Album erzeugt.

Gerade die ersten drei Songs Gorilla The Bull, Not Fences Mere Masks und Unsilvered Mirrors strotzen nur so vor Verzweiflung und Energie. Mit den darauffolgenden Liedern lassen es Untied States dann etwas subtiler angehen. Beeindruckend ist dabei unter anderem, wie lebensmüde sie in These Dead Birds selbst einen eigentlich beschwingten 6/8-Takt klingen lassen können. In Take Times For Always wird dann anschließend wieder Gift und Galle gespuckt. Holding Up Walls entspricht dagegen wohl ihrem Verständnis einer zugänglichen Single, klingt allerdings immer noch mehr nach aufgeschlagenen Knien als nach Tanzfläche.

Kurz: Dieses Album könnte wohl sogar Sven Väth die gute Laune austreiben. Freunden von hinter- und abgründigem Noise-Rock mit Avantgarde-Einschlag vermag es dafür ein zufriedenes Grinsen ins Gesicht zu zaubern.

Untied States – Instant Everything, Constant Nothing (ab 30.4.10, Distile Records)

Die Songs, die Matthias Schrei unter seinem Alias hier auf dem Album Wenn Blicke Flöten Könnten wissen nämlich zu überzeugen. Wo manch anderer Humor-Rocker nämlich vergisst, dass zu einem guten Lied auch eine passende Melodie gehört, baut Schrei auf eine Breite musikalische Erfahrung: Schon mit 13 verdiente er sich als Kirchenorganist was dazu, und die meisten Instrumente auf dem Album spielt er heute selbst.

Aber auch die Texte sind überraschend gut: Zwar ist der Opener Mädchenhaarallergie eher Pennälerhumor als große Kabarettkunst, aber was danach kommt, ist ziemlich überzeugend: Wer kennt denn nicht das Fehlen von immer neuen Komplimenten für die oder den Liebe(n), wie es in Du bist schön wie ein Flughafen thematisiert wird. Und selbst Themen, die schon vorher von anderen Musikern behandelt wurden, wird etwas neues abgewonnen: Volkshochschulkurs erinnert stellenweise an Ein guter Tag zum Sterben von JBO, birgt aber genügend neue eigene Ideen. Liebe kommt, liebe geht schließlich klingt beim ersten hören etwas ernster, die Beziehungskonstellation in dem Lied verlockt dann aber doch wieder zum schmunzeln.

Alles in allem durchaus kein schlechtes Album, vor allem für Fans von den Monsters of Liedermaching, Kapelle Petra oder Funny van Dannen, genau wie bei denen dürften aber vor allem die Livekonzerte das sein, wo man das Gehörte wirklich zu schätzen lernt.

Deshalb geht es im Herbst dann auch auf Tour mit Katze.

Blockflöte des Todes – Wenn Blicke Flöten Könnten (ab 30. April 2010, WannseeRecords/Sony)

Blockflöte des Todes – Mädchenhaar

(via auf ein neues)

Vor ein paar Wochen stellte ich euch ja Missent to Denmark vor, eine Band, die vor eineinhalb Jahren mal in meinem Blickfeld auftauchte, von dort aber schnell wieder verschwand. Am Freitag erscheint nun ihr wunderbar gestaltetes zweites Album I am your son.

Missent to Denmark stammen aus Deggendorf. Das ist zwar gut 200 Kilometer von Weilheim entfernt, der Sound der Band ist dem von The Notwist und co. aber wesentlich näher.

Auch wenn es ein paar fröhlichere Songs gibt (Once a year zum Beispiel), die vorherrschende Stimmung auf dem Album ist schon die Melancholie. Die besten Momente sind aber – wie so oft – die, wo die Musik ins leicht pathetische geht. Das ganz große Gefühl, das ist es, was Popmusik manchmal braucht. Aber eben nur in Maßen. Missent to Denmark haben auf I am your son das richtige Maß gefunden.

missent to denmark – i am your son (ab 16.4.2010, Biegen & Brechen/Rough Trade)

Ich konnte trotzdem schonmal reinhören, und das Album ist erwartungsgemäß toll. Nicht ganz so poppig wie der Erstling, aber trotzdem wunderbar.

Ne ausführliche Kritik findet ihr u.a. bei Julia.

Ich habe nämlich momentan keine Lust, das Album zu rezensieren. Danke, Deutschland. Danke, Indelicates. Danke, Plattenindustrie. Wer auch immer Schuld ist.

Seine letzten EPs veröffentlichte Sebastian Cleemann alias Petula als 3,5″ Floppy-Disk (und später in einer Extended Version Online) bzw. auf dem Online-Fanzine Rote Raupe, und so verwundert es auch nicht, dass sein neuestes Werk – endlich ein komplettes Debutalbum! – namens Elephant Dresses auf Tape erscheint. Aber keine Angst: Jedem Exemplar der limitierten Kassettenauflage liegt auch ein Downloadcode bei. Man kann sich also das mühselige Überspielen auf den Rechner sparen, und das Album trotzdem auch auf dem PC oder MP3-Player hören.

Neben seinem Soloprojekt Petula spielt bzw. spielte Sebastian bei zwei der kreativsten Bands in deutschland: Kate Mosh, die sich ja leider vor eineinhalb Jahren (mehr oder weniger) aufgelöst haben, sowie SDNMT. Petula klingt dabei vor allem nach letzterer Band, und eigentlich gar nicht nach Soloprojekt. Das dürfte daran liegen, dass mit Hilfe elektronischer Hilfsmittel wie Loopern, die er selbst bei Livekonzerten benutzt, wahre Klanglandschaften entstehen. Da fällt es dann mitunter gar nicht auf, dass der dreistimmige Gesang eigentlich aus einem Mund und die Begleitung quasi nur aus einer mehrfach übereinandergespielten Gitarre (und ein paar Effekten und Drums) besteht. Das ist natürlich nichts für zwischendurch und wohl auch ganz und gar nicht radiotauglich.

Dafür erfordert solche Musik, wie sie auch auf Elephant Dresses enthalten ist, einfach zu viel Konzentration – auch beim Hören. Denn zusätzlich zu ihrer inneren Vertracktheit sind die Songs auch noch ziemlich abwechslungsreich: Der Opener Poore Aime sticht als wohl poppigster Song der Petula-Geschichte hervor (und der Gesang kommt einmal nicht nur von Sebastian), Home Little Home lässt vor allem eine Isländisch inspirierte Atmosphäre entstehen und bei Daze End verliert man sich komplett in einer seltsamen Klanglandschaft und versucht, sie mithilfe seines inneren Videoclipregisseurs zu deuten.

Einzig und allein Live sind die Songs von Petula noch besser, schon allein, weil man nicht wirklich glauben mag, dass es ein Solo-Projekt ist. Aber als kleine Entschädigung gibt es das Album ja auf einem ganz speziellen Tonträger. Und dann ist man ja schon wieder ein bisschen versöhnt.

Petula – Elephant Dresses (Tape/Download ab 16. April 2010, Froggirecords)

Petula-Homepage // Labelhomepage

Zu ihrer besten Zeit war die Band aus Ibbenbüren in der Nähe von Münster unter anderem mit der Retro-Hymne Whatever happened to the eighties erfolgreich, und ich erinnere mich an eine tolle Liveversion von Twisted Sister’s We’re not gonna take it, die ich mal irgendwann auf MTV sah. Aber irgendwie ist die Band die letzten Jahre genau da stehen geblieben: In der Pose.

Jeder einzelne Song klingt – ersteres muss man schon zugeben – auf seine ganz eigene Art wie eine musikgewordene Rockstar-Pose. Das mag Live Spaß machen, vor allem den Zuschauern auf Kleinstadtfesten oder riesigen Massenevents wie Rock am Ring und co., aber mehr auch nicht. Auf Platte ist so etwas äußerst langweilig.

Donots – The Long Way Home (2010, Solitary Man/Indigo)

Donots – Calling

In Dänemark wollten sie nicht ständig bleiben. Und authentischer ist ihre Musik eh da, wo sie nach langer Überfahrt auch für die Aufnahme ihres neuen Album mal wieder die Anker geschmissen haben. In Brooklyn, New York. Wie Gewürze streuen Thorben Seier� Jensen und Sune S�lund mit ihrer nun zur Band gewachsenen Faith Mission schräge Fetzen Gesang, Chorgesänge und verschiedenste kleine Stückchen Geräusch auf ihre Musik. Auf das beschwingt trommelnde Schlagzeug, auf das dumpf tupfende Klavier, auf kratzige und warme Stimmen. Rund, aber nicht glatt. Melancholisch, aber nicht pathetisch. Das hier klingt nach brickstones und nach einem kühlen Wind, nach Abendsonne, die sich zwischen den Ästen der Bäume verliert, nach im Caf� sitzen und gut fühlen. Nach einem tiefen durchatmen.

Wer Bands wie Death Cab For Cutie, Eels oder auch Arcade Fire mag und nichts gegen eine ordentlich verträumte Portion Melancholie hat, sollte sich ganz schnell an die Alcoholic Faith Mission ran machen. �Let This Be The Last Night We Care� ist Musik wie ein Blinzeln, viel und gut, ab und an ein bisschen viel. Wie das Gefühl kurz vorm Niesen. Geil.

Alcoholic faith mision – let this be the last night we care (2010, indigo)

Alcoholic Faith Mission – My Eyes To See

Bei Pitchfork kann man den ersten Vorboten Baby Lee kostenlos herunterladen.

(u.a. via Spreeblick und Indieblogheaven)

Bisher war Jona Steinbach ohne Nachname unterwegs, zwei seiner bekanntesten Songs hießen In den Slums und Auf dem Balkon. Besonders letzterer war nah dran an der Musik, mit der Bands wie Kettcar damals bekannt wurden. Das letzte bisschen Rockmusik ist nun, auf Alles negieren, aber auch verschwunden, stattdessen geht es um puren Pop. Mal atmosphärisch, mal leicht elektronisch, dann wieder mit dem nötigen Bombast. Das also, was in Deutschland bisher kaum jemand geschafft hat.

Das Album hat dabei Momente, für die allein sich das hören schon lohnt. Ein Waldhornsolo zum Beispiel hat sich bisher wohl niemand getraut – vielleicht auch zurecht. Bei Der Tanz passt es aber wie die sprichwörtliche Faust aufs Auge. Ein absolutes Highlight nicht nur der Platte, sondern des bisherigen Popjahres.

Der Rest des Albums steht hinter sowas natürlich etwas zurück, muss sich aber nicht wirklich verstecken. Das Titelstück des Albums bringt die Füße sogar ein wenig in Bewegung, Du sagst mir immer nur dass du mich liebst wenn du betrunken auf dem boden neben kajtek liegst muss man alleine schon wegen Songtitel und -text lieben und In den Gedanken ist der Abschiedssong des bisherigen Jahres.

Jona Steinbach ist alleine genau das gelungen, was Bands wie Virginia Jetzt! schon seit Jahren versuchen. Er hat eine gänzlich unpeinliche Popplatte mit ganz viel Gefühl und Gefühlen gemacht. Auch wenn das jetzt peinlich klingt.

Jona Steinbach – Alles negieren (2010, Cobretti Records/Brokensilence)

Jona Steinbach – In den Gedanken

Indiestreber präsentiert die Tour.

• CD
• Digital (inc. iTunes enhanced LP)
• Special Edition: CD + full length book of supplementary essays ‘Apologies and Explanations’
• Extra Special Edition: CD + ‘Apologies and Explanations’ + Art Book + Customised USB album (details TBC)
• Super Special Edition: As above + Simon and Julia will come round your house, perform the album for you, record the performance and sign a contract transferring the rights in the master to you.

das album erscheint übrigens bei cooperate records, der bandeigenen neugegründeten experimentellen plattenfirma. was auch immer das so ganz genau heißt.

und auch mit seinem sechsten Solo-Album Minor Love wird sich das wohl nicht ändern: Zwar ist jeder Song ganz nett, an der einen oder anderen Stelle (zum Beispiel bei Oh Shucks) blitzt sogar seine Vergangenheit bei den spätestens seit dem Juno-Soundtrack wieder im Gespräch befindlichen Moldy Peaches und in der New Yorker Anti-Folk-Szene durch.

Deshalb kann man eigentlich auch nicht viel negatives über das Album sagen. Aber allein der Fakt, dass es bei uns erst jetzt, über 2 Monate nach Veröffentlichung, rezensiert wird, spricht Bände. Ich hatte es einfach immer wieder vergessen. Obwohl ich schon vor der Veröffentlichung eine Promo-CD hörte.

adam green – minor love (2010, Rough Trade/Beggars Group)

adam green – cigarette burns forever

dementsprechend groß war auch meine vorfreude auf das konzert. der rest des publikums schien auch durchaus interessiert zu sein. immerhin gab es kein nerviges gequatsche während des auftritts. es tropfte allerdings auch nicht gerade der schweiß von der decke. der funke schien an diesem abend einfach nicht überzuspringen. fairerweise muss man anmerken, dass der funkenflug auf der bühne rar gesät war. besonders die aufreizend lässige performance des sängers matt lamkin brachte der band nicht gerade zusätzliche sympathien ein. ich wiederum bin der meinung, dass keine performance manchmal auch eine performance ist. mark e. smith ist in den 80ern bei den the fall-konzerten schließlich auch nicht wild auf der bühne herumgesprungen.

mehr eindruck schienen da schon die iren von delorentos hinterlassen zu haben, die ich leider verpasst habe. aber was heißt hier eigentlich leider? ich habe sie gesehen, meine hits: “answer to yourself” mit dem slogan “i think i’m gonna die before i see my time”. “parasites”, der einzige muslims song, der es aufs album schaffte, mit diesem hypnotisierenden, sich ständig wiederholenden basslauf. das stampfende, von kritikern wahrscheinlich als monoton abgestempelte “flammable” oder das umwerfend melodiöse “more or less”. die band ließ songtechnisch nichts zu wünschen übrig (was aber auch nicht wirklich schwer ist bei nur einer albumveröffentlichung).

vor dem konzert verriet mir die band im interview, dass sie große comedy-fans sind. es sei unter anderem furchtbar entspannend, sich nach einer anstrengenden tour einfach zurückzulehnen, kein gitarren-amp im ohr zu haben, sondern sich einfach ein bisschen entspannt unterhalten zu lassen. ich hoffe, dass es nicht der gedanke an einen entspannten comedy-abend war, der sie dazu bewog, keine zugabe zu geben. der großteil des publikums war sich jedenfalls einig, dass es von eher wenig humor zeugt, die bühne� nach einem 45-minütigen, straight durchgespielten set wortlos zu verlassen. da das set aber nicht nur abrupt beendet wurde, sondern danach auch hastig sämtliches equipment auf der bühne abgebaut wurde, ist wohl eher davon auszugehen, dass einfach ein akutes zeitproblem von seiten des clubs der grund für das jähe ende dieses konzerts war.

ich fand es nicht weiter schlimm, denn ich hatte sie gesehen: meine aktuelle band der stunde. außerdem hatten sie ja wie erwähnt alle songs gespielt, alle songs dieser absolut famosen und empfehlenswerten platte. einer davon ist übrigens die hier als video gepostete single “c’mon”.

the soft pack – the soft pack (2010, cooperative / universal)

2008 hat die Band eine possierliche 3-Track-EP aufgenommen. Alle drei Songs, namentlich �Teenage Anthem For The Broken Boat�, �Stranger Flowers� und �Sunday Matinee�, enthalten fast ausschließlich Musikreferenzen. Beispiele gefällig?

