bitte ändert das entsprechend in euren feedreadern und schaut weiterhin regelmäßig vorbei – zum beispiel beim ersten beitrag beim neuen indiestreber.

der umzug an sich hat aber funktioniert, soviel kann ich schonmal sagen. die seite sollte nun auch schneller gehen als fr¨her.

mittlerweile sollte alles wieder soweit funktionieren. kleinere aussetzer können aber in den nächsten stunden/tagen auftreten.

ach ja, der umzug ist übrigens der erste schritt auf dem weg zum neuen indiestreber. ab dem 1. September wird diese Seite nämlich nicht mehr so sein wie bisher. mehr aber dann.

Auf der myspace seite der neu formierten band ist alse genrebezeichung einzig und allein das prägnante wörtchen “punk” vermerkt. wie sollte man es auch anders nennen, wenn keiner der vier musiker an seinem angestammten instrument agiert? bei ludger findet man sergej “säge” halosin – gitarrist und keyboarder bei juri gagarin – am schlagzeug, kevin hamann – sänger und gitarrist bei clickclickdecker – am bass, rasmus engler – schlagzeuger bei herrenmagazin und gary – an der gitarre und jörg fuchs – bassist der inzwischen aufgelösten peters – als sänger und texter.

in kombination ergibt das eine charmant-chaotische melange-à-quatre. die drei songs auf der myspace seite der band erinnern in ihren prolligsten momenten (“ein deutscher traum”) – vor allem aufgrund von stimmlichen ähnlichkeiten – an die kassierer. aufgrund des bierseligen augenzwinkerns lässt sich aber auch ein knochenfabrik-vergleich nicht von der hand weisen. “ameisenstaat” von knochenfabrik ist eines der legendärsten deutschsprachigen punk-album. es könnte gut sein, dass auch ludger ein solches aufgenommen haben. es könnte aber auch sein, dass das ganze völlig in die hose geht.

Jahrelang bezeichnete sich Elsinore als “Band in Transition”. Vier Jahre hat es gedauert vom Debutalbum bis zum zweiten Werk, dem gerade erschienenen Yes Yes Yes. Vier Jahre, in denen sich ihre Musik stetig verändert hat. So konnte man viele Stücke im Laufe der Jahre schon hören; The General war schon 2008 einer meiner Songs des Sommers. Die Version von damals unterscheidet sich nicht einmal wirklich von der Albumversion – aber mal ehrlich, was hätte man an dem Lied auch groß verändern sollen?

Anderen Songs, die ebenfalls schon vorher bekannt waren, tat eine Überarbeitung auch viel besser: Lines war als Ryan Groff-Solostück schon gut, in der geradezu Orchestralen Orchesterversion ist es der beste Song des Albums, einer der besten Songs des Jahres bisher. Überhaupt ist in ihm die Richtung mit am besten zu erkennen, die die Band aus Champaign, IL mit diesem Album eingeschlagen hat: Weg vom leichten Indie-Gitarrenpop mit leichten Folk- und Country-Einflüssen, hin zu “großem” Pop mit vollem Sound und dem nötigen Mut zum Pathos. Zwar stand ihnen auch ersteres gut – Nothing for Design ist immernoch eine großartige Platte – aber mit dem neuen Sound schaffen sie das, was kaum jemand schafft: Sie entwickeln sich weiter, emanzipieren sich von ihrer eigenen ersten Platte, fangen noch einmal von vorne an und veröffentlichen eine tolle Platte.

Schon seit der Veröffentlichung ihrer Chemicals EP steht nichts mehr von “Band in Transition” auf ihrer myspace-Seite. Elsinore, so scheint es, sind angekommen. Mit Pauken und Trompeten.

Ach ja: Die Songs, die vorher noch nicht bekannt waren, sind fast alle ebenfalls großartig.

Elsinore – Yes Yes Yes (2010, Parasol, Digital über Bandcamp)

PEER – Schutzraum

Locas In Love – Die Apokalypse (Live in New England)

Gleich zwei mal neues aus dem deutschen Indiepop-Betrieb:

Erstens veröffentlicht Peer, dem einen oder anderen als Moderator des einzig wahren deutschen Podcasts Undertube oder als Sänger der Indiepop-Kapelle (Le) Mobilé bekannt, sein erstes Solo-Album. Wobei sowohl “erstes” als auch “Soloalbum” nicht ganz die Wahrheit trifft. Zum einen hat er nämlich mit “Lieder um sie ans Ende eines Mixtapes zu machen” zumindest der Anzahl der Songs nach schon ein Album herausgebracht, und zum anderen ist er nicht wirklich Solo, sondern mit seiner Peer-Band unterwegs. Dazu gehören neben ihm als Sänger Mitglieder von Ampl:tude, Sumo und The Grand Coulee und Marv von Hund am Strand.

Nichtsdestoweniger freue ich mich jetzt schon auf den 15.10., wenn Wir sind Peer auf Sitzer erscheinen soll. Zumal die zwei Songs (darunter Schutzraum, siehe oben), die man auf seiner Seite im Tausch gegen die eigene Email-Adresse bekommt, schon einmal sehr vielversprechend sind.

Auf Tour geht es natürlich auch, bisher sind aber erst drei Gigs fest.

Peer – Wir sind Peer (ab 15.10.2010, Sitzer Records/Broken Silence)

Ebenfalls bei Sitzer veröffentlichen ja die Locas in Love. Deren drittes reguläres Album lässt zwar noch auf sich warten, dafür führen sie ihre ersten beiden im Herbst auf. Und zwar komplett, in voller Länge und richtiger Reihenfolge. Das ganze unter dem Titel “Two Originals Of…”

Die Serie ‘Two Originals Of…’ ist die Ursuppe von dem, was man ‘Katalogmarketing’ nennt. Dabei wurden zwei Alben von, sagen wir Neil Young, Van Morrison o.ä. als Doppel-LP zusammengefasst und zum Vorzugspreis angeboten.
Locas In Love übertragen das Konzept nun aufs Livekonzert und spielen an einem Abend zwei Konzerte, bei denen jeweils ihr Debutalbum ‘What Matters Is The Poem’ und das zweite, der Überraschungshit ‘Saurus’, in Gänze von Anfang bis Ende aufgeführt werden. (Locas-Homepage)

Natürlich gibt es dort auch Songs vom neuen, noch unbenannten Album zu hören. Hier die bisher bestätigten Termine:

• 15.10.2010 Leipzig, Werk II
• 16.10.2010 Dortmund, Sissikingkong
• 21.10.2010 Hamburg, Übel & Gefährlich
• 23.10.2010 Frankfurt/M, Das Bett
• 24.10.2010 Köln, Filmhaus

The Thermals – I Don’t Believe You

Bei Pitchfork gibt es den Song übrigens auch zum kostenlosen Download.

ou est le swimming pool sollten heute auf dem frequency-festival auftreten, für den herbst waren konzerte u.a. in australien, großbritannien und deutschland geplant. die band hat bisher drei singles veröffentlicht, ihr debutalbum christ died for our synths the golden years ¹ soll(te) im oktober herauskommen.

1. anscheinend wurde der eigentlich vorgesehene albumtitel christ died for our synths fallengelassen und durch the golden years ersetzt

Bild: © Jessika Wollstein von festival-kritiker.de

Freitag, 30. Juli:

“mindestens in 1000 jahren” machte frittenbude zur wohl bekanntesten audiolith band. an diesem tag wurden die bayerischen dauer-wach-musiker den geschürten Erwartungen allerdings keineswegs gerecht. Der viel zu dünne Sound auf der Mainstage, die Frittenbude-untypische Uhrzeit von 17:30 Uhr und die für mich überschrittene Grenze zwischen Lässigkeit und Lustlosigkeit machten den Auftritt zu einer einzigen Enttäuschung.

dafür holten captain planet auf der zeltbühne direkt im Anschluss all das nach, was Frittenbude vermissen ließen: Energie, einen absolut druckvollen Sound, Spaß am Spielen und sensationell gute Texte, die reihenweise mit der faust in der luft mitgeschrien wurden.

auf der mainstage wurden für den restlichen abend die ganz großen namen aufgefahren: biffy clyro, nada surf und kettcar.

klar, biffy clyro gehören inzwischen zweifelsohne auf die großen festivalbühnen dieser welt. trotzdem ließ mich der gedanke nicht los, das konzert hätte wohlmöglich im zelt mehr spaß gemacht. in einem zelt, in dem man jeden einzelnen schweißtropfen der musiker hätte bestaunen können. die drei tättowierten schotten legten sich nämlich wirklich ins zeug und schleuderten eine hymne nach der nächsten auf das nach hymnen lechzende publikum ab. songs wie “who’s gotta match”, “the captain” oder “bubbles” verloren jedoch viel von ihrer kraft und magie, bevor sie in den ohren der zuschauer ankamen.

bei nada surf gab es dann keine bedenken mehr. da war alles richtig. die richtige band, die richtige songauswahl, die richtige uhrzeit, der richtige sound! “always love”, “blankest year”, “popular”… zum dahinschmelzen. dazu der ein oder andere coversong ihres aktuellen albums “if a had a hi-fi”. einer davon ist “enjoy the silence”. jede andere band hätte man verteufelt, dieses lied zu covern. aber bassist daniel lorca erklärte mir im interview glaubhaft, dass er das lied vor den aufnahmen überhaupt nicht kannte. außerdem klingt es letztlich überhaupt nicht mehr nach depeche mode sondern einfach unverwechselbar nach nada surf. mein lieblingszeltplatznachbar henry: “wetten, über die hälfte der leute hier bekommt überhaupt nicht mit,  dass das gerade ein depeche mode coversong war?”. genauso wie er nach dem song “fruit fly” meinte: “wie schade, dass kaum einer zu schätzen weiß, dass nada surf  nicht über diese o8/15 popsong-themen schreiben, sondern zum beispiel über fruchtfliegen.”

der abschluss der mainstage bands war dann ein besonders emotionaler. kettcar verabschiedeten sich von schlagzeuger und gründungsmitglied frank tirado-rosales. während die band sich routiniert durch die hits ihrer drei alben spielte, prangten groß und leuchtend dahinter die worte “danke frank”. der so schüchtern und ruhig wirkende schlagzeuger, der schon anfang der 90er jahre mit marcus wiebusch zusammen bei …but alive spielte, genoss dieses konzert sichtlich, bedankte sich artig beim publikum und ließ sich von jedem einzelnen mitglied der anwesenden grand hotel van cleef großfamilie herzlich umarmen.