� i made you a mix tape
okay it’s not a tape at all
but it’s full of sad songs
that make summer feel like fall�

(teenage anthem for the broken boat)

� i love your radio show
the kind of songs you play
the way you talk real slow
i love the way you say
“we just heard the title track from the new juliet and abel.
it’s called a symphony of wildfire out on the tramp star label.”

(stranger flowers)

�i don’t care about the song
but i could watch you listen all night long�

(Sunday matinee)

“Sunday Matinee” (der erste song seit langem, der bei mir eine minutenlange gänsehaut erzeugte) und “stranger flowers” schafften es dann auch auf das zweite Album der Band �Safe Inside The Sound�, welches zum einen herzerwärmend schön ist und zum anderen genau wie die erwähnte EP auf der bandeigenen Homepage zum Download zur Verfügung steht. die platte ist musikalisch irgendwo zwischen Sparklehorse – der Band des in dieser Woche verstorbenen Mark Linkous – und den hier bereits der vollen euphorie ausgesetzten the rural alberta advantage anzusiedeln. Beat Radio liefern also genau die richtige Brise verträumten, zerbrechlichen Indie Pop.

Ein paar Blogger und Journalisten dies- und jenseits des großen Teichs haben “Safe Inside The Sound” längst zum Geheimtipp erkoren. Doch darauf möchte sich Brian Sendrowitz anscheinend ungern ausruhen. Mit “Golden Age” hat er einen neuen Song veröffentlicht. Runterladen kann man den unter anderem vom amerikanischen blog massesmasses.com. Gleichzeitig stellt er den Anfang einer monatlichen Single-Veröffentlichungsreihe dar. Man darf der musikalischen Zukunft von Herrn Sendrowitz und seiner Band also durchaus gespannt entgegen fiebern.

Ich hatte sehr unterschiedliche Werke vermutet: Die Vorabsongs When you walk in the room und She needs me von Fyfe Dangerfields Solo-Debut Fly Yellow Moon wiesen ja durchaus Parallelen zu Mika oder sogar Freddie Mercury auf. Singer-Songwriter-Melodien trafen auf Bombast. Und das war wunderbar. Nach den beiden Songs schienen die Bombast-Kanonen im Hause Dangerfield allerdings mehr oder weniger leergeschossen.

Aber: Halb so schlimm. Denn um die beiden Songs herum gruppiert sind wunderbare Songs, die zwar so viel mehr nach dem einsamen Mann mit der Gitarre als nach dem großen Entertainer klingen. Allen voran geht dabei Faster than the Setting Sun, in dem Dangerfield dann doch noch einmal richtig schön pathetisch singt, und dessen Refrain im schon erwähnten She Needs Me noch einmal aufgegriffen wird, und dem wohl schönsten, passendsten und besten Stück, das in den letzten Jahren eine CD beenden durfte: This can go in any direction.

Man hätte diese Stimmungswechsel allerdings auch erwarten können: Schon die beiden Alben der Guillemots, Fyfe Dangerfields eigentlicher Band, waren unter anderem geprägt durch die Unterschiedlichkeit der einzelnen Songs.

Andererseits waren die langsameren Lieder einer der Gründe dafür, dass ich beim ersten Hören den Übergang zu Erik Pennys Bend in meiner Playliste verpasste. Bei dem Album hatte ich denn auch das genaue Gegenteil erwartet: Sehr langsamer und getragene Singer-Songwriter-Songs, schön für den Kaminabend ohne Kamin im Herbst bzw. ausgehenden Winter. Aber die Songs des Albums erwiesen sich dann doch als Popsongs im besten Sinne.

Das Album geht in Under the gun noch gemächlich los, steigert Tempo und Energie dann aber doch recht schnell. In Dreaming of you wähnt man sich dann in einer Adam Green-Scheibe zu Gemstones-Zeiten, Side of the Road könnte der beste Song im Lebenswerk einer Radio-Rock-Band sein und auch an anderen Stellen des Album erwischt man sich beim Gedanken, das doch schon einmal irgendwo gehört zu haben. Allerdings tut das der Platte keinen Abbruch, im Gegenteil.

… und so treffen sich zwei CDs, von denen ich vollkommen unterschiedliches erwartet hatte, ziemlich genau in der Mitte – und wurden beide zu absoluten Empfehlungen für den beginnenden Frühling.

Fyfe Dangerfield – Fly Yellow Moon (in Deutschland noch nicht veröffentlicht, UK: 2010, Polydor)
Erik Penny – Bend (ab 5.03.2010, Believe Germany/Future Pop)

In ein paar Wochen – ein genauer Termin steht wohl noch nicht fest – gibt es einmal mehr einen neuen tonträger von Angelika Express. Und einmal mehr befindet sich eine neue Version meines All-Time-AE-Favorites Cocktail für eine Leiche (wieder einmal unter neuem Titel) auf der CD. Zwar gefällt mir immer noch die ursprüngliche Version am allerbesten, aber die neuen Songs, die oben in dem Youtube-Video aneinandergeschnitten wurden, klingen durchaus interessant.

Mehr Infos auf der Bandseite.

Eine Besonderheit ist dabei, dass die Platte den Fans sowie den Medien gleichberechtigt zugänglich gemacht wird. Seit gestern lässt sich das Album in verschiedenen Ausführungen auf der Homepage der Band kaufen, außerdem kann man es dort auch komplett als Stream hören. Auf zuvor versendete Rezensionsexemplare wurde dagegen verzichtet.

Ich habe das Album noch nicht gehört, aber der zum kostenlosen Download angebotene Appetitanreger The Dead Dog klingt schonmal vielversprechend.

Sie selbst bezeichnen ihre Musik als “Pop Songs for Rock Kids” und liegen damit schonmal ganz gut. Denn ihr Debütalbum “Our First American Friends” klingt in einem Moment nach zuckrig-süßem Pop-Punk und im nächsten nach Math-Rock-Leistungskurs. Wer Referenzen benötigt: Etwa so wie Biffy Clyro mit weniger Testosteron oder Minus The Bear nach zu vielen Energydrinks.

Erstaunlich ist dabei, wie souverän Tubelord jugendliche Zappeligkeit und abgeklärte Melodien unter einen Hut bringen und aus selbigem immer wieder noch einen neuen abgefahrenen Part hervorzaubern. Mit bösem Willen könnte man das auch als Hymnen für die Generation ADHS bezeichnen. Doch wer genauer hinschaut bemerkt, wie clever hier alles ineinandergreift.

Denn auch, wenn man sie vor lauter Überladenheit erst auf den zweiten oder dritten Blick entdeckt: “Our First American Friends” wimmelt nur so vor Hits, und die oft mehrstimmigen Gesangslinien tun ihr Übriges dazu, dass man die Songs, nachdem sie einmal drin sind, nicht mehr so schnell aus dem Kopf bekommt. Für mich sind Tubelord ohne Frage die spanndendesten Newcomer dieses noch jungen Jahrzehnts.

Tubelord – Our First American Friends (2010, Hassle Records)

Allerdings haben The Blue Van auf ihrem dritten Album �Man Up� dasselbe Problem wie viele andere Retrorockbands: Zwar rocken sie durchaus solide, es gelingt ihnen jedoch nicht immer, alten Standards spannende Seiten abzugewinnen. Dadurch driften die Songs teilweise ins Mittelmaß ab und wirken etwas belanglos. Ausbrüche wie im impulsiven �Out Of Control� gibt es leider zu selten.

Dabei kann man der Band gar nicht mal vorwerfen, sie habe nicht versucht ein wenig zu experimentieren: So klingt der Song �Man Up� mit seinem stampfenden Beat und dem Synthie-Bass nach den letzten beiden Muse-Platten. Irgendwie fehlt dabei jedoch die eigene Handschrift. Auch der plötzlich auftauchende Rap-Part in �I�m A Man� wirkt eher verstörend als kreativ. Am besten sind The Blue Van eben doch, wenn sie einfach nach Herzenslust drauflos rocken, so wie in �There Goes My Love� etwa.

Wer auf �Man Up� nach wirklichen Innovationen sucht, ist also falsch. Für alle, die sich an klassischem Rock einfach nicht satt hören können, ist dieses Album aber auf jeden Fall zu empfehlen.

The Blue Van – Man Up (ab 26.02.10, Iceberg Records / InterGroove)

zückt eure kalender, es gibt wieder ein albumrelease anzukündigen. die foals, im juli unter anderem auch auf dem melt! zu sehen (sicherlich auch auf anderen festivals), haben vermeldet, dass ihr neues album den namen total life forever tragen und am 10. mai in england erscheinen wird. ein deutschland-termin steht noch nicht fest, dürfte aber irgendwann in der zeit liegen. und sonst kann man’s ja importieren (lassen). oder so.

(via whitetapes)

In der letzten Zeit kamen einmal mehr mehrerer solcher CDs bei mir an. Eine davon war das selbstbetitelte Debutalbum einer Band namens Übergangsregierung. Komplett mit Schreiben der Promofirma, Feedback-Bogen und einem Hochglanz-Faltblatt. Und natürlich der CD, die soll ja schließlich die Hauptsache sein. Während mein Computer die CD auf die Festplatte kopierte, fing ich dann schon einmal an, über die Band zu recherchieren. Erster Stopp natürlich: last.fm. Besonders aussagekräftig war das nicht, deutete aber schon einmal darauf hin, dass es sich nur um eine Band handeln konnte, die auch im “Untergrund” nicht allzu viele Fans hat. Das musste ja noch nichts heißen, verwunderte allerdings, da die Band laut Hochglanz-Flyer unter anderem von der Kulturförderung der Bundesregierung gefördert wird. Da sind dann sieben Hörer bei last.fm ganz schön wenig. Verlinkt war auf der Seite dann ein Bericht über ein Konzert der Band als Support auf der Muff Potter-Abschiedstour. Besonders gut scheinen sie da nicht angekommen zu sein, da sind sich der Artikelautor und sein bisher einziger Kommentator dann doch einig.

Nun gut, die CD war langsam fertig gerippt und auch ich konnte mir endlich ein Bild machen. Die Stimme vom Sänger (in der Band info steht lustigerweise unter jedem Namen Gesang und im Waschzettel steht nicht, wer jetzt gemeint ist) soll entfernt an Chuck Ragan von Hot Water Music erinnern, und das kann von mir aus auch sein, zur Musik passt das ganze jedenfalls nicht. Rauchige Stimmen gehen bei langsamer Gitarrenmusik oder Rock sehr gut, bei Elektro-Pop nur bedingt. Und die Texte sind auch nicht gerade das, was man als “toll” bezeichnen würde. Zusammen ergibt das in den besseren Momenten langweilige, in den schlechteren schlimme Musik. Manchmal wäre es gar nicht so schlimm, wenn die Bielefeld-Verschwörung war wäre. Dann gäbe es schließlich auch diese Band nicht.

Dass es auch Ausnahmen gibt und nicht alles gleich zu vergessen ist, wo sich die Promo-Firma mal Mühe gemacht hat, zeigen hingegen die Frankfurter von Velveteen mit ihrem neuen Album 27. Das klingt auch in meinen Ohren sehr gut. Zwei von mir durchaus geschätzte Kollegen (hier und hier) haben aber schon ihre Liebe zu diesem Album bekundet, und ganz unverständlich ist das nicht. Manchmal zeigt auch ein bisschen mehr Liebe bei der Arbeit der Promo-Firma, dass sie ihr “Produkt”, die Band und das Album, wirklich schätzen und an den Mann bringen wollen. Und dann freut sich auch der Rezensent über die CD.

Velveteen – 27 (ab 26.2.2010, Fuego/Rough Trade)
Übergangsregierung – s/t (ab 26.2.2010 (Digital) bzw. 5.3.2010 (Vinyl), Green Hell/Ross und Reiter Records)

Überhaupt wirkt es so, als solle die Musik von Genepool vor allen Dingen Spaß machen, den Bandmitgliedern genauso wie den Hörern. Aber hier kommen wir zum Wermutstropfen: Denn auf Albumlänge gerät dieses Unterfangen durch die mangelnde Abwechslung irgendwie leicht ermüdend. In richtig dosierten Einheiten genossen sind die Songs auf “Lauf! Lauf!” aber durchaus empfehlenswert. Genauso wie leckeres kühles Bier eben.

Genepool – Lauf! Lauf! (2010, rookie/cargo records)

vor ihrer deutschland-tour hat indiestreber den good shoes per email ein paar fragen gestellt. lest hier, was gitarrist steve zu orten (morden, schweden, deutschland), werken (think before you speak; no hope, no future) und einflüssen (punk, indie, leben) zu sagen hat. und natürlich, was sie sich von ihrer ersten clubtour durch deutschland erwarten.

Tell me all I need to know about Good Shoes in one sentence:

Rhys steve tom and will, between us we cover all the bases of human flaws and attributes, we can see over eachothers shoulders and we must truly love music by now.

What relevance does Morden have for Good Shoes?

Two of our band are brothers, they grew up in this suburb, morden is the home of their youth for better or worse. We are still frequent visitors to this area of south London as we rehearse there in a shed built by their father. Our old school Is nearby, we may still see familiar faces around the area but really it is only a place full of houses full of people full of you know what.