ein mitglied dieser angesprochenen familie ist audiolith-kopf und krawallherd lars lewerenz, der das rege treiben auf der bühne gekonnt dafür nutzte, den audiolith pferdemarkt im zelt anzukündigen. doch bevor die audiolith rave-ekstase mit das audiolith, ira atari & rampue, krink und ja!kob das elektroaffine publikum bis in die frühen morgenstunden beschallte, erlebte omas teich festival für viele den absoluten höhepunkt des wochenendes: den auftritt von the black box revelation.

am frühen abend wirkten die beiden jungen belgier beim interview zwar freundlich aber träge und alles andere als motiviert.  was sich dann aber kurz vor mitternacht im prall gefüllten zelt während des konzertes der beiden abspielte, hatte fast schon etwas magisches. das konzert von black box revelation haute nicht nur mich absolut aus den socken. manch einer fühlte sich an die ersten konzerte von black rebel motorcycle club zurück erinnert. sollten es tatsächlich zwei blutjunge belgier sein, die hunderten jungen menschen (inklusive mir) den rock’n'roll erklären? jan paternoster spielte riffs, die die kinnladen der zuschauer mit der schwerkraft bekannt machten und setzte sich dabei derart lässig in szene, als wäre es die einfachste sache der welt. keith richards wäre stolz auf ihn gewesen. gleichzeitig prügelte der 19jährige dries van dijck muppet-show-artig auf seine fälle ein. das publikum bedankte sich, in dem es während des gesamten auftritts wild hin und her schwappte, so dass einem zwischenzeitlich angst und bange um den zustand des hölzernen zeltbodens sein musste.

Aber auch die beiden vorangehenden Zeltbands – Hellsongs und Long Distance Calling – hinterließen einen bleibenden Eindruck. dem long distance calling auftritt konnte ich leider aufgrund von interviewverpflichtungen nicht beiwohnen. die instrumental-band soll allerdings mit dem dichtesten und besten sound des wochenendes beeindruckt haben. hellsongs beeindruckten einmal mehr mit ihren leisen interpretationen vieler lauter metal songs, bei denen nicht mitgeklatscht sondern mitgeschnipst wurde. egal wie böse die originale sind, slayers “seasons in the abyss” oder iron maidens “the evil that men do” zum beispiel, Sängerin Siri Bergnéhr überzog alles mit einer rosaroten Zuckerwatte.

Samstag, 31. Juli:

wer nach einer durchtanzten audiolith nacht schon gegen mittag dazu fähig war, sich aus seinem zelt zu schälen, sollte dies nicht bereuen. auf anweisung vieler freunde stand ich pünktlich zu alias caylon vor der bühne. der auftritt der band aus flensburg unterschied sich in der qualität dann überraschend wenig von einer band wie biffy clyro. die jungs mögen jünger sein, weniger tättowiert, weniger exhibitionistisch veranlagt, weniger schottisch aber die dargebotenen songs hielten jeden vergleich statt. mit “high time” hat die band sogar einen waschechten hit.

danach spielte die brachialste band des festivals: dioramic. ein trio aus kaiserslautern, dass ich zum letzten mal vor fünf jahren live sah. damals war schlagzeuger anton 15. inzwichen ist er 20 und trommelt immernoch wie ein junger gott. natürlich ist es nachvollziehbar, dass festivalbesuchter, die von kettcar, nada surf oder friska viljor angelockt wurden, mit double-bass, riffgewittern und brutalo-geschrei eher wenig anfangen können. dementsprechend leer wann dann leider auch der bereich unmittelbar vor der bühne. die mutigen oder neugierigen, die dieser gähnenden leere entgegen wirkten, konnten sich aber von den technisch überragenden und filigranen fingerfertigkeiten der drei jungs von dioramic überzeugen. wenn metal, dann gern so!

Dass ich mir anschließend Beat! Beat! Beat! und Antitainment durch die Lappen gehen ließ, bereue ich inzwischen. Noch mehr bereue ich, dass ich Trip Fontaine, die ehemaligen Labelkollegen von Alias Caylon, nur drei Lieder lang gesehen habe, weil ich parallel ein Interview mit Tim Neuhaus für Campusradio Mainz geführt habe. Denn das, was ich sah, war spitzenmäßige Unterhaltung. Fröhliches Instrumententauschen und Songs, die an …Trail Of Dead erinnern. Ich war begeistert und unzählige andere Festivalbesucher waren es auch. In welche Unterhaltung man sein Ohr auch warf, Trip Fontaine kamen großartig weg und sind in Deutschland anscheinend gerade so etwas wie die Band der Stunde. Man darf sich auf jeden Fall auf das mitte oktober erscheinende dritte album der rodgauer freuen.

Es schloss sich der Auftritt der mir bis dahin unbekannten Tusq im Zelt an. Wenn man so will, Eine Art deutsche All-Star-Band, die ihr Debütalbum zwar aufgenommen (in Finnland!) aber noch nicht veröffentlicht hat. Bass: Paul Konopacka von Herrenmagazin. Schlagzeug: Holger Lüken, alteingesässener Ostfriese von The Coalfield. Gitarre: Uli Sauer von Schrottgrenze. An vorderster Front: Uli Breitbach von den D-Sailors mit einem Instrument, das weniger Rock’n'Roll nicht sein könnte: ein Akkordeon! Mir schwante böses. Umso überraschter war ich von dem Auftritt. Man merkte der Band nicht an, dass sie erst 10 Auftritte absolviert hat. Routiniert spielten die vier sich durch breitwandige und atmosphärische Songs zwischen Shoegaze und Indie, die das sechsteilige Video-Studiotagebuch auf der Myspace-Seite der Band unterlegen.

Auch von Scumbucket erwartete ich ehrlich gesagt keine Höchstleistungen. Aber die Art und Weise wie Blackmail-Kopf Kurt Ebelhäuser die Riffs aus seiner Gitarre kitzelte beeindruckte dann doch. Während des Auftritts ging dann einer der wenigen Schauer des Wochenendes auf die Festivalbesucher nieder. Das störte allerdings überhaupt nicht. in diesem einen moment gab es nichts schöneres als zu “Staring At The Skies” im Regen zu tanzen.

Danach löste Tim Neuhaus mit seiner dreiköpfigen Band das Versprechen ein, der Festivalatmosphäre zu Liebe lauter zu sein als man das von ihm und seinen Songs erwarten konnte. Wer den Auftritt genossen hat, wird wahrscheinlich auch viel Freude am Band-Album von Tim Neuhaus finden, das demnächst beim Grand Hotel van Cleef erscheinen wird.

Hatte es kurz vorher bei Scumbucket noch ordentlich geregnet, ergoss sich bei den alten Ska-Hasen von den Busters schon wieder die Sonne über das gelände. ich persönlich bin allerdings eher Ska-Hasser als Ska-Hase und konnte mich deshalb – so sehr ich es auch versuchte – auch wenig bis gar nicht mit dieser blechgeblasenen Off-Beat-Fröhlichkeit anfreunden. stattdessen zählte ich die sekunden bis zum Picturebooks-Auftritt runter. Die dreiköpfige Band aus Gütersloh legte los wie die Feuerwehr und fuhr alle Kaliber auf (inklusive Soundverstärkung vom an der Bühnenseite sitzenden Manager und Vater Claus Grabke). Im Prinzip war es ein ähnliches Konzert wie bei Black Box Revelation am Vorabend, mit dem kleinen aber feinen Unterschied, dass zu meiner Verwunderung der Funke nicht recht aufs Publikum überspringen wollte.

Das Pflichtprogramm war damit erfüllt. Ich hatte alles Bands gesehen, die mir lieb und teuer waren. Es folgte die Kür. deren erster teil zeigte sich in form von Friska Viljor im strahlendsten festivalsonnenschein. fazit: bärtigen schweden mit ukulelen seh ich zehnmal lieber bei der guten lauen zu als anzugträgern mit trompeten. Ich weiß nicht, ob außer mir noch jemanden jemals der Gedanke gekommen ist.

Mit Jupiter Jones hielt ich es nicht lange im zelt aus, was aber gar nicht unbedingt am auftritt der Pathos-Punker mit Joe Cocker-Stimme lag. mir war im dichtgedrängten zelt einfach nicht nach kuscheln zumute. Die Veranstalter hätten gut daran getan, Jupiter Jones auf der großen Festivalbühne spielen zu lassen und stattdessen zum Beispiel Frittenbude ins Zelt zu verlegen. Ansonsten kann man den organisatoren line up-technisch keinen Vorwurf machen. Selten stieß ich bei so einem festival auf eine derartig hohe musikalische Qualitätsdichte.

johnossi und fettes brot boten dann einen würdigen abschluss dieses schönen ostfriesischen festivalwochenendes. Johnossi waren aber leider ein typischer Fall von “Band gibt auf der Bühne alles, Publikum macht nicht mit”. Eine Spitzenszene innerhalb des einstündigen Programms der Band war der Curt Cobain-Gedächtnissprung des Sängers und Gitarristen John Engelbert auf das Schlagzeug seines Bandkollegen Oskar Bonde (siehe Bild oben). Das war ganz großer Sport!

über fettes brot kann man ja sagen und denken was man will. eine vernünftige festivalshow haben die hamburger bis jetzt aber noch immer hinbekommen. davon hatte anscheinend auch jeder einzelne festivalbesucher gehört und die bühne auf der die brote tanzten und rappten kurzerhand zum persönlichen mekka erkoren. alle waren sie aus ihren löchern gekrochen, um die alten und neuen hits von “jein” bis “bettina” tanzend und drängelnd zu genießen. die drei wortgewandten hamburger hatten ihre helle freude an so viel geballter aufmerksamkeit und ließen sich nicht mal durch auf sie gerichtete laserpointer aus der fassung bringen. stattdessen nahmen sie die unangenehme beleuchtung zum anlass, einen spontanen neuen hit zu basteln. “buh laserdinger buh” hatten viele festivalbesucher noch lange im ohr.bei youtube gibt es unzählige verwackelte versionen des songs zu sehen. verwackelt deshalb, weil der song frenetisch gefeiert wurde. ein beispiel:

wer dann noch kraft in den beinen hatte, konnte sich supershirt als allerletzte band im zelt ansehen. ich tat es nicht und war auch ohne supershirt glücklich und zufrieden, 780 km für dieses Festival im nordwestlichsten Zipfel deutschlands zurück gelegt zu haben.

Die vier tollen Bilder sind übrigens von: © Jessika Wollstein von festival-kritiker.de. vielen dank dafür!

Inzwischen hat sich das Blatt gewendet. Ein erstes Kennenlernen mit Chili Con Carne im Hamburger „Nachtasyl“, der umjubelte Auftritt vor Kettcar, ein Release-Konzert bei „Michelle-Records“ und das zugehörige Album „Atzelgift“ schafften es tatsächlich, Marcus Wiebusch und Kettcar nicht nur zu verdrängen sondern nahezu vergessen zu machen. Besaß Kettcars Auftritt bei Omas Teich Festival bei mir allein nostalgischen Wert, bleibt jedes neue Lied der Kapelle Herrenmagazin aus Hamburg bei mir inzwischen für immer unauslöschbar im Ohr hängen.

Torsten Otto und „König Wilhelmsburg“ heißen die beiden markantesten Neuerungen auf dem zweiten Herrenmagazin Album “Das wird alles einmal dir gehören.”

Torsten Otto ist der neue Produzent. Genau wie Muff Potter auf ihrem Abschiedsalbum „Gute Aussicht“ ließ er auch die vier Herren Magazin ihr Album live einspielen. Dies sorgt für das ein oder andere musikalische Eselsohr, wahlweise auch für den einen oder anderen musikalischen Kaffeefleck. Bringt aber im Vergleich zum von Delbos Tobias Siebert hochwertig produzierten „Atzelgift“ den Vorteil mit, dass die Songs auf der Bühne um einiges leichter zu reproduzieren sein werden.

„König Wilhemsburg“ (so wird er auf der tollen wiederbelebten Herrenmagazin Homepage genannt) ist der neue Gitarrist. Der Sänger der nicht mehr existenten Peters ersetzte im letzten Jahr Gründungsmitglied Philipp Wildfang. „Er ist arrogant, fährt Mercedes A-Klasse, redet zu viel und manchmal auch einfach eine stabile Schulter und Vaterfigur für die gestrandeten Seelen dieser Band, wenn er nicht gerade masslos trinkt oder meckert.“ so wird der bandneuling auf der entsprechenden facebook-seite beschrieben.

Die Songs selber geben zu eintausend Prozent wieder, was Herrenmagazin ausmacht. Das sind intelligente, emotionale und eingängige Indierock-Hymnen, die bei mir Assoziationen zu den frühen Jimmy Eat World, Alkaline Trio oder Muff Potter erzeugen. Der mir in Musikhörerfahrung überlegene Münchener Autor Michael Sailer wirft auch Blumfeld, die Smiths, The Fall, Placebo oder Ton Steine Scherben in den übergroßen Topf der vergleichbaren Bands. Was dann wohl bedeutet, dass man Herrenmagazin nicht eins-zu-eins übersetzen kann. Allein eines sollte klar sein: All das, was Bands aus dem Herrenmagazin Dunstkreis (Schrottgrenze, Grafzahl oder Junges Glueck) jahrelang (leider) nur angedeutet haben, zelebrieren Herrenmagazin im ganz großen Stil: allgemein gültige und tausendfach interpretierbare Melodiespringbrunnen erschaffen, die den Spaß beschreiben, mit voller Wucht gegen die Wand zu laufen.

Herrenmagazin ist nicht mehr nur die Band um Gary- und Das Bierbeben-Schlagzeuger Rasmus Engler. All das Namedropping ist nicht mehr nötig. Die Band konnte Gisbert zu Knyphausen in „Alle sind so“ für ein Duett gewinnen. Der in Kritikerkreisen zurzeit angesagteste deutsche Songwriter ist es aber nicht, der „Das wird alles einmal dir gehören“ zu einem Großereignis macht. Das bekommen die vier Hamburger schon selber hin. „Erinnern“ ist das ohne Zweifel poppigste Stück, das Herrenmagazin je geschrieben haben und kratzt im Refrain gerade noch die Kurve zum deutschsprachigen Schlager. „Hals über Kopf“, „Gold für Eisen“ und „Onze“ gehören zu den großartigsten deutschsprachigen Songs, die ich je gehört habe. „Die Zeit heilt keine Wunden / Bild dir das bloß nicht ein / Sie haben die Bibel nur erfunden / Um selber Gott zu sein“ („Keine Angst“). Wer sich nicht zu schade ist, derlei Zeilen auf seine Platten zu pressen, ist ohnehin von der eigenen Heiligsprechung nur noch den berühmten Katzensprung entfernt. Wie schon der grandiose Vorgänger schließt das Album mit dem wuchtigsten Stück. In „Krieg“ wagt die Band sich musikalisch hinaus bis in ungewohnte Hardrock-Gewässer, spielt mit den dazugehörigen Klischees und geht trotzdem nicht unter.

Bei anderen Bands halten Nachfolger von Lieblingsalben selten das, was man sich von ihnen verspricht. The Gaslight Anthem sind das beste Beispiel. „Bands entwickeln sich halt weiter“ ist die in solchen Fällen oft skandierte Floskel. Zweifelsohne entwickelt sich auch Herrenmagazin auf dem zweiten Album weiter. Allerdings enttäuschen sie damit nicht, sondern begeistern auf ganzer Linie.

All diejenigen, die sich durch meine stark euphorisierten und ausschließlich subjektiv eingefärbten Worte dazu angestachelt fühlen, sind herzlich dazu eingeladen, auf einem der anstehenden Konzerte die vielen Punchlines von „Das wird alles einmal dir gehören“ zum Besten zu geben.  Ganz so wie ich es bis zum 4. Mai 2008 noch bei Kettcar getan hätte.

Herrenmagazin – Das wird alles einmal dir gehören (Motor, 3. September 2010)

Meist erinnert die Atmosphäre in ihrer klaren Melancholie aber an Readymade oder Monta. Eigenständigkeit? Scheinbar minimal. Wie bei einem schönen Raclette-Abend gibt es hier eben von allem etwas. Dabei wird ein anderes Klischee der Eidgenossen von Neviss’ Musik allerdings ganz mühelos erfüllt: die Gemütlichkeit.

“Now rest
Just rest
Your worried mind
The best is yet to come” (aus “Now Rest”)

Und am Besten sind Neviss wirklich dann, wenn sie genau das tun. Sich Zeit nehmen. Wenn sie den Hörer gemütlich und entspannt mit perlendem Klang durch ihre Verse tragen.

„Nothing is wrong
As I’m humming along
With birds and kids and bees
I’m awaking with the trees
Can you smell the sea?” (aus “Merry Christmas”)

Klar aber, dass bei all den Ähnlichkeiten zu bekannten Indie-Größen hier nicht nur geschmust wird. Gain = Abwechslung? Auf jeden Fall wird hier zwischendrin gerockt – wird gerne auch einmal (vermutlich) dem wilden Touralltag gehuldigt, auch wenn einen dieser statt in alle Himmelsrichtungen lediglich ins thüringische Jena verschlägt.

„Well, I hope things will never change
I hope we’ll always stay here
Will you let me make this clear
I believe we belong here” (aus “Never Wanted To Go To Jena”)

Klingt fast so, als ob Neviss live einiges auf der Pfanne haben könnten. Wer will, kann das diesen September in Chemnitz oder Berlin (nicht aber in Jena) herausfinden. Ansonsten: „The Good Men“ einpacken und ab auf die Wiese und entspannen.

„And lying in the grass
The world has no weight here
Well, ok, this won’t last
But I can promise
The surprise will be great next year” (aus “Merry Christmas”)

Neviss – The Good Men (ab 3. September 2010, GoldOn Records)

Schon im Opener Pitch Grammar wird man mit stampfendem Rhythmus und Gespensterchören begrüßt. Lakonisch und abgeklärt fügen sich die Stimmen von Bassist Niklas Forst und Gitarrist Viktor Lager in die verschachtelten Gitarrenfiguren ein. Cabin In The Woods zeigt sich dabei mit seinem echten Refrain sogar verhältnismäßig eingängig. Durch den Gesang gewinnt die Musik von Alarma Man neue Ausdrucksmöglichkeiten hinzu, es gibt nicht mehr nur dauernd auf die Zwölf. Statt auf tightes Geschredder setzen sie vermehrt auf Atmosphäre. Kopfkino statt Synapsenmassage also. Ihre beklemmende Düsternis behält die Band dabei allerdings bei. Ihre Musik hört man immer noch am besten alleine und bei Dunkelheit.

“Alarma Man haben sich selbst das Geschenk der Veränderung und der Weiterformulierung gemacht.” steht im Promotext. Das kann man so unterschreiben und der Band dazu gratulieren, denn die heikle Operation Veränderung ist ihr mit “Love Forever” geglückt.

Alarma Man – Love Forever (ab 13.08.10, Sinnbus/Rough Trade)

Alarma Man – Cabin In The Woods

1. Wobei mir zugegebenermaßen keine andere Platte einfällt, die man diesem Genre zuordnen könnte.

zu meinen favoriten beim haldern zählen:

außerdem spielen: seabear, laura marling (ex noah and the whale), delphic, mumford & sons, beirut, junip (mit josé gonzales), gary, portugal.the man, fanfarlo, frightened rabbit, blood red shoes, villagers, efterklang, yeasayer, the national uvm.

leider spielten die sterne das titellied zum plus 2010 nicht…

das titellied zum prima leben und stereo 2010¹ schrieben die sterne schon 1997: “es ist wieder nur ein verregneter sommer”. nach einem nasskalten freitag mit nieselregen bei gefühlten 8 grad kam am samstag nachmittag zwar die sonne raus, aber der schlamm hatte schon besitz vom festivalgelände ergriffen. gummistiefel waren das begehrteste “accessoire” des wochenendes, schlammbäder das gratis-wellness-angebot. und die musik? wie immer gut.

bunt und noch lange nicht in rente: fehlfarben

rauchverbot? zumindest nicht auf der bühne.