You recorded your debut album “Think Before You Speak” at Tambourine Studios in Sweden – how did that affect the outcome?

The first album was recorded in Sweden, it was good to get away and exciting too, I have fond memories of it all, we had 2 weeks to record the songs we had been playing for 2 years, we rode around on bicycles and played cards in the evenings. One night I was sick because I tried the tobacco bags that some Swedish people seem keen on. I think the album would have been different if it had been produced elsewhere by a different person. I think we have much less control over recordings than we think, it is a product of the time, which cannot be re-lived. I think this is beneficial. An album is not a Bolognese.

What did you learn from your first years as a successful band?

Success has many subtle shades, music and industry mix as well as alcohol and fireworks.

There’s been a change in your lineup – any implications resulting from that?

Yes we have lost a member and gained a member and lost a member and gained a member, I suppose it means that different ideas and motivations have been introduced into the flux. As for the implication, it implicates that things are inclined to change. The line up was good before, it is good now.

How would you describe the sound of your new album “No Hope, No Future”?

The album is reflective, the schedule of recording was fairly turbulent, our lyricist rhys had a breakup to inspire his writing. The range of sound across the songs is wider than the previous record.� Still focused around guitars, we can play it live, in theory.

“No Hope, No Future” is more or less self-produced – why?

The first recordings session took place in morden, in the bedroom studio of an old school friend.� We were paying him for his time with our own money. At this stage we had become fairly isolated. a large amount of time and effort had already been put into the writing of these songs. there was a sense of urgency, we couldn�t wait around for a record label to pay for it, neither did we want to, it makes much more sense for a band to own their recordings. This ended prematurely so we were forced to make arrangements with another friend in another studio this time in dalston east London. As more time passed (during which we exchanged members again!) we became more involved with our label and they helped us pay for the mixing which was to give the record continuity. It was produced in a rudimentary way we aimed to record the songs as they had been written, it was not a luxurious process. But I�m not worried about that the whole situation gives it scars we could�ve never have inflicted willingly ourselves. And like I mentioned earlier an album is not disconnected from its environment.

Is “No Hope, No Future” obliged to the punk ethos? Does it carry a real indie spirit?

I�m afraid I�m not too familiar with the punk manifesto, but we are on an indie label. Neither do I think we have been showered with favours, although we are fortunate to have found hard working and enthusiastic people around us.

Would you agree that “No Hope, No Future” is heavier, less brisk than “Think Before You Speak”?

Yes our new album is heavier than the last, and thicker.

What’s the best occasion to listen to “No Hope, No Future” for the first time?

Our sound engineer told me that he listens to his favourite radiohead records in a dark silent room through hugely expensive headphones. Everyones ears will hear different things and make different connections. I think it�s nice to be able to see the stuff of life while listening to music, like looking out a train window, or walking down a street, this means some other sounds might creep into the experience. This has the power to enrich it or damage it. Right now I�m listening to the new animal collective album and my budgies are whistling like maniacs. Maybe in albums of the future you will have to listen for what you can’t hear in the cacophony. For the first listen just put it on. I don�t know, fishing maybe.

What do you expect from your first club tour in Germany?

We are really excited about coming to germany, mostly I�ll feel dumb and apologetic because I can only speak English. I�m expecting to met by thousands of wild fans! Don�t be shy.

What do you bring along? What do you want to take along?

We�ll be bringing a miniature table tennis table, guitars, underwear, toothpaste, power adapters, books, and hopefully a fully refreshed attitude. A traveller must travel light, hopefully everything we really need will be there when we arrive. Danke. Steve.

Thank you and all the best for the tour!

Die Local Natives sind eine der ersten Hype-Bands diesen Jahres. Und das obwohl (oder weil?) ihr Album Stranger Things in Großbritannien schon letzten Sommer erschien. Im Heimatland der Band, den USA, erscheint es Mitte Februar, bei uns ist es gestern erschienen.

Neben Airplanes, der aktuellen Single, weiß auf dem Album vor allem World News zu überzeugen, das an einigen Stellen die Sechziger zitiert. Aber der Refrain ist einfach purer Gitarrenpop in perfekter Ohrwurmqualität. Zwar ist nicht jeder Song von dieser Qualität, aber das Album lässt sich alleine schon wegen dieser zwei potentiellen Hits gut von vorne bis hinten durchhören.

Schließlich wird einem bei so vielen Referenzbands nicht so schnell langweilig…

local natives – stranger things (2010, PIAS/Rough Trade)

Local Natives – Airplanes

Erste Ausschnitte sind schon zu hören – wahlweise auf der Homepage der Band oder bei Myspace – und klingen vielversprechend. Zumindest ihrem Namen werden Bratze wieder einmal gerecht. Es gibt glaub ich nur wenige Bands, deren Name so lautmalerisch klingt wie dieser. Ein wenig härter scheinen die Beats, zumindest auf den ersten Blick, aber dann doch geworden zu sein – vielleicht ein Einfluss der anderen audiolith-Bands, vielleicht auch nur ein erster falscher Eindruck…

Wie dem auch sei, ab dem Tag vor dem Release werden Kevin (a/k/a ClickClickDecker) und Norman (a/k/a Der Tante Renate) auch wieder unterwegs sein:

18.03. Hamburg – Hafenklang
19.03. Kiel – Weltruf
31.03. Osnabrück – Glanz & Gloria
01.04. Bremen – Tower
02.04. Bochum – Untergrund
03.04. Aachen – AZ
04.04. Trier – ExHaus
05.04. Landau – Fatal
06.04. Heidelberg – Teufel
07.04. Erfurt – Unicum
08.04. Dresden – Beatpol
09.04. Chemnitz – Talschock
10.04. Lübeck – Treibsand
22.04. Hannover – Indiego Glocksee
23.04. Leipzig – Absturz
24.04. Berlin – Bang Bang Club (Motor Party)
25.04. Cottbus – Muggefug
26.04. München – Atomic Cafe
27.04. Gießen – AK 44
28.04. Saarbrücken – Garage
29.04. Freiburg – White Rabbit
30.04. Wiesbaden – Schlachthof
01.05. Würzburg – Cairo Hoffest
28.05. Kassel – Frühlingsfest
29.05. Lingen – Abifestival

Tocotronic-Alben waren immer dann gut, wenn mindestens ein plakatives Lied enthalten war. Es waren nicht einmal immer diese Songs selbst, aber anscheinend bot ihre Nachbarschaft einen guten musikalischen Nährboden.

Was meint ihr denn dazu? Seht ihr das ähnlich? Oder ist unter unseren Lesern wirklich die Gruppe an Tocotronic-Hörern in der Überzahl, die solche Tiefpunkte wie K.O.O.K. oder das weiße Album Tocotronic wirklich mochten?

Schall und Wahn finde ich übrigens wieder genauso gelungen wie Kapitulation. Aber es enthält ja auch Stürmt das Schloss…

Locas in Love machen 2010 Autos kaputt, bekommen an niederländischen Autobahntankstellen Rotwein geschenkt, begehen Diebstahl in Gedanken und nehmen in Glasgow ein neues Album auf (nachzulesen im studiotagebuch beim rolling stone). Dazu haben Sie sich bei paul savage in den chem 19 studios eingenistet und können so auf musikalische inspiration aus dem umfeld von mogwai, teenage fanclub und malcolm middleton hoffen.

nebenbei (oder auch hauptsächlich) können sie sich an schottischer landschaft sattsehen; schottische menschen verstehen lernen und sich an schottischem essen sattessen. nicht zu vergessen der winterregen, der whisky und der verfallende industriecharme glasgows. ein fröhliches album wird aufgrund all dieser einflüsse kaum entstehen – aber mit sicherheit ein emotionales, persönliches und melancholisch schönes.

mehr fotos von locas in love in glasgow gibt’s übrigens hier.

Tarngo spielen Musik, die vermutlich von vielen Leuten als �anstrengend� abqualifiziert wird. Dabei muss man sich als Hörer gar nicht sonderlich anstrengen. Einfach zurücklehnen und den Krach auf sich einprasseln lassen geht auch. Ich jedenfalls finde stupide Schlager tausendmal anstrengender. Und eigentlich lässt sich die Sache schnell erklären: Umgebungen, zu denen die Musik absolut nicht passt: Parties, Dates, Discos, nette Familienabende. Situationen, in denen �Horman� genau das Richtige ist: Irgendwo alleine in der Dunkelheit, um sich mal so richtig das Hirn durchspülen zu lassen.

Tarngo – Horman (ab 26.02.10, Blunoise Records / Ear Elastic / Alive!)

Tarngo bei Myspace

Sie ist endlich da. Nach dem video zu Chemicals vor ein paar Tagen ist jetzt auch die komplette zugehörige EP online und kann bei Bandcamp angehört und gekauft werden (als mp3).

Lange Zeit stand auf der myspace-Seite von Elsinore, sie wären eine “Band in transition”. Aber keiner schien so recht zu wissen, in welche Richtung diese Transition gehen sollte. Gut, es sollte rockiger, lauter und wilder werden, und Kristian sagte mir, Live sei das auch zu hören gewesen. Auf der Chemicals EP geht es teilweise aber in noch eine andere Richtung. Manche Songs, vor allem Evens, sind eher getragen. Aber auch der Yes Yes Yes-Remix von Eric Enger weiß zu gefallen – bietet er doch einmal etwas vällig neues im Repertoire der Band.

Aber eigentlich ist es auch egal, in welche Richtung die Songs im einzelnen gehen: Toll sind alle sechs Songs – auf jeden Fall machen sie Lust auf das im Sommer erscheinende Zweite Album.

Elsinore sind momentan in den USA auf einer ausgedehnten Tour.

Elsinore – The Chemicals EP (als Download schon jetzt, als CD ab 30.1.2010, Transpanther Group)

Bei KWUR 90.3 FM gibt es ein paar Livetracks zum download.

Schon im letzten Jahr erschienen, hört sich das Album wie eine Mischung aus Element of Crime und Der Regierung an. Weder textlich noch musikalisch müssen sich mob aber hinter den vermeintlichen Vorbildern verstecken. Dafür ist das Quartett aus der österreichischen Hauptstadt zu gut.

Auf ihrer myspace-Seite geben mob als Einflüsse lediglich “die schönen und die nicht so schönen Seiten des Lebens” an. Genau zwischen den beiden Polen pendelt dann auch die Stimmung. Und ganz nebenbei ist Ein kurzes Lied über die Liebe eben das schönste deutschsprachige Liebeslied der letzten paar Jahre.

mob – Mich kriegt Ihr nicht (2009, Problembär Records)

mob – Mich kriegt Ihr nicht

das gesamte Album kann man sich bei Bandcamp anhören.

2010 werden nämlich in den USA gleich zwei Tonträger veröffentlicht: Am 30. Januar die The Chemicals EP und im Sommer das zweite Studioalbum Yes, Yes, Yes.

Den Song Chemicals kann man ja nun schon einige Zeit auf der myspace-Seite der Band anhören, aber die EP enthält noch andere Songs:

�Body of Water� and �Breathing Light� showcase the now fine-tuned lyricism present throughout the EP; images of blood, water, language � simple,unconscious elements that are easily overlooked in the day-to-day. The Pet Sounds-esque �Evens� takes the band in a new sonic direction and begs for repeat headphone listens.

Elsinore – Evens

Man darf sich also schon auf das Ende dieses Monats freuen, wenn die EP erscheint – und noch viel mehr auf den Sommer, wenn man das neue Album beim Musikimporteur seines Verrtrauens bestellen kann. Denn, ganz ehrlich, auf eine Deutschland-Tour müssen wir wahrscheinlich noch lange warten.

die lolila-künstler hatten damals schon gemeinsam, dass die musik immer angenehm zwischen gefälligem und eingängigem pop und eher kompliziertem, aber immer interessanten gitarrengefrickel variierte. und das ist auf pardon my french, ch�ri nicht anders. dabei gefallen, wenig überraschend, vor allem beim ersten hören die eingängigen stücke besonders, allen voran i hate that part und danse avec moi. einige der anderen songs brauchen dagegen ihre zeit oder können in wenigen fällen auch nach dem x-ten mal hören nicht recht überzeugen.

am meisten gewöhnungsbedürftig ist sowieso die stimme von isabelle frommer, die sicher nicht jedem gefällt, aber durchaus ihren eigenen charme hat. in alter er france-manier wird auf dem album übrigens wieder dreisprachig gesungen. das macht zwar hin und wieder den gesang schwer verständlich, aber wozu stehen die texte im coverheft?

er france – pardon my french, ch�ri (ab 22.1.2010, lolila/brokensilence)

es ist doch immer wieder das gleiche. da machst du dir wochenlang gedanken über deine alben des jahres, durchstöberst musikmagazine und lieblingsblogs, wirfst einen blick auf deine lastfm charts, ziehst dir deine favoriten nochmal auf den ipod, um auch wirklich sicher zu sein und dann endlich hast du es: dein persönliches album des jahres 2009. meins war das debütalbum von the xx. dachte ich jedenfalls bis vorgestern…

dann kamen the rural alberta advantage, unerwartet, gewaltig und nicht mehr wegzubekommen, wie der schnee in norddeutschland. erst ließ er sich jahrelang nie blicken und dann schneit es so viel, dass hilflose winterurlauber umgeben von weißen massen frierend auf der autobahn übernachten müssen… aber ich schweife ab. wenn man es ganz genau nimmt, ist “hometowns” schon 2008 erschienen, in eigenregie von den drei kanadiern Paul Banwatt, Amy Cole and Nils Edenloff veröffentlicht. hätten die geschmackssicheren köpfe von saddle creek die band ein jahr später nicht unter ihre fittiche genommen, wären the rural alberta advantage wohl eine rurale kanadische attraktion geblieben und ich würde sie bis heute nicht kennen.

so aber kann ich mich gar nicht satt hören. das album läuft in einer nicht enden wollenden dauerschleife. kein wunder, schließlich hat es alles, was ein großartiges indie-folk-rock album braucht: mit nils edenloff einen sänger, der alles andere als eine radiostimme hat, die einen aber genau deshalb in kopf, herz und knien gleichzeitig trifft. mit paul banwatt einen schlagzeuger, der so gnadenlos hyperaktiv-hippe rhythmen an den tag legt, dass das herz am liebsten im fünf achtel takt mitwippen möchte (ähnlich wie tyson vogel von den labelkollegen two gallants übrigens, eine der wenigen vergleichbaren bands) und zu guter letzt mit amy cole eine dame, die sich im gegensatz zu anderen musizierenden frauen nicht aufdrängt sondern entweder – wie in der unter diesem artikel zu liebenden live-aufnahme von “edmonton” – mit rassel oder drumsticks den rhythmus verstärkt oder genau an den richtigen stellen eine liebliche melodie ins mikrophon säuselt (wie zum beispiel zu beginn des großartigen “the deadroads”). wenn man dann auch noch hinhört, was der gute nils edenloff überhaupt singt (zum beispiel die abschließenden zeilen dieses eintrags aus “sleep all day”), dann möchte man bitte sofort im lotto gewinnen, um allen menschen dieser welt diese cd kaufen zu können, damit sie beim nächsten mal, wenn sie gefragt werden, was denn ihr album des jahres 2009 sei, synchron “the rural alberta advantage mit hometowns” antworten… ich würde mich sehr drüber freuen.

“Well I shouldn’t sleep all day
but it’s half past noon.
‘Cause I know we’re taking a break
and I know you’re leaving me soon.

So if you try to be nice
then I’ll try to be nice to you.
And if you try to hold on
then I’ll try to hold on to you.”

(Sleep All Day)

The Rural Alberta Advantage – Hometowns (2009, Saddle Creek)

Die ganz großen Namen (Kimya Dawson, Adam Green, Ben Kweller) fehlen freilich – schließlich war eines der entscheidenden Kriterien für die Aufnahme auf die Tracklist, aus Berlin zu kommen, dort zu leben oder zumindest dort zu arbeiten. Aber auch so liest sich die Liste der teilnehmenden Künstler sehr gut: Toby Goodshank, früher als Gitarrist bei den Moldy Peaches beschäftigt, ist genauso vertreten wie Stanley Brinks (früher Andr� Herman Düne) und sein Bruder David-Ivar Herman Düne, die früher einmal als Herman Düne gemeinsam Musik machten. Die beiden sind darüber hinaus sogar als Thema eines Songs noch einmal vertreten, wenn der New Yorker Jeffrey Lewis I miss Herman Düne with both brothers in the Band zum besten gibt. Außerdem erwähnenswert ist die Teilnahme von Wave Pictures-Frontmann David Tattersall sowie Major Matt Mason USA von Schwervon!. Und als besonderes Schmankerl ein Vorabtrack des im nächsten Jahr erscheinenden Albums von Christiane Rösinger (of Lassie Singers- und Britta-Fame) und den European Rich Kids.

Daneben sind auch jede Menge “echte” Newcomer und außerhalb der Szene völlig unbekannte Künstler dabei, die oftmals zu überzeugen wissen. Besonders herauszuheben sind dabei Martha Rose (myspace) mit in the end, die Kanadische Band The Burning Hell (im April auf Europa-Tour, myspace) mit The Berlin Conference (Wikipedia) am Anfang der CD sowie Phoebe Kreutz mit Walk me home als Abschlusstrack.

Dazwischen gibt es mal eher sperriges Gerumpel als auch wunderbare Popperlen – für jeden Geschmack ist etwas dabei. So ist es zwar unvermeidlich, dass jeder auch mal einen Track findet, der ihm nicht gefällt, aber das haben Sampler so an sich.

Various – Berlin Songs Vol. 3 (2009, unabhängig erschienen und über www.berlinsongs.com zu beziehen)

pull tiger tail legten anfangs eine mustergültige indiekarriere hin, die eigentlich nur zu ruhm und auf die titelseite des nme führen konnte: eine musiker-wg mit den klaxons zu college-zeiten war die brutstätte der band, die die erfindung des new rave für sich beansprucht. der erste plattenvertrag liess nicht lange auf sich warten: von der talentschmiede young and lost ging es bald zu b-unique, dem label der kaiser chiefs – schon erschien am horizont der top of the pops-thron. doch nach drei veröffentlichten singles und mit einem fertig produzierten album lässt b-unique die band auf einmal fallen. das problem: sämtliche rechte an dem album liegen bei dem label. ein jahrelanger rechtsstreit beginnt: pull tiger tail wollen ihr album zurück, um es zu veröffentlichen; was b-unique will ist unklar, aber das album geben sie nicht freiwillig raus.

to keep a long story short: 2009 bekommen pull tiger tail die rechte an ihrem album zurück. sie mastern paws. auf eigene kosten und veröffentlichen das album in eigenregie. mit über zwei jahren verspätung erscheint am 17. august 2009 das debütalbum von pull tiger tail. aber die jahrelange hängepartie hat die band gebrochen. ihr traum, mit musik ihren lebensunterhalt zu verdienen, ist geplatzt. ptt gehen getrennte wege. paws. ist somit sozusagen debüt-, comeback- und abschiedsalbum in einem.

ungestüm kommen pull tiger tail vor allem auf den demoaufnahmen daher, mit einem ordentlichen schuss arty indiegehabe � la franz ferdinand. der schon erwähnte new rave manifestiert sich in nervös frickelnden keyboardbögen, die durch grungegitarren auf dem boden der rockmusik festgepinnt werden. und über allem schwebt der meist hochmelodisch-melancholische gesang von marcus radcliff. pull tiger tail haben die musik nicht neu erfunden, aber sie spielen mit ihr in all ihren schillernden, fauchenden, knurrenden und maunzenden facetten.

doch während ihre artgenossen im zoo der indietiere – die klaxons, franz ferdinand, bloc party, we are scientists, panic! at the disco – auf den wellen der musikavantgarde surfen, müssen pull tiger tail vom strand aus zuschauen und dürfen nicht raus in die brandung.

paws. zeigt, was aus ptt hätte werden können: eine der gefeierten indiebands der letzten jahre. große festivals, weltweite chartplatzierungen, die eine oder andere boulevardschlagzeile… vielleicht ist es ja besser so wie es gekommen ist? ist es nicht, denn wenigstens etwas erfolg wäre pull tiger tail allemal vergönnt gewesen, nebenwirkungen hin oder her.

so bleiben ptt eine tragische aber um so sympathischere randnotiz des indiezirkus. pull tiger tail are dead. long live pull tiger tail!

pull tiger tail – paws. (2009, new art, please)

Der Opener Once Upon A Time sowie das darauffolgende Blue holpern noch einigermaßen nett anzuhören vor sich hin. Danach ist aber erstmal Langeweile angesagt. Nur bei Why I Like To Be With You kommt kurzzeitig so etwas wie Stimmung auf. Spätestens beim Refrain fühlt man sich dann allerdings an eine zweitklassige Joy Division-Coverband erinnert, die auf einem Rummelplatz spielt. Die darauffolgenden Songs You Put Us Together und Walk On By klingen mit ihrem Dreivierteltakt fies nach Mitschunkeln.

Burning soll dann wohl rocken, würde diesen Effekt aber höchstens erzielen, wenn das Lied in einem Altersheim aufgelegt werden würde. Bei I’m Going Down lässt sich das abgegriffene Bild von feuerzeugschwenkenden Fans mit Tränen in den Augen nur schwer aus dem Kopf vertreiben. Sunday und Don’t Think You’re The Only verdienen sich dagegen immerhin noch das zweifelhafte Prädikat “ganz okay”.

Vielleicht sollte sich Sänger und Gitarrist Stefan Kürten besser wieder seinem anderen Steckenpferd, der Malerei, widmen. Das von ihm gestaltete Cover und die Bilder im Booklet sehen schließlich ganz gut aus.

Elena Farr – Voices In My Head (VÖ: 08.01.2010, Lolila/Broken Silence)

viel zu lange schon unterlaufen die new pornographers zumindest in deutschland den radar selbst musikalisch gebildeter und interessierter menschen. und viel zu lange gab es schon kein neues album mehr.

in den letzten jahren wendeten sich die bandmitglieder ja vor allem ihren soloprojekten zu: a.c. newman und neko case waren jeweils solo unterwegs, die erst vor kurzem vor allem als liveersatz für sie engagierte kathryn calder brachte mit ihrer anderen band immaculate machine ein neues album heraus und blaine thurier, der mann hinter den synthies, brachte mal wieder einen film auf die leinwand. nur ein paar konzerte wurden gespielt – dafür die aber zusammen mit death cab for cutie und tegan and sara.

2010 steht dann aber die band wieder im vordergrund: ein neues album ist angekündigt. der erscheinungstermin steht leider noch nicht fest, dafür gibt es aber auch neuigkeiten an der konzertfront: the new pornographers kommen auch wieder nach europa. wie es bisher aussieht, ist hamburg allerdings der einzige deutschland-gig:

• 19. Mai: Electric Ballroom, London, United Kingdom
• 22. Mai: Molotow, Hamburg, Germany
• 23. Mai: Melkweg, Amsterdam, Netherlands
• 25. Mai: Botanique, Brussels, Belgium
• 27. Mai: Primavera Sound 2010, Barcelona, Spain (u.a. auch Pixies, Wilco etc.)

Tickets für den Hamburg-Gig kosten ca. 14 Euro, für den Rest einfach ergooglen.

Entstanden ist die Band als Food Giant schon vor mindestens 9 Jahren zur Verabschiedung von Leander Haussmann als Intendant des Bochumer Schauspielhauses. Der Auftritt im Keller des Schauspielhauses musste laut Pressetext allerdings nach hinten verlegt werden, um die am gleichen Abend eine Etage höher spielenden Einstürzenden Neubauten nicht zu stören. Food Giant spielten damals im übrigen AC/DC-Coverstücke. So viel zur Entstehung und Geschichte der Band und besonders ihres bekanntesten Mitglieds.

Bei Schauspielern, die ins musikalische Fach wechseln, stellt sich ja immer die Frage, ob das denn funktionieren kann. Bei zu vielen ist das schon schief gegangen. Ein paar weibliche Darsteller, Juliette Lewis, Julia Hummer und Charlotte Gainsbourg etwa, fallen einem ein, bei denen auch die Musik gut war, teilweise sogar besser als die Schauspielerische Leistung. Bei den Männern sieht es Mau aus: Will Smith, Herbert Grönemeyer und Oli P hätten besser bei ihrem Hauptberuf Schauspieler bleiben sollen. Lucas Gregorowicz aber beherrscht sein Instrument, der Rest der Band die seinigen.

Stellenweise hört man dem ALbum die Vergangenheit der Band als AC/DC-Coverband an, auch wenn es sich durchweg um eigene Songs handelt, einmal abgesehen vom oben erwähnten Sam Cooke-Cover. Mit solcher Musik wären die 5 Bandmitglieder in den 70ern oder 80ern vielleicht berühmt geworden, und auch heute findet diese Musik sicher noch Zuhörer. Aber selbst mir, der mit Hardrock und co. nicht wirklich viel anfangen kann, gefällt die Platte überraschenderweise – ich kann allerdings nicht wirklich erklären, wieso. Es scheint einfach irgendwie alles zu passen, und neben Hardrock-Einflüssen sind hie und da auch Post-Punk und Pubrock- Einflüsse zu finden. Und eigentlich ist es ja auch egal, wieso die Platte klingt wie sie klingt. Empfehlen kann ich sie an dieser Stelle auf jeden Fall.

bad boy boogiez – bad boy boogiez (2009, Blunoise/Al!ve)

Klar, man sollte nicht jeden neuen deutschen Formel 1-Rennfahrer mit Michael Schumacher vergleichen, aber was der 23jährige Brite aus Wimbledon (das vor ihm nur durch Tennis bekannt war) auf Kings und Queens abgeliefert hat, ist der beste Indie-Rap seit “Original Pirate Material” von Mike Skinner alias the streets. allerdings wäre es wahrscheinlich vermessen jamie t allein auf indie und rap zu reduzieren. der junge kann mehr, zum beispiel punk, funk und ska.

wer sich eine gute rezension mit umfangreichen informationen zu diesem album durchlesen möchte, soll das bei laut.de tun.

auch auf “kings and queens” war mit “sticks’n'stones” einer der hits des jahres:

Jamie T – Kings and Queens (2009, Virgin)

Captain Planet sind auch auf ihrem zweiten Album wieder druckvoll, emotional, eloquent, nachdenklich und melodisch. Die�Zeilen�dieser Band müssen sich nicht reimen. Sie klingen trotzdem gut.�Captain Planet schaffen es auf unerklärliche Weise, Dinge auszudrücken, die man bis dahin für unausdrückbar gehalten hatte. Genau deshalb tut man sich auch so schwer, ihre Musik zu beschreiben. Zumindest ich entwickle immer wieder ein Gefühl, mit keinem Wort und keiner Sprache der Welt�der grandiosen Musik der Band gerecht zu werden.

Ein Schreiber des borderline fuckup blogs hat das nach meinem Ermessen schon ganz gut hinbekommen:

Die Texte sind greifbar und einfach, klingen aber niemals stumpf, sondern punkten durch enorm viel� Charme! Ständig wird man selbst angesprochen. �Nur so spürst DU dass DU alles kannst� / �DU weißt es nicht� / �DU hast�s gesehen� / �Suchst nach der Form die DU sein wilst�. Das macht den Captain zum perfekten Beifahrer auf sonst so einsamen Autofahrten. Und wenn sich das hübsche Mädel vom Supermarkt endlich mal abholen lässt, dreht sie den Lautstärkeregler, den man höflichkeitshalber vorher zurückdrehte, von selbst wieder hinauf!

Jeder macht wahrscheinlich seine ganz�eigenen Erfahrungen mit Captain Planet. Die von Sänger Arne gerufenen Texte packen jedenfalls�immer�wieder am Ärmel, setzen�dich auf einen imaginären Schlitten, um dich�gewaltig anzuschubsen und mit einem Affenzahn einen ebenso imaginären Abhang herunterzujagen. Das alles nur, damit man am Ende feststellt, dass man es gut und aufregend fand.