“schlamm, oh schlamm – wir sind von dir bekleistert…”

begeistert von der schlammschlacht vor der bühne: jens friebe

mit kraft: bratze.

wir sind bratze. das hier ist unsere eigene norm.

sonnenuntergang über asiatischen reisfeldern?

heimspiel in freising: blumentopf.

1. und wahrscheinlich einer ganzen menge anderer festivals dieses jahr

Nur ein kleiner Hinweis, eine kleine Erinnerung: Heute ist Yes Yes Yes, das zweite, wunderbare Album von Elsinore erschienen. Oben kann reingehört werden, und über Bandcamp bekommt man das Ganze auch in digitaler Form für 8 US-$. Physisch gibt es das Album beim Label.¹

1. wobei ich nicht hundertprozentig sicher bin, ob die nach Deutschland liefern.

die musik erinnert dabei vor allem an letzteren – was ob des eher umständlichen plattentitels ja auch nicht mehr verwundert.¹ packt man zu dessen musik ein paar mehr rockgitarren hinzu, ist man schon recht nah bei julian gerhard.

einen großen einfluss auf die Texte scheint – und auch das kann man aus dem Albumtitel herausdeuten – das studentische Umfeld in Julian Gerhards Heimatstadt Münster auszuüben: wer will schon mit jemandem zusamm’ sein, der so wohnt handelt unter anderem von den Unwägbarkeiten von WG-Mitbewohnern, in das letzte mal hab’ ich mich gemeldet. nein? geht es um flüchtige bekannte und im opener und anspieltipp irgendwas was geld bringt wird das singende ich für jemand anderen verlassen.

julian gerhard – irgendwas was geld bringt²

alles in allem summieren sich die songs zu einem durchaus vielversprechenden debutalbum. wie bei singer-songwritern üblich, gewinnen die songs zusätzlich mit der zeit – mein urteil könnte später also auch noch besser ausfallen.

julian gerhard – wenn du hier eh nur rumstehst, kannst du auch auf die jacken aufpassen (seit 8. Juli 2010, Omaha Records)

1. vgl. z.B. clicks warum heißen eigentlich so viele Platten Same (noch als Tom Bola) oder Songs wie In Altona trank ich mal einen guten Kaffee oder Es gibt wichtigeres im Leben als dein Leben, lass uns über Politik reden
2. mit dem im Video kolportierten Release-Datum war es dann wohl doch nichts

nach ihrer wiederauferstehung vor fast zwei jahren klangen angelika express – trotz neuer besetzung – wenig anders als vor der zwischenzeitlichen auflösung 2005. das war und ist ja erstmal nichts schlechtes, waren die alten stücke der band doch ganz wunderbar, und dass die neuen stücke sich auch live gut einpassten, konnte man nur begrüßen. aber muss man denn dann als titeltrack einer neuen EP unbedingt eine neue version eines alten stückes auswählen? zumal wenn hände hoch, eine wesentlich fetter produzierte version von cocktail für eine leiche, nicht an ihr eigenes original herankommt.

an zu wenigen guten einfällen kann so etwas freilich nicht liegen bei angelika express, dafür stellt robert zu häufig neue songskizzen und ähnliches auf die homepage. vielleicht ist die fünf-track-digitalausgabe ja wirklich nicht viel mehr als die resteverwertung der schon durch vorbestellungen ausverkauften limited-edition der cd mit 15 Titeln.

denn auch nach hände hoch kann die ep nicht zu hundert prozent überzeugen: die songs fließen zwar locker und im typischen angelika express-sound vor sich hin, aber es gibt wie schon erwähnt nix neues mehr zu hören. und die klasse von klassikern wie teenage fanclub girl oder geh doch nach berlin oder eben dem cocktail für eine leiche-original wird eben auch nicht mehr erreicht.

einziger ausreißer nach oben: video girlfriend. hier hört man ihn noch, den mut zur ganz großen geste, den in deutschland kaum jemand außer angelika express zeigt, ohne dabei peinlich zu werden. und ja, auch gehirn zurück hat seine schönen passagen.

ansonsten ist die ep aber wohl vor allem etwas für hardcore-fans. und die haben ja wohl schon die limitierte edition.

angelika express – hände hoch ep (2010, ausverkauft als limitierte CD [100 Stück], noch erhältlich als download u.a. bei bandcamp)

Zwar besitze ich die beiden Songs leider nicht auf Vinyl, sondern nur als digitale Version, aber dafür ist diese in Deutschland bereits für einen sehr geringen Betrag legal zu haben.

Will Sheff Covers Charles Bissell, Charles Bissell Covers Will Sheff 7″ (2008, Jagjaguwar)

das dockville bietet mehr: neben einem ausgedehnten musikprogramm auf 7 bühnen² steht hier die kunst im mittelpunkt. schon im juli wurde ein dreiwöchiges open air-kunstcamp veranstaltet; anfang august folgt dann die ausstellungswoche und das kindercamp lüttville; das eigentliche dockville festival steht letztendlich nur als sammel- und höhepunkt am ende dieses schaffensprozesses.

thema des diesjährigen kunstfestivals ist recreation. spannungsaspekte der stadtplanung und des stadtlebens werden aufgegriffen und in bezug zum festival selbst gesetzt:

Neudenken, Erholung, Grünflächen, Gemeinschaftsraum, Wiederherstellung, Umdeutung, Crossmedia, Flächengestaltung, Umstrukturierung, Oase, Mash-Up

das musikalische programm ist aufgrund der fülle kaum überschaubar – es sollte wirklich für jeden etwas dabei sein. zwei ganze besondere schmankerl: zum dreissigjährigen bandjubiläum konnten slime zu einem auftritt überredet werden, und HALLOGALLO 2010 lassen die legendäre krautrockband neu! wiederaufleben.

besonders gespannt bin ich, ob mich die klaxons auch live beeindrucken können³, ob frittenbude auch das unterkühlte⁴ hamburger publikum begeistern können, und ob die good shoes endlich mal mein lieblingslied things to make and do auf einem konzert spielen.

ausserdem empfehle ich gustav, freue mich auf ein zweites mal die sterne innerhalb einer woche und lasse mich ansonsten überraschen was es sonst noch so an musik und kunst zu entdecken gibt. und natürlich freue ich mich darauf, nach jahren mal wieder nach hamburg zu kommen.

dockville festival, 13.-15. august 2010, hamburg-wilhelmsburg, Reiherstieg Hauptdeich / Ecke Alte Schleuse. 3-tages-karten 69€, tageskarten ab 39€.

1. dass es auch andere “land”festivals gibt versteht sich von selbst
2. das mich sehr an das melt! erinnert
3. ihr neues album surfing the void erscheint ende august
4. nur spass

• ein unschlagbares Preis-Leistungs-Verhältnis (dieses Jahr 26€ inklusive Camping)
• eine gesunde Mischung aus lokalen und überregionalen Bands von Indie über HipHop bis Elektro
• eine grüne Wiese, ein weissblauer Himmel, ein Badeweiher – einen besseren Ort für ein Festival gibt es nicht
• nette, nicht profitorientierte veranstalter (das festival wird von einem verein unter mithilfe von ehrenamtlichen helfern veranstaltet)
• großartiges essen und günstige getränke – inklusive festivaleigenem bier!

und auch dieses jahr ist das lineup für den preis fast geschenkt: texta und blumentopf repräsentieren den austro-bajuwarischen hiphop, jens friebe und die sterne die norddeutsche gitarrenschule; virginia jetzt! erinnern an den deutschen indiepop der frühen nuller jahre, fehlfarben an gesellschaftskritik und rockmusik des vergangenen jahrtausends; und bratze bringen elektro und punk zusammen zum tanzen.

fotos vom letzten jahr gibt es hier und dort. wir sehen uns am vöttinger weiher!

Ambient, Shoegaze, Noiserock, Krautrock, Electronica, Spacerock, Slowcore – mit Begeisterung sammeln The Happy End alles auf, was so an Abgefahrenem am Wegesrand herumliegt. Doch am Ende kommen dabei irgendwie doch immer wieder beinahe Popsongs heraus, auch wenn man diese mehrmals hören und dreimal um die Ecke denken muss, um sie als solche zu erkennen. Die Band selbst bezeichnet ihre Musik übrigens als „Zen-Noise“, was immerhin griffig klingt. Auch der Titel der Platte ist äußerst treffend gewählt, denn tatsächlich hat man andauernd das Gefühl, Echos zu hören. Wahlweise aus einer anderen Zeit oder einer anderen Welt.

“Echoes Of Jericho” ist ein Album voller Extreme: Der längste Song dauert knapp zehn Minuten, der Kürzeste 15 Sekunden. Und auch mit einer durchschnittlichen Songlänge zwischen fünf und sechs Minuten sprengen The Happy End jedes Radioformat. Aber wer solche Musik aus einem Radio hören will, der sollte den Drehregler sowieso lieber irgendwo zwischen den Frequenzen der Stationen stehen lassen.

Klar, man könnte der Band vorwerfen, beim Verfassen des Songs All Diffenrent Drugs eben jene konsumiert zu haben – aber das wäre billig und würde höchstwahrscheinlich auch nicht stimmen. Fest steht jedoch: Für solche Musik scheint das Wort „mäandernd“ geradezu erfunden worden zu sein. Destroy Your Brilliant Career hingegen klingt wie die Warteschleifenmusik einer Paranoiker-Hotline.

Manchmal könnte man auch denken, man lauscht einer bipolaren Version von The Notwist. Überhaupt fällt es wirklich schwer, diese Musik ohne Zuhilfenahme von psychopathologischen Krankheitsbegriffen zu beschreiben. Das muss man auch erstmal schaffen als Band! Erst bei At Least lugt ganz verschämt das Sonnenlicht durch die Ritzen in den Fenstern. Und das auch nur, um dann bereits im nächsten und gleichzeitig letzten Song Turn The Sun Down wieder unwirsch abgekanzelt zu werden.