�”blattsport” ist für mich�eine astreine Uni-Hymne über die Schwierigkeit sich zu motivieren und die inneren Zweifel, ob ein stupides Studium aus einsamem Lernen, Prüfungen und Klausuren wirklich das ist, was man will:

�Zeig, was du gelernt hast. Eins und zwei und Blattsport. Im Kampf gegen dich selber. Hast Blut geschwitzt und still gehalten.�

Der Song schließt mit den großartigen Zeilen:

�Es ist der Glaube an die Füße, die dich tragen und der Glaube an dein Herz, das auf dich einschlägt, dass du auch morgen wieder aufstehst, ohne dich zu fragen, ob die Welt sich noch dreht dort draußen.�

Das Album wiederum schließt mit dem Song Parkhaus, dessen großartige Zeilen jetzt auch diese Pseudo-Rezension schließen sollen. Ich kann die Platte jedem nur wärmstens ans Herz legen:

�Kommt doch eher nichts mehr raus aus deinem Mund. Dein Kiefer streikt. Heute sprechen deine Augen und sie plappern alles aus.�

Captain Planet – Inselwissen (2009, Unterm Durchschnitt)

Außerdem muss man auch nicht ewig auf der regionalen Herkunft der Picturebooks herumreiten. Die Band könnte genauso gut aus England, Schweden oder Australien stammen und müsste sich im Jahr 2009 kaum vor der Konkurrenz auf ihrem Gebiet fürchten. Ihr Gebiet, das ist wilder, energetischer und unbefangener Garagenrock, wie man ihn von den Hives oder The (International) Noise Conspiracy schon ewig nicht mehr gehört hat (allerhöchstens live, aber nicht auf Platte).

Eine vielleicht ganz interessante Randgeschichte gibt es über die Produktion des Albums zu erzählen. �List Of People� wurde von Claus Grabke produziert. Dieser ist nicht nur Vater von einem der Bandmitglieder (Fynn Grabke) sondern auch 19maliger deutscher Skateboardmeister, Ex-MTV Moderator, Ex-Sänger von Thumb (eine der bekanntesten Crossover-Bands Deutschlands in den 90er Jahren) und Herausgeber eines Modelabels sowie eines Skateboardmagazins. Unter seinem eigenen Namen hat er im letzten Jahr bereits sein zweites Soloalbum heraus gebracht.

Das soll uns aber an dieser Stelle nicht weiter interessieren. Schauen wir uns lieber das Video zu dem Song auf �List Of People To Kill� an, der meiner Meinung nach von den elf Songs am poppigsten produziert wurde und den eingängigsten Refrain besitzt. �You Cannot Make It Right� ragt für mich auf einem grandiosen Album heraus und ist sowohl ein Anwärter für den Song als auch für das Video des Jahres (gedreht vom preisgekrönten Filmemacher Michael Glawogger).

The Picturebooks – You Cannot Make It Right

Große Lust sich auszuruhen hat die Band anscheinend nicht. Im Januar soll nämlich bereits das zweite Album der Picturebooks erscheinen…

The Picturebooks – List Of People To Kill (2009, Nois-O-Lution)

indie pop perfection stand da auf dem regal und als der blick unseres protagonisten auf die verweise und sound-a-likes fiel, die ein freundlicher mitarbeiter neben die platten gepinnt hatte, da war es um sein herz geschehen. my bloody valentine. belle & sebastian. the jesus & mary chain.

the pains of being pure at heart sind all das und noch viel mehr. diese junge band aus brooklyn – dem momentan wohl angesagtesten fleckchen erde auf der musiklandschaftskarte – sind nicht nur teil des shoegaze-revivals dieses jahres (ob es das wirklich gab, lässt sich bestreiten…), sie klingen nicht nur wie belle & sebstian im noise-wahnsinn, ihre songs könnten nicht nur dem regennassen manchester der 80er entspringen. und produktiv sind sie auch noch. nach ihrem debutalbum im sommer, veröffentlichten sie im november die higher than the stars ep, die die letzten kritiker mit ihrer entwicklung weg vom shoegaze hin zum synthiegetragenen 80s-Pop überzeugte.�the pains of being pure at heart haben in diesem jahr die einfachste, süßeste, melancholischste, traurigste und gleichzeitig erhabendste popmusik geschrieben, die man sich für das ende dieses ereignisreichen jahrzehnts hätte wünschen können. songs wie adult friction, stay alive, a teenager in love und this love is fucking right! lassen sich nur schwer in worte fassen, zu simpel sind sie, zu eingängig und gleichzeitig doch so unglaublich tief. eine metapher gibt es doch: die schmerzen ein reines herz zu haben.

The Pains Of Being Pure At Heart – The Pains Of Being Pure At Heart (2009, Slumberland / Fortuna Pop / Cargo)

neben Produktions- und Remixarbeiten für andere Künstler und einer EP wurde im Sommer zusammen mit dem Drum’n'Bass-Star Noisia am kommenden Album For The Masses gearbeitet. Mit M.A.D. erscheint dieser Tage schon die zweite Vorab-Single (nach Turn the Lights Out). Der typische Hadouken!-Sound ist dabei erhalten geblieben, aber seht selbst:

Hadouken! – M.A.D. (alternatives Video)

Das Album For The Masses erscheint in Deutschland am 26. Februar 2010. Wenn man es direkt im Shop der Band bestellt, kostet es nur 6 Pfund (beim aktuellen Kurs sind das nur 6,60 Euro plus Versand) und wird mit Originalunterschriften am Tag des Releases ausgeliefert.

Im März geht es dann im Zuge der Jägermeister-Rockliga zusammen mit Does it offend you, yeah!? und Datarock auf Tour:

• 22.03. Leipzig, Werk2
• 23.03. Frankfurt, Batschkapp
• 24.03. Stuttgart, LKA
• 25.03. Freiburg, Jazzhaus
• 26.03. München, Backstage

cc Lizenz von Kekslover@Wikipedia

Vampire Weekend war ja vor zwei Jahren eine von diesen Bands, die erst durch Blogs bekannt wurde und später dann in jedem Feuilleton auftauchte. Jeder schien diesen ganz besonderen Sound mit einem leichten Touch Afrika auf einmal zu lieben – ich lehnte das hören des Albums aber relativ lange ab. “Nicht schon wieder so Ethno-Müll.” Reingehört habe ich mich dann erst mit Erscheinen des Films “Nick and Norah’s Infinite Playlist”, auf dessen Soundtrack die Band mit dem Song Ottoman vertreten war.

Allerdings war zu dem Zeitpunkt das Debut der erst 2006 gegründeten Band auch schon etwa ein Jahr alt. Mittlerweile wird es deshalb langsam mal wieder Zeit für ein neues Album der vier New Yorker. Und siehe da, Anfang Januar steht Contra weltweit in den Läden. Die ersten Vorboten sind aber schon jetzt zu sehen und hören: Zum einen bekam die erste Singleauskopplung Contra ein wunderbares Video verpasst, und zum anderen kann Horchata, ein weiterer Album-Track, auf der Bandseite kostenlos runtergeladen werden.

Vampire Weekend – Cousins

… und im Februar sind die vier dann auch wieder in Deutschland auf Tour. Leider aber nur Köln, Hamburg und Berlin.

Sänger Ryan war nach den Aufnahmen des ersten Albums zum Studieren in Frankreich. Im Interview vorm Royal Bangs-Konzert in Offenbach verriet er mir, dass Justice zu den wenigen musikalischen Einflüssen zählen, die er aus Frankreich mitgenommen habe. Die Justice-artigen elektronischen Verspieltheiten merkt man dem Album aber auch an. Es heißt ja nicht umsonst �Let It Beep�. Wohin das Ohr reicht Fiepen, Piepen, Surren und Summen. Eine verquere Keyboardmelodie hier, ein Glockenrhythmus da.

Der Grundstein auf dem das Alles gebaut ist, besteht jedoch zu einem überdimensional großen Teil aus 90er Jahre Indierock � la Pavement, Sonic Youth oder Dinosaur JR. Bei aller Verschwurbeltheit der Musik bleiben also immer die manchmal etwas versteckten aber dafür nicht weniger großartigen Melodien, die Hits wie �Poison Control�, �Shit Xmas� oder �My Car Is Haunted� auszeichnen und das Album so unglaublich tanzbar machen.

royal bangs – let it beep (2009, audio eagle/cargo records)

telekinesis! ist die band des songwriters michael benjamin lerner. auf der deutschlandtour mit den thermals und den rosebuds sah man den schmächtigen musiker mit der nerdigen brille und den strubbeligen haaren noch singend hinter seinem schlagzeug sitzen. auf dem album zeichnet er sich allerdings nicht nur für den rhythmus sondern auch für all die wunderschönen, zuckersüßen sommermelodien verantwortlich.

bei manchen alben bedarf es einem drei- bis fünfmaligen hören, bis die einzelnen songs wirklich ins ohr gehen. die telekinesis!-platte benötigt diese anlaufzeit nicht. egal ob man “tokyo”, “imanigary friend” oder “awkward kisser” herausgreifen möchte, jeder einzelne song kriecht in sekundenschnelle in den gehörgang, um es sich dort unaufdringlich für eine weile gemütlich zu machen.

vielleicht zur untermauerung des ganzen noch eine kleine geschichte: vor kurzem war ich mit einer gruppe von studenten in einem großen ferienhaus. als ich am nachmittag in der großen küche bei der essenszubereitung mithalf, hielt ich das telekinesis!-album für die passende musikalische untermalung und schloss meinen ipod an die vorhandenen boxen an. etliche stunden später – das essen befand sich inzwischen mehr oder weniger gleichmäßig verteilt in 50 kurz zuvor noch hungrigen mägen – kam ich zurück in die küche und bemerkte, dass immernoch michael lerners melodien aus den boxen sprudelten. keiner der fleißigen helfer, die dafür sorgten, dass das geschirr nach dem essen genauso aussah wie davor, störte sich daran, dass manche songs bereits zum siebten oder achten mal liefen. eine platte, die derart eingängig und dennoch unaufdringlich daherkommt, ist deshalb meiner meinung nach ohne jeden zweifel ein potenzielles album des jahres.

telekinesis! – telekinesis! (2009, morr/indigo)

Von den Samples und Loops auf der im wahrsten Sinne des Wortes abgefahrenen It�s Complicated Being A Wizard EP über den stampfenden Led Zeppelin-esquen Bluesrock von Church Mouth bis zu Flower Power und Hippie-Attitude. Diese – bisher aktuellste – Veränderung im Portugal.The Man�schen Kosmos springt einem förmlich ins Gesicht, wenn man sich das Artwork ihres neusten Machwerks The Satanic Satanist anschaut. Klappt man die kunstvoll verarbeitete Hülle voll und ganz auf, breitet sich vor dem entzückten Auge ein psychedelisches Panorama aus, das auch in musikalischer Hinsicht keine Fragen mehr offen lässt. People Say, der Opener, textlich und musikalisch eine Hymne der Love-Generation (dieses Gitarrenriff!) und das im Blumenkleid über Sommerwiesen tanzende Everyone�s Golden sind nur die beiden herausragenden Songs dieser sehr homogenen Sammlung. Stilistisch neu ist das Mehr an Soul (ja, das war noch möglich!) und Funk, zum Beispiel in Lovers In Love. Ein weiters Jahr ist vergangen und die immer produktiven Jungs von Portugal.The Man haben uns ein weiteres Album geschenkt, dessen überraschende Soundentwicklung so manchen überrascht hat. Soll das mal 2010 mit ihrem nächsten Platte American Ghetto so weitergehen, bitte.

We may make it through the war, if we make it through the night.

Die Zukunft ist golden. Und so.

Portugal. The Man – The Satanic Satanist (2009, Defiance/Cargo)

Das macht das Album nicht schlecht, und, zugegeben, �dith Piaf hat ja auch andere Musik gemacht als Judy Garland. Was aber am erfrischendsten ist an dem Album ist, dass die ganz großen Hits der Grande Dame des Französischen Chansons fehlen. Milord und Non, je ne regerette Rien hat ja nun auch jeder schon gehört – und Coverversionen gibt es von diesen Liedern auch genug. Viel interessanter sind eigentlich immer die Lieder, die hinter den großen Hits oft vergessen werden, ihnen in Qualität aber nicht unterlegen sind.

Diese teilweise raren Chansons wurden im Juni von der gebürtigen Kanadierin in New York live gespielt und aufgenommen. Aufgewachsen in Montr�al, lag es für Martha Wainwright wohl nahe, eine, nein DIE französische Chansonsängerin mit einem solchen Projekt zu ehren. In jedem Moment der 12 Titel wird sie dieser Aufgabe gerecht. Man hört zwar, dass die Lieder schon vor Jahrzehnten entstanden sind, zur gleichen Zeit klingen sie aber ungemein zeitgemäß.

Allein zwischen zwei der Highlights des Albums, Adieu mon Coeur und Une Enfant, die direkt aufeinanderfolgen, wird die gesamte Spannweite des Französischen Chansons im allgemeinen und Piafs Schaffen im besonderen deutlich. Und auch sonst ist das Album eine der besten Tribute-Alben überhaupt und eine der besten Chanson-Alben der letzten Jahre, sondern auch wohl eins der besten Alben aus der Familie Wainwright.

Martha Wainwright – Sans Fusils, Ni Souliers, A Paris (The Piaf Album) (ab 4.12.2009, Cooperative Music/Universal)

Dabei können The XX nicht unbedingt viel dafür. Die Bandmitglieder haben noch keine 20 Jahre auf dem Buckel, kennen sich seit Kindestagen. Als ich Sängerin Romy und Sänger Oliver zu einem Interview für Campus Radio Mainz traf, gaben die beiden offen zu, dass sie einfach nicht gut genug an ihren Instrumenten seien, um versiertere Musik zu spielen. Das allerdings ist genau der springende Punkt dabei: Die Band kann zwar nicht viel, das kann sie jedoch exzellent.

Der versierteste der vier Bandmitglieder ist wahrscheinlich mit Abstand Jamie, der DJ, der sich für die R�n�B-Rhythmen hinter den zarten Stimmchen von Romy und Oliver verantwortlich zeigt. Gleichzeitig hat er das Album auch produziert. Der junge Mann scheint mit dermaßen viel Talent gesegnet zu sein, dass sich die Band sogar erlauben konnte Keyboarderin und Gitarristin Baria kurzerhand aus der Band zu werfen, als sie sich auf Tour über Erschöpfungserscheinungen beklagte. Jamie ersetzt sie durch virtuose Knöpchendreherei einfach mit simplen Samples. Das hat er beim Konzert der Band in Frankfurt eindrucksvoll unter Beweis gestellt.