„Echoes Of Jericho“ ist eine Platte, die einen verstört zurücklässt und gleichzeitig fesselt. Was soll man dazu noch sagen?! Hört sie euch an – wenn ihr euch traut…

The Happy End – Echoes Of Jericho (ab 30.07.10, Festplatten/RDS/Cargo Records)

Bandhomepage

… und schon näherte sich das Festival dem Ende. Der Sonntag, erst zum dritten mal überhaupt Teil des Festivals, ist noch immer der kürzeste Tag. Aber nach mindestens zwei mehr oder weniger durchfeierten Tagen und Nächten, reicht es ja auch, wenn zumindest die Headliner um Mitternacht fertig sind. Und ein paar kleinere Bühnen haben ja selbst dann noch auf.

Ihr kennt das Spiel: Jonas schreibt in Blau, Matze in Rot.

Ich hab ja schon am Samstag rumgeheult, dass mir die Füße wehtaten, am Sonntag litt ich dann aus noch anderen Gründen: Müdigkeit. Da wir ja schon seit Donnerstag auf dem Melt! waren, hatte ich in den drei Nächten zuvor ungefähr soviel geschlafen wie sonst in einer. Und auch mit der Musik reicht es irgendwann einmal. Irgendwann kann man beim besten Willen nicht mehr jeden Eindruck aufnehmen und alles verschwimmt zu einem großen etwas.

Bei mir war es gerade umgekehrt: Nachdem ich Freitag ziemlich unfit war, hielt ich anschließend von Tag zu Tag länger durch. Eine gelungene Melt!-Assimilation also. Für mich sollte der Sonntag keineswegs schon um Mitternacht enden. Aber dazu später mehr…

Ganz so schlimm war es auf dem Melt! dann aber auch am Sonntag nicht. Ich wüsste allerdings nicht, ob ich zum Beispiel auf dem Sziget am fünften Tag noch großen Spaß haben würde. Doch das ist ein anderes Thema. Auf dem Melt! kam dann nämlich noch hinzu, dass mich das Line-Up am Sonntag nicht so sehr begeisterte wie manch anderen. Kings of Convenience halte ich für äußerst langweilige Fahrstuhl-Musik, Turbostaat für extrem billigen Proleten-Punk und Massive Attack finde ich einfach nur anstrengend. Vorteil dieser Konstellation: Man stresst sich nicht und ärgert sich auch nicht, irgendwas tolles verpasst zu haben.¹

Pah, da muss ich aufs energischste widersprechen! Wer Kings Of Convenience als Fahrstuhl-Musik abtut, hat entweder kein Herz oder sich die Band nie richtig angehört. Ihr Auftritt am Nachmittag war jedenfalls einfach nur wunderschön – und zudem genau das richtige zur sanften Einstimmung auf den Konzertreigen. Zu Beginn nur mit zwei Akustikgitarren und zwei Engelsstimmen bewaffnet, gelang es den beiden Norwegern sofort, das Publikum in ihren Bann zu ziehen. Simon & Garfunkel 2.0, könnte man sagen. Nachher kamen dann zur Unterstützung noch ein Bassist sowie ein Bratschist auf die Bühne, den Erlend Oye auf einer WG-Party in Berlin aufgegabelt hat, wie er ganz charmant erzählte. Überhaupt: Ich habe lange nicht mehr so liebenswerte Zwischenansagen gehört (Ich sage nur: “Mitklatschen ist was für Eric Clapton-Konzerte! Wir sind hier auf einem Elektro-Festival, also macht doch einfach alle: unts, unts, unts…”).

Weiter gings dann mit Johnossi, die einen ziemlich kurzen, aber dafür auch angemessen knackigen Gig hinlegten. Von jedem der drei Alben ein paar Songs, alle Hits dabei, ein paar mal aufs Schlagzeug geklettert und runtergesprungen, und eh man sich versah, war das Konzert auch schon rum.

Ein paar äußerst sehenswerte Sachen gab es aber auch für mich am Sonntag. Zum Beispiel Get Well Soon. Zum vierten Mal sah ich an diesem Nachmittag Konstantin Gropper mit seiner Band live, und zum vierten mal schien die Sonne (bzw. war es zumindest noch hell). Eigentlich passt die Musik ja mehr zu einer sternenklaren Nacht oder gar in herbstliches Wetter, aber irgendwie ist es auch äußerst schön und entspannend, sich einfach in die Sonne den Schatten zu legen, die Augen zu schließen und der Musik zu lauschen.

Ha, da hab ich dir was Voraus! Ich habe Get Well Soon nämlich eine Woche zuvor auf dem Phono Pop bei Nacht gesehen. Aber ob das wirklich besser passt, weiß ich gar nicht so genau, ich fand sie jedenfalls beide Male toll.

Bei den Broken Bells zog es aber auch mich wieder ziemlich weit vor die Bühne.

Joa, Broken Bells – die Band von Shins-Sänger und Kevin Spacey-Lookalike James Mercer sowie Produzentenfuchs Danger Mouse – war ganz nett, mehr aber auch nicht fand ich. Die hatten einfach viel zu viele Instrumente auf der Bühne und der Sound war dafür zu undifferenziert.

Und danach ging es noch ein letztes Mal ins Zelt zu meinem persönlichen Highlight des Sonntags: Fucked Up. Die passten als Hardcore-Band zwar nur leidlich ins restliche Line-Up, aber das war sowohl Band als auch Publikum sichtlich egal. Die einzigen Menschen, die wohl wenig Spaß am Auftritt hatten, waren die Securitys, denn die mussten die ganze Zeit das Mikrofonkabel von Sänger Damian Abraham halten. Der “beleibte und rückenbehaarte kanadische Extrempunk”² verbrachte nämlich seine Zeit lieber bei den Zuschauern als auf der Bühne, umarmte dort die Fans (vielleicht wischte er aber auch nur an ihren T-Shirts den Schweiß von seinem nackten Oberkörper), trug sie durch die Gegend und feierte mit ihnen. Der Rest der Band wirkte dabei zwar teilweise etwas verloren auf der Bühne, aber die haben es ja nicht anders gewollt. Sonst wären sie wohl nicht in dieser Band.

Auch Turbostaat machten danach im Zelt ziemlich Alarm. Zwar dürfte das Melt!-Publikum eigentlich nicht gerade ihrer Kernzielgruppe entsprechen, aber die Jungs fühlten sich auf der Bühne dennoch sichtlich wohl und geizten am Ende nicht mit Zugaben. Und wenn Kollege Matze das für “billigen Proleten-Punk” hält, soll er bitte mal auf die Gitarren achten. Oder auf die Texte. Oder sich einfach furchtlos in den Pogo-Pit schmeißen. Mit hat’s jedenfalls gefallen!

Der Rest des Abends ist, zumindest von meiner Seite, schnell erzählt: Goldfrapp waren ganz nett (ein bisschen Glamour und Pathos am frühen Sonntag abend können ja nicht schaden) und Massive Attack waren sicher toll – mir aber ziemlich egal. Und auch wenn das vielleicht nicht das perfekte Ende des Festivals war: Das Melt! 2010 war großartig. Es wird zwar nie mehr so klein und gemütlich sein wie 2005, aber zumindest die organisatorischen Pannen von 2008 wurden behoben. Und: Ich glaube, auf kaum einem anderen Festival dieser Größenordnung sind die Menschen so entspannt wie auf dem Melt!.

So, Matze ist im Bett, dann kann der Spaß ja beginnen… Bei Massive Attack hatte ich allerdings zum ersten und einzigen Mal auf dem Melt! das Gefühl, dass es vor der Bühne zu voll war, das hat ein bisschen gestresst. Aber als ich dann mal einen guten Platz in der Menge hatte, konnte ich den Auftritt schließlich doch genießen. Wobei ich fand, dass die Lightshow mit den ganzen Schlagzeilentickern und den eingeblendeten Zitaten teilweise eher von der Musik abgelenkt hat, als wirklich damit zu harmonieren. An Songauswahl, Auftritt und Sound der einstigen Trip Hop-Pioniere gab es dagegen nichts zu meckern, das war schon grandios. Fazit: Sollte man auf alle Fälle mal gesehen haben.

Mit dem letzten bisschen Restenergie schleppte ich mich anschließend wieder ins Zelt, um mir die allerletzte Band des Festivals anzuschauen: WhoMadeWho. Und das sollte ich nicht bereuen, denn ihr Auftritt entfaltete bei mir eine Energy Drink-artige Wirkung. Zu Beginn konnte ich noch nicht so viel mit dem Four-to-the-Floor-Discorock anfangen, aber nachdem ich mich mal ein Stück nach vorne begab und anfing zu tanzen, gab es schließlich kein Halten mehr. Mit jedem neuen Song wurden meine Bewegungen automatischer und die Stimmung beseelter.

Und auch den höchstwahrscheinlich ebenso ausgepowerten Mittänzern um mich herum ging es genauso. Es wurde solange nach Zugaben verlangt, bis die Band entschuldigend vorbrachte, sie habe nun aber wirklich keine Songs mehr, die sie spielen könnte. Dafür ließen sie sich allerdings zu einem gelungenen Impro-Jam hinreißen, und als der Sänger und Gitarrist nicht mehr wusste, was er spielen sollte, sprang er eben kurzerhand ins Publikum und ließ sich durch die Menge tragen. Nur um dann wieder auf der Bühne angekommen noch ein letztes Mal den Refrain der diesjährigen Melt!-Hymne “Gigantische Stahlgiganten” anzustimmen. Ein rundum gelungenes Abschieds-Konzert!

Danach feierte ich dann sogar noch mein Debüt auf dem Sleepless Floor und tanzte mir bei Ellen Allien endgültig die Füße zu Brei. Ein weiteres Highlight stand allerdings noch bevor: so etwa um 4 Uhr fuhr vom Sleepless Floor ein Wagen zum Zeltplatz, auf dessen Ladefläche ein paar Leute Schlagzeug, Percussions und ein Synthie bedienten. Hinter diesem Tanzmobil konnte man dann Rattenfänger-von-Hameln-mäßig hinterhergrooven. Wer auch immer auf diese fantastische Idee kam, ihm gehören Lorbeeren verliehen! Die Sanitäter, die gerade zusammenpackten, als das kuriose Gefährt an ihnen vorüberfuhr, guckten jedenfalls einmalig verstört aus der Wäsche.