Die Band als Ganzes hat beim Konzert unter Beweis gestellt, dass so ziemlich jedes Lied ihres Debütalbums ein kleiner Indie-Edelstein ist. Musik kann so einfach sein: Die Songs beginnen mit einer einprägsamen Gitarrenmelodie, in die irgendein regelmäßiges Klatschen oder Klacken einsetzt. Gleichzeitig Keyboardklänge, die genauso gut eine Szene in einem gruseligen Film unterlegen könnten, in dem eine Frau einen dunklen Wald betritt, während sie ihren Atem in weißen Wölkchen vor sich her trägt. Oliver und Romy runden die Geschichte ab, in dem sie kanonartig Zeilen wie �Please Teach Me Gently How To Breath� (Shelter) über diese beruhigenden Klangkontrukte säuseln. Die einzelnen Bandmitglieder werden sich definitiv an ihren Instrumenten weiter entwickeln. Ob das allerdings dazu führt, dass sie jemals ein besseres Album als ihr erstes aufnehmen, steht weit entfernt in den Sternen.

The XX – The XX (2009, Beggar’s Group/Indigo)

Zwar fehlt auch hier die Leichtigkeit aus der Zeit vor dem Debutalbum, aber dieses Mal passt alles zusammen. Denn das ganze Album klingt wesentlich dunkler und, nun ja, erwachsener als noch vor zwei Jahren. Das schließt nicht nur die Texte ein – statt “Sie werden alles versuchen, werden nett zu uns sein, sie werden uns bedrohen, und sie werden uns anschrein!” (Gegen den Rest) und “Ich mag, wie du dich anziehst, mich in deinen Bann ziehst” (Zusammen verschwinden) heißt es jetzt zum Beispiel “Was ich anfass geht kaputt. Was ich will hab ich schon vergessen.” (Hier wächst nie wieder was) oder “Ich habe meine Seele an den Teufel verkauft, zumindest die Teile, die ich selber nicht brauch.” (Lost Weekend) – sondern natürlich auch die Musik und den Rest des Sounds. Zum einen nervt Claires Gesang nicht mehr so wie früher, und zum anderen haben Karpatenhund den Kinder-Indie-Habitus abgelegt. Nur ganz wenige Songs klingen noch nach den “alten” Karpatenhund. Stattdessen werden hier und da sogar mal die 80er zitiert, zum Beispiel beim schon erwähnten Lost Weekend – und selbst das klingt überraschend stimmig. Und ein Atmosphärisch so passenden Rahmen wie Anfang (Black Box Recorder) und Ende (Rauschen) kann sonst kaum ein deutsches Album der letzten Jahre vorweisen.

Es mag sein, dass sich ein paar Fans des wesentlich unbeschwerteren ersten Albums mit Der Name dieser Band ist Karpatenhund nicht anfreunden können. Mir aber gefällt, was ich höre. Aber vielleicht liegt das ja auch daran, dass ich ein bisschen älter bin als die meisten Karpatenhund-Fans.

Karpatenhund – Der Name dieser Band ist Karpatenhund (2009, Wanderton/Rough Trade)

ob sie auch außerhalb der festivalsaison irgendwann den sprung aufs europäische festland schaffen ist noch nicht abzusehen.

jetzt, gut zwei wochen später, kann ich verkünden: die good shoes kommen 2010 mit ihrem neuen album no hope, no future im gepäck für eine clubtour nach deutschland!

Aber es wird noch besser: indiestreber präsentiert die tour! macht euch also ab ende dezember auf einige aktionen gefasst… hier schonmal die tourdaten zum vormerken:

1. Februar 2010 Nachtleben, Frankfurt

2. Februar 2010 Kellerclub, Stuttgart

3. Februar 2010 Karlstorbahnhof, Heidelberg

4. Februar 2010 Abart, Zürich

8. Februar 2010 59:1, München

9. Februar 2010 B72, Wien

10. Februar 2010 E-Werk, Erlangen

11. Februar 2010 Beatpol, Dresden

12. Februar 2010 Magnet, Berlin

14. Februar 2010 Uebel & Gefährlich, Hamburg

15. Februar 2010 FZW Club, Dortmund

16. Februar 2010 Luxor, Köln

auf myspace könnt ihr euch schon zwei songs vom neuen album anhören und auf der bandhomepage git’s einen als gratis-download.

auch dev hynes a.k.a. lightspeed champion meldet sich 2010 zurück. nach seinem debutalbum falling off the lavender bridge aus dem jahr 2008 erscheint am 1. februar 2010 sein zweites album life is sweet! nice to meet you. produzent ist ben allen (animal collective, gnarls barkley), darauf enthalten: 12 popsongs, zwei instrumental-zwischenstücke und eine klavieretüde; die einflüsse reichen von “classical piano” bis zu “synth sounds”.

oben seht ihr einen ersten eindruck aus dem video zur ersten single marlene, die am 25. januar erscheint. auf der homepage von lightspeed champion könnt ihr euch auch die tracklist schon einmal anschauen.

Keine zehn Minuten später spazierte ich im strömenden Regen ziellos an einer stark frequentierten Stadtstraße entlang. Eine dunkle, vorher kaum getragene Regenjacke schützte mich vor dem Regen. Ein nicht weniger dunkles, vorher kaum gehörtes Editors Album schützte mich vor der Umwelt. Das Album beginnt mit �In This Light And On This Evening�, dem Titeltrack. Die Worte �In this light and on this evening, London�s become the most beautiful thing I�ve seen� ist eine Liebeserklärung an die neue Heimat des Editors-Sängers Tom Smith. Das einzige, was sonst akustisch zu mir durchdrang, war das beruhigende Zischen der auf regennasser Fahrbahn vorbeirauschenden Autos. Außer mir waren weit und breit keine Fußgänger zu sehen.

Als die Single Papillon, für mich einer der Songs des Jahres, einsetzte, wurde ich schlagartig schneller. Lauri Wessel schreibt in der aktuellen Ausgabe des OX-Fanzines: �Die Welt war gerecht, als R.E.M. die Editors mit auf Tour nahmen. Wenn die Welt gerecht bleibt, dann gehen die Schotten nach diesem Album als Support von Depeche Mode auf Tour.� Mit der lokalen Zuordnung der Band lag der Schreiber leider falsch. Die Editors stammen nach wie vor aus Birmingham, nach London die zweitgrößte Stadt Englands. Die Depeche Mode-Affinität des neuen Albums lässt sich jedoch nicht leugnen, was man besonders Papillon meiner Meinung nach anmerkt. Grund dafür ist wohl vor allem die Synthie-Schleife, die das Lied so ansehnlich verpackt.

Allerdings bin ich in dem Fall mehr Fan als Musikkritiker und muss nicht entscheiden, ob Tom Smith mehr nach�Nicolas Godin von Air oder Dave Gahan von Depeche Mode klingt. Ich muss genauso wenig entscheiden, ob das neue Editors-Album lieber den Film Terminator oder Tron beschallen sollte. Alles was ich weiß, ist dass ich nach einem gut 50minütigen Spaziergang glücklich und zufrieden wieder bei mir angekommen bin. Trotz strömenden Regens. Dank herrlich herbstlicher melancholischer Melodien der Editors.

Mag sein, dass man sich für verliebte Frühlingstage, berauschte Sommerpartys oder die Beschallung für rasante Snowboardabfahrten im Winter passendere Musik vorstellen kann. Für die beschriebenen Herbstmomente gibt es derartiges nach meinem Empfinden nicht. �In This Light And On This Evening� ist ein Herbstalbum.

editors – in this light and on this evening (2009, pias/rough trade)

Doch die vier Jungs aus Viersen schwimmen scheinbar ganz freimütig im Trend. Ein als Hase verkleideter Mensch springt auf dem Cover von �Stars� beherzt vom Sprungbrett. Luftig und frisch zupfen sich Gitarre und Bass durch die fünf Songs. Alles klar, kristallklar klar – der Hase scheint in Wirklichkeit ein weißer Junge zu sein, der vom vielen Verkleiden schon leicht blass geworden ist. Ist das die Wiederkehr der Blässe als Schönheitsideal?

Wird sie uns genauso überrollen wie zuletzt die musikalischen Anachronismen der Achtziger? Aber nicht doch! Die verhallte Stimme verpasst den Stücken neue Farbe. Nur die zwei Remix-Versionen zu Ende der EP lassen einen doch kurz stutzen. Ist man ein bisschen gemein, hört man hier die neue Killers. Ein Gutmensch aber wittert die Wild Beasts – und wippt frühlich mit dem Kopf. Das Abi haben die Jungs jetzt geschafft, drum
lasst uns rufen – nix wie raus da, wir sind gespannt! Und Hörner abstoßen nicht vergessen…

Beat!Beat!Beat! – Stars EP (2009, Richard Mohlmann Records/Indigo)

Für alle, die geneigt sind, sich mit beat!beat!beat! gemeinsam ein paar Hörner abzustoßen, tourt die Band momentan durch Deutschland. Mehr Infos unter http://www.myspace.com/beatbeatbeatband

Da trifft es sich ziemlich gut, dass sich auf der Künstlerhomepage die einzelnen Songs kostenlos downloaden lassen. Sie stehen gar unter einer CC-Lizenz. Und so kann man in den Genuss von musikalisch und textlich durchaus überzeugenden Songs wie “Urlaub am Meer”, “Unterwegs” und “Laternenlied” kommen, ohne durch unlustige und manchmal nicht einmal besonders gut gemachte Songs wie “Muuh!” in seinem Urteil verfälscht zu werden. Denn das ist ja der Vorteil an mp3-Downloads: Man kann sich die Rosinen rauspicken. Nur leider kommt man dann nicht in den Genuss des durchaus schön gestalteten Digipacks der CD.

Als ich CD und Infozettel das erste mal aus dem Postpaket holte, dachte ich zuerst, ich hätte hier das Werk eines verrückten Selbstdarstellers in der Hand. Da hab ich ja noch einmal Glück gehabt, auch wenn es noch ein weiter Weg ist, der Umschreibung “eine Mischung aus Helge Schneider, den Ärzten und Funny van Dannen” gerecht zu werden.

Ey Lou Flynn – Naja, ich hab mein bestes gegeben (2009, Selbstverlag, DOwnload unter CC-Lizenz auf ey-lou-flynn.de)

Get Well Soon – A Voice in the Louvre (Live in Dortmund)

… und auch die am wenigsten Deutsch klingende Band Deutschlands bringt im Januar ein neues Album raus. Am 8.1.2010 soll das Werk mit dem Namen “Vaxations” erscheinen – die Tracklist ist aber schon jetzt bekannt:

01. Nausea
02. Seneca�s Silence
03. We Are Free
04. Red Nose Day
05. 5 Steps / 7 Swords
06. We Are Still�
07. A Voice In The Louvre
08. Werner Herzog Gets Shot
09. That Love
10. Aureate! (Live-Video aus Dortmund)
11. We Are Ghosts
12. A Burial At Sea
13. Angry Young Man (Live-Video aus Dortmund)
14. We Are The Roman Empire

(via nicorola)

Schließlich lässt sich die Musik von Juri Gagarin schon als irgendwie unperfekt, aber auch als prollig beschreiben – auch und gerade mit der jetzt fest in die Band integrierten Sängerin Flicke. So sind denn auch die Songs, in denen sie am Mikro steht, die besten der Platte – allen voran der Song Plot sowie die erste Single Wet Dreams. Diese Songs sind absolut tanzbar, nahezu perfekt für ausgelassene Partynächte und im besten Sinne sogar Radiotauglich.

Auch der Rest des Albums ist ziemlich gut gelungen, obwohl man sich zum Beispiel die Frittenbude-Coverversion Electric Fucker hätte sparen können. Die gecoverten selbst, so sehr ich Frittenbude mag, fallen an anderer Stelle selbst auch eher negativ auf, denn ihr Edit von Friction gehört definitiv zu den eher schlechten Songs des Albums.

Und so bleibt Cobra eher eine Scheibe, aus der man sich die durchaus vorhandenen Perlen erst selbst herausziehen muss – und Juri Gagarin eine Band, die man vor allem live gesehen haben sollte. Und das kann man ab November dann auch wieder häufiger tun.

Juri Gagarin – Cobra (ab 27.11.2009, audiolith/finetunes.net)

Zum Single-Release von Wet Dreams gibt es übrigens den Elvis Creep-Remix des Songs zum kostenlosen Download. Aber hört selbst:

Juri Gagarin – Wet Dreams (Elvis Creep Remix) by Audiolith

Juri Gagarin – Wet Dreams (Download-Single) (ab 6.11.2009, audiolith/finetunes.net)

good shoes @ dockville festival 2009, hamburg

auch die good shoes aus der südlondoner vorstadt morden – so auch der titel ihres bisher besten songs – melden sich zurück: neues album, große uk-tour. ihr zweites album no hope, no future wird im januar 2010 erscheinen. die erste single under control wird am 4. januar veröffentlicht; der opener the way my heart beats ist bereits als gratis-download über die bandhomepage erhältlich. dieses jahr waren die good shoes auf dem dockville festival in hamburg dabei. ob sie auch außerhalb der festivalsaison irgendwann den sprung aufs europäische festland schaffen ist noch nicht abzusehen.

ein heisser sommertag im august 2009: vier blonde, kaltblütige schweden stehen vor einer scheune irgendwo im hinterland der amerikanischen westküste. was sie dorthin verschlagen hat? sie wollen musik machen. sie wollen gute musik machen. sie wollen noch bessere musik machen als auf ihren bisherigen alben howl howl gaff gaff und our ill wills. helfen soll ihnen dabei phil ek, der schon mit u.a. the shins und fleet foxes alben produziert hat. und dieses ziel haben die shout out louds mit ihrem dritten album work, das im frühjahr 2010 erscheinen soll, anscheinend erreicht:

It�s the best thing we have ever made. On our mothers� graves.

man darf also gespannt sein – auch darauf, wie sich der produzent und die nähe zu seattle auf das selbsternannte meisterwerk der shout out louds auswirkt.

“Schall und Wahn”, benannt nach einem Roman von William Faulkner, der den Titel wiederum von Shakespeare gestohlen hat, ist unsere bisher heftigste Propagierung von Zwischenstufen, Ich-Auflösung und Vielheit. Das Album beschreibt in zwölf Kapiteln eine wahrhaft infernalische Welt, die von Liebe und Verbrechen beherrscht wird, vom Guten wie dem Bösen. Ist es ein Komödie? Ist es eine Tragödie? Ist es nur ein Fiebertraum?