Als ich anschließend endlich in mein Zelt fiel, stand die Sonne bereits wieder am Himmel. So muss das sein.

Fazit, Listen und so

Top 5-Acts, die ich verpasst habe:

1. Jónsi
2. Two Door Cinema Club
3. Darwin Deez
4. Jamie Lidell
5. Dendemann

1. Chris Cunningham
2. Simian Mobile Disco
3. Darwin Deez
4. Schlachthofbronx
5. Jamie Lidell

Top 5-Acts, die ich nicht verpasst habe:

1. The Futureheads
2. Edu K
3. Blood Red Shoes
4. Tocotronic
5. Fucked Up

1. Blood Red Shoes
2. Tocotronic
3. Health
4. WhoMadeWho
5. Kings Of Convenience

Bis zum nächsten Jahr, liebes Melt!

Fotos: H. Stein/S. Noll

1. Dass WhoMadeWho so toll waren, wie Jonas euch gleich erzählen wird, wusste ich ja zu dem Zeitpunkt noch nicht.
2. vgl. intro.de

Ostfriesland lässt in den nächsten zwei Tagen das Indie-Herz höher schlagen. Kettcar spielen bei Omas Teich Festival in Ostfriesland ihr letztes Konzert mit Frank Tirado-Rosales am Schlagzeug. Für Nada Surf ist es dieses Jahr das einzige Festival auf deutschem Boden. Der Audiolith Pferdemarkt wird zu Gast sein und jede Menge Indiestreber-Geheimtipps wie die Picturebooks, Hellsongs oder Trip Fontaine.

Irgendwann in der nächsten Woche wird es hier einen ausführlichen Festivalbericht zu lesen geben. Bis dahin verweise ich auf die Homepage.

Kraftklub – Scheissindiedisco

Die Uncle Sally’s nennt es “K.I.Z., nur mit mehr Gitarren”, und das trifft es eigentlich ganz gut. Es fallen zwar nicht ganz so viele Schimpfwörter wie bei den Berlinern, der Mut zur Selbstironie und die Kraft hinter den Punchlines ist die gleiche.

Als Vertriebskanal vertraut man laut Interviews übrigens unter anderem auf illegale Downloadplattformen (laut myspace ist der physische Tonträger aber auch ausverkauft), den neben Scheissindiedisco größten Anspieltipp Zu Jung gibt es aber auch ganz legal zum Download. Und die gesamte EP Adonis Maximus als Stream.

(EP-Stream via Spreeblick)

Bandhomepage

Weiter geht’s in unserem kleinen Tagebuch zum diesjährigen Melt!. Nachdem im ersten Teil gleich zwei Tage auf einmal abgehandelt wurden, geht es heute nur um einen: den Samstag. (In Teil 3 folgt dann der Sonntag und ein kleines Fazit.)

Jonas schreibt wieder in Blau, Matze in Rot.

Eines vorweg: Der Samstag war mein Highlight des diesjährigen Melt!s. Und das, obwohl meine persönlichen Headliner ja zu einem nicht kleinen Teil schon am Freitag spielten.¹ Samstag war dafür der Tag der positiven Überraschungen. Ach ja, und mein freitäglicher Kritikpunkt wurde auch ausgebessert: Es liefen genug Volunteers mit Running-Order-Plänen herum.

Dabei fing der Samstag gar nicht einmal soo gut an: Die Futureheads, die eigentlich um 18 Uhr den Tag für mich eröffnen sollten, wurden aufgrund des Ausfalls der Dirty Projectors an den späteren Abend und ins von mir nicht gerade heiß geliebte Intro-Zelt verlegt. Damit überschnitten sie sich mit Jamie Lidell, den ich ja eigentlich auch hatte sehen wollen. Dass es trotzdem die richtige Entscheidung war, zu den Futureheads zu gehen, werdet ihr später noch sehen.

So begann der Samstag dann sehr entspannt mit einer großen Runde über das Festivalgelände. Ein paar Takte Philipp Poisel hörten wir uns an, gingen aber dann auch sehr schnell weiter. Die erste Band zu der es gezielt ging, war Trip Fontaine. Das ist ja eher Jonas-Musik, deshalb übergebe ich an dieser Stelle an ihn.

Dankeschön Herr Kollege, dann kann ich ja mal wieder einer von mir mit Freude betriebenen Tätigkeit nachgehen: Trip Fontaine loben. Der Auftritt von ihnen im Intro Zelt war nämlich richtig gut, und die neuen Songs gefallen mir mit jeden Hören mehr. Also, dicke Probs von mir nach Rodgau! Ich musste das Konzert allerdings leiderleider bereits vor Ende verlassen, denn eine der Bands, auf die ich mich am meisten freute, war auf der Hauptbühne dran: Blood Red Shoes. Die wunderbar krachigen Songs des Boy-Girl-Duos sind mir in diesem Jahr so richtig ans Herz gewachsen, und live waren die beiden einfach nur super.

Auch hier schließe ich mich Jonas weitestgehend an.

Denn erst danach fing dieser Samstag an, zu einem absoluten Highlight meiner persönlichen Melt!-Geschichte zu werden. Also in einer Liga mit Bright Eyes vs. The Faint 2005 oder I’m From Barcelona 2007. Aber irgendwie ganz anders.

Im ersten Teil des Berichts habe ich ja schon einmal geschrieben, wie großartig ich die Strandbühne fand. Das lag nicht nur an der Location und der Umgebung (Weißer Sand und Wasser auf der einen, sureal große Bagger auf der anderen, die Bühne auf der dritten, und na ja, Essensstände auf der vierten Seite), sondern auch an dem, was dort am Samstag los war: An diesem Tag nämlich stand die Bühne nämlich ganz im Zeichen der Plattenfirma Man Recordings und damit ganz im Zeichen von Baile Funk und co.

Absolutes Highlight dabei natürlich: Edu K. Denn der wusste als Brasilianer am allerbesten, wie das dunktioniert, die Ärsche der Menschen zum Wacheln und die Mundwinkel derselben nach oben zu bringen. Selbst ich, sonst eher als Tanzmuffel bekannt, musste mich dazu einfach bewegen – trotz schmerzender Füße in kaputten Schuhe, wohlgemerkt. Und so wurden diese Zeit zu einer absolut grandiosen Party.²

Viel zu schnell – nämlich noch während des Edu K-Sets – ging es dann weiter zu den Friendly Fires, die zwar wahrlich nicht schlecht waren, aber – moment, ich glaube ich war noch zu fertig und überschwänglich von Edu K, so dass ich viel zu wenig mitbekommen habe. Jonas, weißt du noch mehr, als dass sie gut, aber nicht überragend waren?

Also ich weiß noch, dass ich die ersten Songs ziemlich gut fand, auf Dauer dann allerdings alles irgendwie gleichförmig geklungen hat. Vielleicht hat mir der Anfang auch nur wegen der Edu K-Resteuphorie gefallen. Was ich aber eigentlich noch sagen wollte, als du mir mit deinen Baile Funk-Lobhudeleien ins Wort gefallen bist: Bevor ich mich an den Strand zum Bootyshaken zu den brasilianischen Straßenrhythmen begab (übrigens für mich die wohl größte positive Überraschung des Festivals) schaute ich mir als Pausenfüller noch An Horse an, die einen durchaus guten Auftritt hinlegten. Schon wieder ein Duo mit Frontfrau an der Gitarre und am Gesang, diesmal aber ein Stück charmanter und indiepoppiger. So, jetzt bist du wieder dran!

Im Intro-Zelt spielten dann um 23:30 die Futureheads. Eine der wenigen Bands, die ich mir schon im Vorfeld fest für den Samstag vorgenommen hatte. Und, wie sich herausstellte, zurecht. Selten hat eine Band in meinem Beisein so eine perfekte Definition von Indie-/rock/ abgeliefert wie hier. Und: die Band hatte – das sah man – Spaß an dem, was sie machte, genauso wie die Zuschauer. So vergaß man für kurze Zeit sogar, dass es im Zelt wie immer viel zu heiß war. Von allen Bands auf dem diesjährigen Melt!, soviel kann ich schonmal sagen, waren die Futureheads meiner Meinung nach die beste.

Ja, die Futureheads haben das Zelt schon ziemlich gerockt, da muss ich dir recht geben, auch wenn ich die Blood Red Shoes an diesem Tag noch ein Stück besser fand. Im Gegensatz zu Kollege Matze blieb ich danach im Zelt, um mir die Sterne anzuschauen, und wurde ziemlich enttäuscht. Die vier alten Lieder, die sie gespielt haben (“Aber andererseits”, “Universal Tellerwäscher”, “Was hat dich bloß so ruiniert” und noch eins, das mir gerade nicht einfällt) waren zwar allesamt toll, aber mit den Liedern vom aktuellen Album kann ich mich einfach nicht anfreunden. “Depressionen aus der Hölle” ist noch ganz okay, aber der ganze Rest klingt dann doch ziemlich langweilig.

Ich finde es ja durchaus verständlich, wenn eine Band nach langer Zeit Lust darauf hat, etwas anderes zu machen, aber bei den Sternen ist das einfach nur schade. Vor allen Dingen, weil dieses Disco-Ding nicht so recht zu ihnen passen will. Da gibt es genug Bands, die das besser können.

Danach fing bei mir dann das große Bühnenhopping an. Reingeschaut habe ich mal bei Hercules & Love Affair, Ben Klock, Maskinen und Schlachthofbronx.³ Ach ja, einen Auftritt wollte ich dann aber doch noch sehen: Chris Cunningham. Dort bin ich aber auch nach zehn Minuten wieder weg. Versteht mich nicht falsch, schlecht war das von einer Light-Show unterstützte Experimentalfilm-Spektakel auf der Hauptbühne nicht, aber auf einem Festival, wo es ja eigentlich um Musik geht, passte das ganze irgendwie so gar nicht.

Trotzdem, ich bleibe dabei: Der Samstag war der beste Tag des Melt! 2010.

Fotos: H. Stein/S. Noll

1. Dafür teilweise aber auch gleichzeitig, wie Tocotronic und Two Door Cinema Club
2. Natürlich kam noch erleichternd hinzu, dass ich genau die richtige Menge Alkohol intus hatte: Euphorisiert, aber noch Herr meiner Sinne
3. wobei die letzten beiden sehr gut waren, aber da ich zu dieser Zeit alleine unterwegs war und mir meine Füße ziemlich wehtaten, bin ich dann doch recht schnell wieder gegangen.

Es hat seine Zeit gedauert, bis dieser erste Teil des Melt!-Berichts fertig wurde. Über eine Woche sind wir schon wieder da. Aber so ein Festivalwochenende will ja auch reflektiert werden. Ob uns das gelungen ist, müsst aber wohl ihr entscheiden. Wie vor zwei Jahren gibt es das ganze wieder mehrfarbig.

Jonas schreibt in Blau, Matze in Rot.

Donnerstag

Von Bratze und Saalschutz habe ich jeweils nur ein paar Lieder mitbekommen, die zum locker Einraven schonmal ganz gut geeignet waren. Die richtige Abgehrakete zündeten aber erst Egotronic. Über die politische Einstellung der Band mag man sich streiten können, doch ihre Livequalitäten sind über jeden Zweifel erhaben. Den Abschluss des Abends übernahmen Frittenbude, und am Ende versammelte sich dann noch beinahe die ganze Audiolith-Posse (samt Scooter-Flagge) auf der Bühne.

Vor zwei Jahren war der Parkplatzrave mit fast exakt dem gleichen Line-Up noch /das/ Highlight des Festivals, diesmal war es auch nicht schlecht beim Pferdemarkt von Audiolith, aber eben auch nix besonderes. Vielleicht ist es nur die Arroganz des Musiknerds in mir, aber mir war das – wie so oft – alles etwas zu groß. Und wer bitte schön hatte die glorreiche Idee bei 38 Grad im Schatten ein Zelt aufzustellen, in dem es noch heißer ist und in dem nachts noch tropisches Klima herrschte, und dort Konzerte stattfinden zu lassen?

Aber genug gemeckert. Denn davon abgesehen haben alle drei Bands, die ich sah (bei Bratze war ich noch nicht da), das abgeliefert, was man gewohnt ist. Frittenbude, vor zwei Jahren noch die Band, die zuerst spielte, 2010 dann Headliner des Abends, spielte sich durch seine beiden Alben (und ein, zwei Remixe), Egotronic durch seine mittlerweile vier, die beste Band aus dem Audiolith-Umfeld ist und bleibt aber Saalschutz. Punkt.

Ich bin übrigens dafür, dass “Raven gegen Deutschland” in “Spanien gegen Deutschland” umgetauft wird (“Wir haben euch was mitgebracht – eins zu null!”).

Freitag

Der Freitag begann für mich mit der Trash-Zirkus-Truppe Bonaparte. Die lieferten einen soliden Auftritt mit den inzwischen bekannten Tanz- und Kostümeinlagen. Es gab mal wieder viel nackte Haut, viele tanzbare Songs voller Parolen und auch ansonsten war alles auf wilde Party getrimmt. Aber irgendwie beschleicht einen so langsam das Gefühl, dass sich eine gewisse Routine in die Ausgelassenheit der Band eingeschlichen hat. Außerdem funktioniert die Show meiner Meinung nach besser in kleinen verschwitzten Clubs als auf großen Festivalbühnen.

Genau da muss ich Jonas Recht geben. Bonaparte war zwar eine der besten Bands auf dem Festival, aber sie passten irgendwie nicht so ganz hin. Weder auf die riesige Hauptbühne, noch in die knallende Sonne am späten Nachmittag. Irgendwo hab ich letztens auch gelesen, dass irgendwem Bonaparte mittlerweile zu perfekt durchchoreographiert spielen würden. Und auch das stimmt. Keine Frage, toll war auch der Auftritt auf dem Melt!, aber irgendwie fehlte ein ganz großes Stück Charme.

Nachdem mich dann die ersten paar Songs der Österreicher Ja, Panik nicht recht überzeugen konnten, schaute ich mir aus einiger Entfernung die Shout Out Louds an. Die Indie-Darlings haben mich irgendwie nie so richtig gepackt, und auch dem Auftritt würde ich eher das Prädikat “nett” als die Auszeichnung “mitreißend” anheften. Aber “Please Please Please” ist schon ein wirklich toller Song, der sich gerade in der Abendsonne ausgesprochen gut macht.

Danach ging es zu Two Door Cinema Club auf der benachbarten Gemini Stage. Die Band zeigte schnell, dass sie den Status der beachtenswerten UK-Newcomer nicht zu unrecht trägt und machte auf der Bühne alles richtig. Nach gut 20 Minuten hatte ich allerdings genug von ihnen gehört und konnte so guten Gewissens zu dem heutigen Headliner aller indiestreber pilgern: Tocotronic.

Bei einer Band mit so vielen Alben und dementsprechend so vielen Songs, die man gerne live hören würde, ist gerade die Songauswahl immer ein entscheidender Faktor, ob man das Konzert nun geil oder scheiße findet. Los ging es mit einigen Liedern der aktuellen Platte “Schall und Wahn”, danach sprang die Band wild durch ihre gesamte Schaffenszeit, von absoluten Klassikern wie “Die Idee ist gut, doch die Welt noch nicht bereit” über Erwartbares wie “Aber hier leben, nein danke” oder “Let there be rock” bis hin zu Abseitigem wie “Am Ende des Kanals”.

Zwischendurch wurde sogar Drummer Arne Zank ans Mikro gelassen, um die beiden Anti-Gassenhauer “Ich werde nie mehr alleine sein” und “Bitte gebt mir meinen Verstand zurück” zu intonieren. Einzig von dem vorletzten Album “Kapitulation” wurde überraschenderweise kein einziges Lied gespielt. Das Faszinierende dabei: Tocotronic hätten auch eine komplett andere Setlist spielen können, die genauso gepasst und den gleichen Effekt erzielt hätte.

Was gibt es sonst noch zu dem Auftritt zu sagen? Ja, Dirk von Lowtzow verhält sich auf der Bühne exaltiert und merkwürdig, aber wenn ihm das so gefällt, dann darf er das von mir aus gerne tun. Desweiteren ist mir zum ersten Mal so richtig klar geworden, wie sehr mich die frühen Songs von Tocotronic an die Zeit erinnern, als ich 17 war. Aber damit stehe ich garantiert nicht alleine da. Und wenn man die Jungs so auf der Bühne sieht, kann man sich gut vorstellen, wie sie auch mit Mitte 50 noch mit genauso viel Spaß und Eifer dort stehen werden – Sonic Youth grüßen von Ferne! Auf jeden Fall mein persönliches Highlight des Freitags.

Ich bin ja von uns beiden hier, das kann man wohl sagen, der größere Tocotronic-Fan. Deshalb war Reihe eins Ehrensache, obwohl ich eigentlich ja aus dem Alter raus bin, in dem mir so etwas wichtig war. Bei Tocotronic aber…

Mein gesamtes Umfeld war von dem Auftritt begeistert, und die Songauswahl fand auch ich großartig, gerade weil /nicht/ die großen “Hits” (Freiburg, Ich möchte Teil einer Jugendbewegung sein et al.), aber auch nicht die allerabwegigsten Songs gespielt wurden. Und Arne Zank am Mikro war natürlich auch einmal was tolles.

Aber irgendwie hatte ich dann doch das Gefühl, Dirk von Lowtzow hatte einen Sonnenstich an diesem Tag. So gaga ist der doch sonst nicht, oder!? (Zumindest nicht in meiner Erinnerung an frühere Tocotronic-Auftritte.)

Aber wo wir schon am meckern sind: Mein größter Kritikpunkt am diesjährigen Festival ist eigentlich ein ganz kleiner. Es schien nämlich am Freitag schier unmöglich, irgendwo eine Running-Order aufzutreiben. Das war doch sonst nicht so. Und ich habe keine Lust, ständig zu irgendwelchen Aushängen zu laufen. Und ein iPhone für die ultimative Melt!-App habe ich nicht.

Sehr großartig waren danach auch Health im Intro Zelt. Die Band hatte mich ja bereits eine Woche zuvor beim Phono Pop schlichtweg umgehauen mit ihrer infernalischen Noise-Wand. Und auch der Auftritt auf dem Melt! war beeindruckend. Ich kenne keine andere Band, bei der Krach und Tanzbarkeit so nahe beieinander liegen.

Ich, der Melt!-Erfahrenere von uns beiden, nutzte die Zeit für etwas anderes: Für eine kurze Pause, um bis in den Morgen durchzuhalten. Sonst hätte ich mir aber Jónsi angeschaut. Der angeblich große Klasse war.

Anschließend waren The XX auf der Hauptbühne dran. Etwas verloren stehen sie da, die drei, während Lichter durch die Nacht zucken und für eine angemessene Atmosphäre sorgen. Ihre Songs klingen auch auf einer großen Bühne minimalistisch und so zerbrechlich, dass ich es beinahe schon als beklemmend empfinde. Auch nach dem Konzert ist das vorherrschendes Gefühl bei mir der Band gegenüber: Ratlosigkeit. Ich kann noch nicht mal genau sagen, ob ich sie mag oder nicht. Die ganz große Begeisterung, die viele ihnen entgegenbringen, kann ich jedenfalls nicht teilen, dafür ist mir die Musik einfach zu schläfrig und blutleer. Aber ich gespannt, wie es weiter gehen wird mit The XX.

Wieder auf dem Festivalgelände angekommen, ließ ich the XX the XX sein – gemocht hab ich die ja bekanntlich nie – und mir einmal genauer das Angebot des Festivalhauptsponsors angeschaut. Neben einer T-Shirt-Bedruck-Aktion gab es moderne Kunst zu sehen und ein Werbevideo wurde vorgestellt. Für das absolute Highlight des Firmenauftritts sorgte aber die Location: Alles war in und um einen der großen Bagger drapiert, von dem man einen großartigen Ausblick über das Festival hatte. (siehe Foto oben)

Bei den darauffolgenden Foals waren meine Beine dann bereits ziemlich schwer und der ganze Körper müde, was den Auftritt etwas getrübt hat. Ansonsten gab es daran nicht viel auszusetzen: Die Songs vom ersten und die vom zweiten Album klingen zwar ziemlich unterschiedlich, wurden aber in eine einigermaßen stringente Setlist gegossen. Und “Spanish Sahara” ist auch ohne die nervösen Gitarren, für die die Band bekannt wurde, ein wirklich guter Song mit einem tollen Aufbau. Ich habe allerdings “The French Open” vermisst – den stärksten Song live nicht zu spielen, so etwas dürfen doch eigentlich nur Radiohead.