Wir wissen es selbst noch nicht so genau. Eines ist jedoch sicher: Die Musik wird erklingen und euch auf ihren Schwingen hinfort tragen…wohin auch immer!

Lasst euch also überraschen und freut euch mit uns! Steigern wir uns rein!

die tour startet ebenfalls am 22. januar im rahmen des spex-live-events im uebel und gefährlich in hamburg. weitere termine wurden noch nicht bekanntgegeben, der vorverkauf soll aber in kürze auf der tocotronic-homepage starten.

Also versuchen wir es einmal ein bisschen anders: Helgi Hrafn J�nsson kommt, wie man am Namen unschwer erahnen kann, aus Island, hat aber auch einmal in Österreich gelebt. Dazu war er Klassikposaunist und hat das gleiche Instrument auch schon bei Sigur Ros gespielt. Und all das (na ja, außer Österreich, das steht dort nur der Vollständigkeit halber) hört man auf der Platte auch raus. Nicht, dass es klassische Musik wäre, die er hier spielt, aber seine Vorkenntnis wird nicht geschadet haben, mit klassischer Instrumentierung und Gesang solch athmosphärisch dichten Songs zu machen. Und dabei wird die Posaune auch noch an genau den richtigen Stellen eingesetzt.

Wenn man irgendwo einen isländischen Künstler vorstellt, dann vergleicht man ihn eigentlich immer entweder mit Björk oder mit Sigur Ros. Das war hier jetzt auch nicht anders, denn die Parallelen sind unverkennbar. Aber: Wäre “For the Rest of my Childhood” eine Sigur-Ros Platte, wäre sie eine der besten, denn sie schafft es, gleichzeitig interessant zu klingen und trotzdem zugänglich zu sein.

Und die perfekte Herbstplatte ist sie sowieso…

Helgi Hrafn J�nsson – For the Rest of My Childhood (2009, Sevenahalf/Broken Silence)

Die erste Single Beware of Water (die wir hier vorstellten) war ja noch ganz nett, aber ödete auch schon beim dritten oder vierten hören an. Und leider gilt das für das ganze Album. Sicher, man kann die Platte im Hintergrund hören, wenn man gleichzeitig eine extrem schwierige wissenschaftliche Arbeit schreiben muss oder telefonieren will. Denn abgelenkt durch interessante Musik wird man sicher nicht.

Dafür ist die Musik viel zu gleichförmig, und darüberhinaus schon tausendmal gehört. Wenn dann wenigstens die Texte besser als der Rest wären, wäre ja noch was zu retten gewesen. So aber kann man das Album spätestens nach einem kompletten Durchlauf wieder in das CD-Regal stellen.

kim garisson – you are loved (2009, red pants records; in Deutschland noch nicht erhältlich)

Musikalisch einwandfrei ist die Platte sowieso – das konnte man nach drei Wolke-Platten und bei einer Zusammenarbeit mit u.a. Jens Bachmann (ex-Angelika Express) oder Friedemann Weise (sie erinnern sich) auch erwarten. Was sein schaffen aber vor allem mit letzterem eint sind die Texte. Denn die stehen hier definitiv im Mittelpunkt.

Und so kann man die Platte, wenn man pathetisch sein will,� auch als Hommage an das Leben im 21. Jahrhundert lesen: Popstar beschreibt zum Beispiel nicht nur perfekt das Leben der erwähnte Personengruppe, sondern einer ganzen halben “Generation” , und es gibt glaub ich keinen Song, der besser die prekäre Lage großer Teile der Bevölkerung dieser Tage beschreibt als Krise. Und wenn man Der Tag, als nichts passierte hört, sehnt man sich mit Oliver Minck zusammen zurück in eine langsamere Welt (die freilich nie existierte).

Ach ja, die wichtigste in ein Lied gebannte Erkenntnis zum momentanen Stand der deutschen Indie-Szene findet man ebenfalls auf dem Album:

Und diesem Thees Uhlmann würd ich gern mal die Gitarre über den Kopf ziehen. Dieses affige Kumpelgetue ist doch nur ein Marketing-Trick. Und wieso merkt ihr das nicht?

(Frustrierter Typ)

Und damit wäre auch das geklärt.

Die Oliver Minck Erfahrung – Die Oliver Minck Erfahrung (ab 23.10.2009, Tumbleweed/Broken Silence)

Danach geht es mit Teflon wieder eher in die von der Band gewohnte Richtung, auch wenn der einprägsame Refrain bereits beim ersten Hören gut reingeht und das Lied somit auch Leuten, die mit Progrock normalerweise nichts anfangen können, gefallen könnte. Die Kollegen von Dredg grüßen von Ferne.

Das folgende Halo Of Nembutals ist ein atmosphärisch-düsterer Midtempo-Rocker, der von enorm pumpenden Drums geradezu durch die Boxen gedrückt wird. Doch bereits im Anschluss wird wieder vom Gas- aufs Bremspedal gewechselt: With Twilight As My Guide ist eine waschechte Ballade, der Fokus ganz klar auf der Gesangsmelodie liegt.

Überhaupt rückt dadurch, dass sich die Instrumentalisten um Omar Rodriguez-Lopez auf diesem Album zurücknehmen, ein weiteres Merkmal von The Mars Volta besonders stark in den Vordergrund: Cedric Bixlers unnachahmlicher Gesang. Und das tut der Platte durchaus gut.

Cotopaxi mit seinem aufgekratzten 11/8-Takt, der zum Refrain hin in einen etwas straighteren 4/4 mündet, erscheint dagegen noch am bandtypischsten, ist mit gut dreieinhalb Minuten allerdings ziemlich fix vorbei. Nichtsdestotrotz ein starker Song, bei dem die Band ihre Stärken gut gebündelt ausspielt. Danach verliert das Album dann etwas an Fahrt und franst etwas aus, dennoch sind Desperate Graves, Copernicus und Luciforms allesamt gute Songs.

Acht Songs in 50 Minuten – auch daran merkt man, dass die Band nicht mehr zu stark übertreiben will und nicht jede Sekunde einer CD-Laufzeit manisch voll packen muss. Es gibt keine Zwänge mehr, denen sich The Mars Volta unterwerfen muss, auch keine selbst geschaffenen. Und so zeigt sich auch, dass Kompromisse der Kunst dienlich sein können: Austoben kann sich Omar Rodriguez-Lopez zu Genüge auf seinen zahlreichen Soloalben und Nebenprojekten, auf den Platten seiner Hauptband landet dagegen ausnahmslos wirklich gutes und durchdachtes Material.

Auch wenn �Octahedron� mein persönliches Lieblingsalbum der Band, das Debüt �De-Loused In The Comatorium�, sicherlich nicht vom Thron stoßen wird, und einen auch nicht so umhaut wie das im vergangenen Jahr veröffentlichte Werk �The Bedlam In Goliath�, so beweist dieses fünfte Album vor allem die stilistische Vielseitigkeit von The Mars Volta und untermauert somit auf eindrucksvolle Weise, dass sie eine der interessantesten und wichtigsten Bands dieses Jahrzehnts sind.

The Mars Volta – Octahedron (2009, Mercury/Universal).

Es ist von allem, was Blumfeld einmal ausgemacht hat, ist etwas dabei: Manche Songs klingen nach den frühen, rockigeren Tagen, z.B. das schon vorher bekannte Wohin mit dem Hass, andere Titel gehen eher in die Richtung, die auf den späten eingeschlagen wurden. Lieder wie Lass uns Liebe sein, Jenfeld Mädchen oder Nur mit dir sind wunderbare Songperlen, jedes einzelne würde auch als Gedicht funktionieren – z.B. im Poesiealbum der oder im Brief an die Freundin.

Aber: Ich habe eigentlich nie so wirklich den Zugang zu Blumfeld gefunden. Natürlich hab ich die Diskografie mehr als einmal durchgehört, ich verstehe auch, wieso Blumfeld zu den wichtigsten deutschen Bands aller Zeiten gehört. Aber mir persönlich waren sie nie so wichtig. Vielleicht bin ich einfach zu jung und hab es in der besten Phase der Band versäumt, sie für mich zu entdecken. Allerdings müsste ja dann das gleiche für Tocotronic gelten – tut es aber nicht. Vielleicht sind mir auch einfach ein Großteil der Texte zu seltsam – da weiß ich wenigstens wieder, wieso ich damals in der Oberstufe keinen Deutsch-LK hatte. Wie dem auch sei, was damals für Blumfeld galt, gilt auch für die Solo-Platte: Es ist eine solide Platte, ich kann auch durchaus verstehen, wenn Leute sie für eine der besten deutschsprachigen Platten der letzten Jahre halten, aber ich finde sie ein bisschen, nun ja, langweilig.

Jochen Distelmeyer – Heavy (2009, Columbia/Sony)

Auch Richard Kämmerling hat in der FAZ seine eigene Geschichte mit Distelmeyer und Blumfeld aufgeschrieben. Es ist zwar eine andere als die hier erzählte, lesenswert ist sie trotzdem. Genau wie auch die Distelmeyer-Geschichte im SZ-Magazin.

�We circle the yes, we strike the no, we struggle for maybe – we do nothing at all�, um diese vagen Worte aus einem Song, der nie fertig wurde und somit auch nicht auf dem Album “Circle The Yes” zu hören ist, dreht sich der Band zufolge dessen gesamte Enstehungsgeschichte. Geschaffen haben I Might Be Wrong daraus eine ausgezeichnete Platte, so schön, aber auch so zerbrechlich wie eine seltene Porzellanvase. Nur tausendmal weniger spießig.

I Might Be Wrong – Circle The Yes (ab 25.09.09), sinnbusrecords/alive.

Mal tanzbar, mal mehr zum träumen sind die Songs auf dem Debutalbum von Slow Club. Mal wird gemeinsam gsungen, mal (wie beim schon von der vorher erschienenen gleichnamigen EP bekannten Let’s Fall Back in Love) gar im Chor gebrüllt, und mal wird es dann eher leise. Aber immer entstehen so wunderbare Folk-Pop-Perlen.

Das Album ist schon Anfang Sommer erschienen, und das war wahrscheinlich auch der Perfekte Zeitpunkt für Yeah So. Denn sommerlich sind die die Songs auf jeden Fall. Und selbst Songs mit Titeln wie Because We’re Dead machen einfach nur glücklich.

Slow Club – Yeah So (2009, Moshi Moshi/Cooperative/Universal)

Ich würde sogar noch ein paar Referenzen hinzufügen: An manchen Stellen erinnert der Sound ein wenig an das letzte Portishead-Album oder gar an Björk. Ein wenig eingängiger als diese beiden ist es zwar, aber zumindest ein Teil der Songs ist nichts für die durchschnittliche Indiedisco – und da will Electropop ja meist eigentlich hin.

Wobei, es ist ja nicht reiner Electropop. Auch Rockelemente sind zu hören, vor allem im Refrain von Hip, im übrigen einem der besten Songs des Albums. Leider schwankt vor und nach diesem Song die Qualität ungemein. Das Album fühlt sich nicht wie ein ganzes an, eher wie ein Sampler, auf dem unterschiedliche Bands (die sich allerdings irgendwo doch ähneln) ihr Können demonstrieren. Es ist zwar nicht so, dass man in jedem Song einen anderen Einfluss hört, aber sie unterscheiden sich teilweise doch arg, sowohl was Qualität als auch was den Sound angeht.

Die Band wurde im letzten Jahr unter anderem für einen Preis als “Bestes Experiment” nominiert. Das kann ich durchaus verstehen, schließlich sind ein paar durchaus tolle Songs entstanden. Für ein durchweg großes Album hat es leider nicht gereicht.

Marybell Katastrophy – The More (in Dänemark erschienen 2008, in Deutschland ab 25.9.2009; PonyRec)

Herausgekommen ist ein durchaus gutes Album. Zwar meint man häufiger, die Musik schon einmal gehört zu haben, aber die heutige popmusik lebt eben von Zitation und Referenzen – zumindest so lange eine Band auch noch etwas eigenes in die Musik mit einbringt. Auf A Tale of Two Devils kann man zwar nicht genau sagen, wo dieses eigene, einzigartige Element von Voicst liegt, aber irgendetwas muss da sein. Sonst würde das Album ja langweilig sein.

Vielleicht ist es der gelungene Mix aus Amerikanischen, Schwedischen und Britischen Referenzen, vielleicht ist es die stilistische Vielfalt (die Single Everyday I Work on the Road ist zum Beispiel durchaus für den Tanzflur in der Indiediskothek geeignet, der letzte Song des Albums, Two Devils, ist ein eher folkiger popsong, der nur von einer Akkustikgitarre begleitet wird). Vielleicht sind es aber auch die manchmal überraschenden Klangxperimente zu Beginn oder Ende einzelner Songs. Vielleicht ist es aber auch völlig egal. Festzuhalten bleibt zumindest eines: Das Album ist definitiv zu empfehlen.

Kein Wunder, dass es im letzten Jahr platz eins der holländischen Alternative-Charts erreichte.

Voicst – A Tale of two Devils (In Holland 2008 erschienen, in Deutschland ab 18.09.2009, Goodbusy Records/Al!ve)

aus bayern kam ja, mal abgesehen von frittenbude, schon lange nichts die klangwelt bewegendes mehr. die aufbruchsstimmung der weilheimer schule um the notwist und der augsburger schule um anajo scheinen fürs erste vorbei. die sportfreunde sind für den echten indiestreber irgendwo zwischen ballermann und fussballstadion verlorengegangen, und slut tauschen rock gegen kunst und versuchen sich nach der dreigroschenoper an einer schallnovelle in zusammenarbeit mit juli zeh.

im sommer 2009 sind mir allerdings gleich zwei platten in die hände gefallen, die mich wieder haben aufhorchen lassen. beide erinnern mich irgendwie an die ganzen jungen britischen bands, die indierock mit elektronischen elementen anreichern und damit fast schon discoesque tanzqualität erreichen – zum beispiel look see proof, late of the pier und vielleicht sogar die klaxons.

sickcity aus münchen habe ich live auf dem prima leben und stereo gesehen und mir gleich ihr frisch erschienenes debutalbum “arkham” gekauft. “united we fall” heisst der opener, und sänger conan kowalski reimt harold pinter auf nuclear winter (thomas pynchon lässt grüßen) – rein textlich-assoziativ schon mal um meilen interessanter als fast alles, was englischsprachliche deutsche bands sonst so über die lippen kommt. auch wenn die geschichten zwischenzeitlich etwas in rockmusikklischees abdriften (“cocaine”, “crack whore”, “my daddy said”), sind sie so gut wie nie peinlich, und eine immer wiederkehrende julia gibt dem album den anschein einer kurzgeschichtensammlung mit rotem faden. musikalisch gibt der “witchking of goa” am bass die richtung vor: ohne rücksicht auf verluste ab durch die mitte. am besten sind sickcity wenn sie eine frenetische klanglandschaft konstruieren über der synthetische nordlichter mäandern (“united we fall”, “believe in god”, “no sports”, “arkham”).

von ibsen aus erlangen kommt am 28. august die debut-ep “graffiti in granada” raus. das musikalische grundprinzip ist das gleiche wie bei sickcity: klassische bandbesetzung, erweitert durch elektronische elemente via laptop, synthesizer bzw. keyboard. das ergebnis ist ein sehr energetischer klang, der manchmal bewusst mit der harmonie bricht, um danach wieder zielsicher in die spur zurückzufinden, und mit minimalen screamo-elementen angereichert wird. textlich merkt man zumindest als deutscher nicht, dass hier eine deutsche band englisch singt. ibsen klingen für mich etwas souveräner, abgeklärter als sickcity und sind unbedingt geeignet für konzerte in verrauchten kellerclubs sowie die indie-tanzfläche um kurz vor vier, um das letzte bisschen frust abzuschütteln. oft wird das ganze als post-irgendwas bezeichnet – ich habe das gefühl dass es eher pre-irgendwas ist… vielleicht die vorreiter einer neuen bayerischen musikbewegung?

sickcity und ibsen lassen hoffen, dass bayern nicht wieder in den status eines musik-entwicklungslandes zurückfällt. fehlen nur noch ausreichend publikum und pressefeedback, um die hörimpressionen über die landesgrenzen hinaus dem geneigten musikliebhaber schmackhaft zu machen.

sickcity – arkham. (ab 31. juli 2009, Little Ted/Cargo Records) myspace / homepage

ibsen – graffiti in granada ep (ab28. august 2009, auf die plätze…) myspace

Darauf vertreten sind so ziemlich alle Künstler, die bei audiolith veröffentlichen – mittlerweile über 20. deshalb umfasst der sampler auch ein relativ breites musikalisches Spektrum: Natürlich ist der Audiolith-Typische Punchline-Elektro � la Egotronic und Frittenbude vertreten, aber auch “Stumpf ist Trumpf”-Clubtunes � la one foot in da rave auf der einen und Singer-Songwriter-Musik � la ClickClickDecker auf der anderen Seite.

Natürlich gefällt einem auf solch einem Sampler nicht jeder Song, aber dafür ist so etwas ja auch nicht da. Doin’ Our Thing zeigt aber ganz gut, was audilith alles ausmacht. Und was für teilweise wirklich gute Künstler auf diesem immernoch relativ kleinen Label veröffentlichen.

Ach ja, als besonderen Bonus gibt es zum physischen Release auch noch eine DVD mit allen Videos der audiolith-Künstler mit dazu. Da gibt es dann visuelle Leckerbissen wie das hier zu sehen:

Juri Gagarin – Presidator

Anspieltipps: Saalschutz – Der Widerspruch, Juri Gagarin – Give or Take und Frittenbude – jung, abgefuckt, kaputt und glücklich.

Audiolith – Doin’ our Thing (CD+DVD bzw. Digital, 2009, Audiolith/brokensilence)

Den Titelsong Doin’ our Thing von ULTRNX feat. Ida Atari, der nicht auf dem Album ist, gibt es zum kostenlosen Download.

Am 28.8. bringen sowohl Virginia Jetzt!, die ungekrönten Könige des deutschsprachigen seichten Indiepop (a/k/a Mädchenmusik bzw. Indie-Schlager) und Mein Mio, eine Band, die ihnen diesen Titel streitig machen könnte, ihre jeweiligen Alben raus. Für uns Grund genug, die beiden Platten mal gegeneinander antreten zu lassen, zumal beide Bands mindestens teilweise aus Brandenburg kommen (VJ! komplett, bei Mein Mio ist Sänger Sebastian gebürtiger Brandenburger).

Kategorie 1: Musik

Hauptüberschneidungspunkt der Bands dürfte die Musik selbst sein. Beide Bands haben sich dem Indiepop verschrieben. Und bei beiden Bands ist das ganze teilweise etwas zu seicht, aber meist durchaus nett anzuhören. Der größte musikalische Unterschied dürfte dabei sein, dass Mein Mio sich einfach mehr trauen – die Musik muss schließlich nicht so radiotauglich sein wie bei VJ. Denn ein einminütiges Instrumentalintro wie bei Frag mich nochmal wird man bei den “alten Hasen” umsonst suchen. Dafür ist bei denen alles perfekt arrangiert und produziert – und wird trotzdem selten allzu langweilig.

Daher: Unentschieden

Kategorie 2: Texte

Bei Virginia Jetzt! keine Überraschungen: 9 von 10 Songs sind Liebeslieder. Und während das zum Beispiel bei internationalen größen wie The Divine Comedy sehr gut gehen kann, tut es dies bei Virginia Jetzt! nicht wirklich. Viel zu seichte, chartskompatible Gefühlsduselei steckt in den Texten. Ein gutes Liebeslied braucht entweder einen wirklich kreativen Text oder sehr viel Leidenschaft. Doch beides ist nur in homöopathischen Dosen vorhanden. Schade, denn auf den vorherigen VJ!-Alben waren die besten meist die, in denen es um etwas anderes als die Liebe ging.

Ganz anders die Newcomer: Bei Mein Mio sind die Themen weiter gesteckt. Es geht um Anpassung (So wie Ihr), Die Suche nach einem Ziel im Leben (Wenn wir wüssten, vorher auf indiestreber) und, ja, auch mal um die Liebe (z.B. Freitag). Aber immer wesentlich kreativer als bei Virginia Jetzt!.

Klarer Punkt für Mein Mio.

Kategorie 3: Die erste Single (und weiteres “Hitpotential”)

Beide Singles hatten wir schon auf Indiestreber vorgestellt. Zwar finde ich Dieses Ende wird ein Anfang sein minimal besser als Wenn wir wüssten, aber erstens muss man Mein Mio zugute halten, dass sie den Song auf ihrer Homepage bis zum physischen Release verschenkt haben und zweitens steckt in Irgendwo in dieser großen Stadt wesentlich mehr Hitpotenzial in den weiteren Songs: Freitag ist eine der schönsten deutschsprachigen Balladen des bisherigen Jahres, Vorsicht an den Türen könnte sogar zu späterer Stunde in der Indiedisco laufen und auch der Rest des Albums kann sich sehen lassen. Auf Blühende Landschaften ist die erste Single auch schon der beste Song der Platte, allerhöchstens Du bist alles ist noch wirklich gut.

Noch ein Punkt für Mein Mio.

Kategorie 4: Und so.

Als Indiefan ist man ja immer auf der Seite der Kleinen. Man könnte sogar darüber Diskussionen anstellen, ob Virginia Jetzt! überhaupt noch Indie sind. Aber das soll hier keine Rolle spielen. Es sind nämlich vielmehr die kleinen Dinge, die bei Mein Mio besser sind: Zum Beispiel sind sowohl Albumtitel als auch -cover bei Mein Mio besser, schöner, poetischer.

Und noch ein Punkt für Mein Mio.

Fazit:

Ein überraschend hoher (4:1) Sieg für Mein Mio. Die Platte ist einfach interessanter und frischer. Einfach besser. Vielleicht denken Virginia Jetzt! mittlerweile zu sehr an Radiokompatibilität, vielleicht ist es etwas anderes. Auf jeden Fall ist Blühende Landschaften das seichteste – und schlechteste – Album der Band. Irgendwo in dieser Stadt dagegen kann sich besonders als Debutalbum durchaus sehen lassen.

Als Geschenk für die Freundin taugen wohl beide Platten. Für den eigenen Plattenschrank ist Irgendwo in dieser Stadt aber die bessere Wahl.

(Aber besser verkaufen dürfte sich wohl die Virginia Jetzt!)

Mein Mio – Irgendwo in dieser großen Stadt (ab 28.8.2009, Sound Guerilla/DA Music)

Virginia Jetzt! – Blühende Landschaften (ab 28.8.2009, BMG/Rough Trade)

Dabei schaffen Mouth es, ihre Songs nicht zu sehr ausufern zu lassen und nie ihr Zentrum aus den Augen zu verlieren. Das beugt Langeweile vor und leistet unnötigen Mucker-Orgien Vorschub. Und außerdem bleibt so auch mal der eine oder andere Refrain auf Anhieb im Ohr hängen.

Auch wenn das Konzept des Albums an die Dystopien der 70er Jahre angelehnt ist und sich Bezüge zur Musik dieses Jahrzehnts nicht leugnen lassen, scheinen die drei Musiker auch der Indie-Musik der vergangenen Jahre nicht völlig verschlossen gegenüber zu stehen. Dafür spricht die teils knackig auf den Punkt gespielte Gitarre genauso wie die aufgedreht fiependen Keyoards. Nur der teilweise etwas angestrengte Falsettgesang nervt an manchen Stellen.

Schade, dass sich der Schlagzeuger noch vor Veröffentlichung ihres Debutalbums dazu entschieden hat, die Band zu verlassen. Inzwischen ist allerdings bereits ein Ersatz gefunden, insofern sollte dem Weiterkommen in Zukunft nichts mehr entgegen stehen.

Mouth – Rhizome (21.08.09, bluNoise Records)

dieses jahr kam ihr langersehnter zweitling jigsaw raus. und wie schon auf dem vorgänger public warning vor 3 jahren geht es darauf ziemlich ab. so ziemlich jeder track ist äußerst tanzbar und macht einfach nur spaß.

der spaß fängt dabei schon direkt am anfang des album mit let’s be mates an, legt bei den the cure-samplen bei let’s be mates noch einmal zu und hört auch beim schon fast balladesken jigsaw nicht auf. und wo bei anderen alben schon alles verschossen wäre, bleibt die hohe qualität über das ganze album erhalten. und ein absoluter smash-hit � la public warning ist mit student union auch wieder dabei.

keine frage: mit leichtigkeit das beste rap-album 2009.

lady sovereign – jigsaw (2009, midget/EMI)

Lady Sovereign – So Human

lady sovereign – so human

Keine Frage – Es brennt so schön ist die beste Olli Schulz-Platte mindestens seit seinem Erstling Brichst du mir das Herz, dann brech ich dir die Beine. Ob das am Ende der Zusammenarbeit mit Max Martin Schröder (a/k/a Der Hund Marie) lag oder nicht, vermag ich nicht zu sagen. Aber auf der Platte stimmt fast alles.

Das Songwriting wirkt – auch wenn das jetzt seltsam klingt – erwachsen wie nie, aber auch den einen oder anderen Schmunzler kann man sich nicht verkneifen. Insgesamt geht das Album aber schon in die Richtung, die schon auf Warten auf den Bumerang eingeschlagen wurde: Es wird düsterer und melancholischer. Aber eben auf eine ganz eigene Weise, gespickt mit Alltagsbeobachtungen und wunderbaren Texten. Das geht dann von einer Beziehung zu einer Frau, die nur so ähnlich wie die Traumfrau ist (Wie sie – absoluter Anspieltipp) über Sozialkritik (All You Can Eat) bis hin zu allgemeinem Sinnieren über das Leben (Wenn die Sonne wieder scheint). Und noch viel mehr.

Ach ja, was am Album am meisten stört, ist der Bibo. Der passt nämlich sowas von gar nicht auf dieses Album. Aber Major-Labels (denn auf so einem ist der Olli ja) wollen halt um jeden Preis CDs verkaufen.

Olli Schulz – Es Brennt so schön (2009, Columbia/Sony)

Ach ja: Live spielt der junge Mann mit Home of the Lame als Backing-Band auch alte Songs, teilweise aber in komplett neuem Gewand. Auf jeden Fall sehenswert!

2006, bei Erscheinen von Nothing for Design, bewohnten Elsinore noch die Folk/Americana-Schublade. Allerdings eine sehr poppigen Teil davon. Das hört man auf dem ganzen Album, vor allem aber beim überragenden Vampire in my Town.

Natürlich erreicht nicht jeder Song diese Ohrwurmqualität, aber Aussetzer sind auch nicht dabei. So kann das Album von der ersten Note des Openers Mind, Space and Time bis zum Ende des mir schon vorher bekannten Timid Maggie Mae fast durchgehend überzeugen.

Wenn ich meine Jahreshitliste von 2006 noch einmal aufstellen, Nothing for Design wäre vorne mit dabei. Und wer weiß, vielleicht erscheint ja 2009 das schon für den letzten Herbst angekündigte neue Album…

elsinore – nothing for design (2006, elsinore music)

(Hier hatte ich schon einmal kurz über das Album berichtet.)

Und die kann sich durchaus hören lassen. Meistens relativ ruhig, gegen Ende der EP (genauer beim letzten Track “Learn & Wait”) auch mal grooviger und mit Schlagzeug- sowie Pianobegleitung gibt Breker fünf Songs zum besten, die das warten auf sein erstes Album im nächsten Jahr verkürzen sollen. Oder eben zum kennelernen seiner Musik und seiner Person

Dafür machen sie auch die falsche Musik: Irgendwo zwischen Emo, Punk und Harcore lässt sich ihr Sound verorten. Da aber nun ihr Sänger Kalle Karacho diesen Sommer aus der Band aussteigt, gibt es zu seinem Abschied noch einmal eine EP. Und zwar auf gutem alten Vinyl, genauer gesagt im 7″-Format. Der Name, und so schließt sich der Kreis, erinnert dabei wieder an ihren ehemaligen Bandnamen: “Songs on 33″.

Vier Songs sind auf der Scheibe, und rocken tun sie alle. Drei von Vier Songs sind zwar auf Englisch, der eine deutschsprachige (“Potentiell Unsterblich”) ist aber gleich der beste – sowohl textlich als auch musikalisch. Der Rest kann sich allerdings auch sehen (bzw. hören) lassen.

Die gesamte 7″, die übrigens auf 500 Stück limitiert ist, kann übrigens auf der myspace-Seite der Band angehört werden.

a modest proposal – songs on 33 (ab 3.7.2009, 7″, lolila/brokensilence)