Die Foals. Schon wieder so eine Band, über die vor ein paar Jahren jeder sprach. Dieses Jahr war es mit dem Erscheinen von “Total Life Forever” dann wieder so weit. Aber ich finde das Album immer noch nicht gut – und bei näherem Hinsehen hat auch “Antidotes” wenig mehr zu bieten als “Cassius” und “The French Open”.

Kurz bevor Jonas nach dem Foals-Gig ins Bett Zelt ging, fing für mich Teil Zwei des Abends an: Der Elektroteil. Die oben angedeutete Foals-Erkenntnis spülte mich dann zu Kele, dessen Songs aber auch nicht bei mir zündeten. Genau wie bei The XX und dem neuen Foals-Album hatte ich das aber auch vorher schon aufgrund der jeweiligen Platten vermutet.

Richtig gut wurde es dann erst wieder bei Modeselektor. Die waren zwar als “vs. Bonaparte” angekündigt, letztere waren aber nur für wenige Songs am Ende des Gigs zu sehen und hören. Macht nix. Es war trotzdem großartig. Und auf der unbestritten besten, schönsten und wundervollsten Festivalbühne der Melt!-Geschichte: Der Strandbühne. Dazu aber mehr im zweiten Teil unseres Berichts. Hier nur schonmal ein Tageslicht-Foto, das natürlich nicht beim Modeselektor-Gig entstanden ist:

Denn noch vor Ende des Gigs stand für mich ein weiterer Wechsel der Location an. Es ging zurück zur Gemini Stage, Danger und Kissy Sell Out angucken. Entschuldigt, dass ich mich im Elektro nicht so sehr zu hause fühle und nur sagen kann, dass es richtig Fett war. Im Sinne von Fetten Beats und auch im Sinne von “Großartig”. Ganz kurz war ich zwischendurch bei Ricardo Villalobos. Und eigentlich sollte hier auch noch was über Simian Mobile Disco stehen. Aber die habe ich dann irgendwie verschlafen. War ja auch schon wieder hell.

Fotos (bis auf Tocotronic): H. Stein

teenage fanclub – baby lee (line dance version)

ich glaube, ich habe keinen song bisher dieses jahr so häufig an so vielen unterschiedlichen stellen gehört wie baby lee (vorher bei indiestreber). jeder pausen-dj auf jedem konzert scheint dieses lied zu lieben, im fernsehen wird es auch benutzt. nur im uni-tanzkurs, in dem ich letztes semester war, da lief er nicht.

dabei ist er so schön.

(der rest des albums auch. aber was hat man bei teenage fanclub auch anderes erwartet.)

teenage fanclub – baby lee

(Bandhomepage)

Aktuelles Album: Spandau – Als die Jugend kollabierte (CD im Digipak, 2010, Eigenvertrieb via Bandhomepage) (Rezension)

Hier ein erster Eindruck von unserem indiestreber-Betriebsausflug zum Melt! 2010. Ein ausführlicher Festivalbericht folgt die Tage.

Nur eins vorab: Es war großartig.

(und dann geht es auch hier wieder weiter. in kurzer zeit haben wir aber auch eine dicke überraschung für euch vorbereitet. also stay tuned.)

Es gibt Festivals, die man einfach liebhaben muss, und das Phono Pop in Rüsselsheim zählt ohne Frage dazu. In diesem Jahr unter den wachenden Augen der Adam Opel-Statue auf dessen altem Werksgelände veranstaltet, bot es mal wieder alles, was das Herz begehrt: Handverlesene Bands, gemütliche Atmosphäre, faire Preise, keine stressigen Überschneidungen von Lieblings-Acts, kurze Wege, gute Organisation – hier etwas zu meckern zu finden, fällt wirklich schwer. Und dazu war auch noch das Wetter am vergangenen Wochenende sonnig ohne Ende. Beste Voraussetzungen also für zwei Tage im Zeichen des Musikgenusses.

Die Aufgabe, das Festival am Freitagabend auf der Hauptbühne zu eröffnen, stand Urlaub in Polen zu, die mit Sonnenbrillen versuchten, der Helligkeit zu trotzen. Ihren experimentellen Elektro-Noise-Rock kann man sich zweifellos besser in engen, stickigen Clubs vorstellen als auf sonnenüberfluteten Freilichtbühnen. Nichtsdestotrotz ein guter Beginn. Anschließend waren Fnessnej auf der kleineren Zeltbühne dran. Die in bunten T-Shirts gekleideten Jungs benutzten allerhand verschiedene Instrumente und andere Gegenstände, um das Publikum mit ihrer durchgeknallten, aber stets melodischen Elektro-Frickelei zu unterhalten.

Dann war bereits das erste große Highlight an der Reihe: Health. Wenn man deren aktuelle Platte kennt und glaubt, einigermaßen zu wissen, was live auf einen zukommt, hat man sich geschnitten. Denn in Wahrheit hat man keine Ahnung, was einen erwartet. Die Band war einfach nur unglaublich laut, unglaublich dreckig – und unglaublich gut. Ihr animalischer Noise-Rock setzt auf der Bühne eine unbändige Energie frei, das Schlagzeug appelliert an Urinstinkte, überhaupt scheint alles nur aus Krach und Perkussion zu bestehen. Der Schlagzeuger ist ein bärenstarkes Biest. Vom Gitarristen kommt eine ätherische, völlig entrückte Stimme. Und dann ist da in der Mitte dieser Bassist mit den Haaren im Gesicht, der – wenn er seinem Instrument nicht gerade wabernde Fuzz-Schwaden entlockt – das Mikro fest umklammert hat, obwohl er keinen einzigen Ton hineinsingt, es an Verstärker hält, und manisch Knöpfe an seinem übermäßig großen Effektboard dreht. Alles schreit nach Kontrollverlust, aber irgendwie schafft es die Band, immer noch Herr ihrer Songs zu bleiben. Ein beeindruckendes Klanginferno.

Health

Und ebenso beeindruckend ging es auch weiter, mit Trip Fontaine nämlich, der derzeit wohl besten deutschen Post-Core-Band. Oder machen sie eher von Punk und Math-Rock durchsetzten Indie? Ach, was sollen die ganzen Schubladen: Trip Fontaine sind einfach eine Rockband, wie sie im Jahr 2010 sein sollte: laut, verspielt, clever und selbstironisch. Die Songs vom noch immer akuellen Album “Dinosaurs in Rocketships” sind schlichtweg sensationell, und auch das neue Material klang sehr vielversprechend. Ich freu mich jedenfalls schon derbe auf die neue Platte.

Danach standen Turbostaat auf dem Programm. In der Vergangenheit blieb es mir immer verschlossen, was alle so toll finden an dieser Band. Aber das mag zu einem gewichtigen Teil daran gelegen haben, dass ich sie bisher meist auf größeren Festivalbühnen gesehen habe, wo der Sound ziemlich matschig und undifferenziert war. Denn achtet man mal etwas genauer darauf, was die beiden Gitarren da machen, dann merkt man schnell, dass das kein 08/15-Punkrock ist, sondern im Gegenteil ziemlich durchdacht. Dazu kommen diese so kryptisch wirkenden Parolen, die jede Vereinnahmung von welcher Seite auch immer verweigern. Und bei den neueren Stücken zeigen sie zudem auch noch Mut zu hymnischen Refrains. Fazit des Auftritts: Zwar immer noch nicht meine Lieblingsband, aber immerhin sind sie dank des Phono Pop schonmal ziemlich in meiner Gunst gestiegen.

Turbostaat

Apropos, wo wir gerade von Lieblingsbands gesprochen haben: Meine absolute Lieblingsband derzeit nennt sich Japandroids. Und die stand – oh Wunder der Überleitung! – als nächstes auf der Bühne. Mit meinem Enthusiasmus für das Duo scheine ich übrigens beileibe nicht alleine dazustehen, denn auch der Rest des Publikums, das sich vor der Zeltbühne drängte, wirkte sehr euphorisch. Und natürlich war der Auftritt – wie auch bereits der erste, den ich von ihnen sah – ganz fantastisch. Man darf sich das etwa so vorstellen: Die Gitarre klingt gleichzeitig dreckig verzerrt und sehnsuchtsvoll, das Schlagzeug scheppert, das es eine Pracht ist, und dazu erklärt einem eine rastlose Stimme in wenigen Worten die Welt. Eine bessere Noise-Rock-Katharsis als ein Konzert dieser Band lässt sich kaum vorstellen.

Get Well Soon waren anschließend genau das Richtige nach all den lauten Bands und ein gelungener Abschluss des ersten Tages. Die hymnischen Balladen der Band um das German Wunderkind Konstantin Gropper passten einfach wunderbar in die langsam Abkühlung spendende Dunkelheit. Auch wenn ich das zweite Album nicht ganz so gut finde wie das Debüt, live konnten eigentlich alle Songs überzeugen. Und man merkte, dass die Band inzwischen gut aufeinander eingespielt ist und ihre Auftritte genießt.

Get Well Soon

Der Samstag begann nachmittags mit der Wiesbadener Band Rokoko, zu deren Indie-Pop man gut im Schatten sitzen und mit dem Fuß mitwippen konnte. Danach folgten B.E.E.S. mit ihrem entspannten Folk-Pop – sehr charmant und auch genauso sommerkompatibel. Rockiger wurde es dann mit Mintzkov aus Belgien, einem Land, das trotz seiner geringen Größe bereits einige gute Indie-Bands hervorgebracht hat.¹ Die vier Jungs und das Mädel am Bass überzeugten mit lässigen Schrammel-Gitarren fernab von aktuellen Trends und Hypes. Wenn das nicht latent nach einer Beleidigung klingen würde, könnte man sagen, dass sich ihre Musik perfekt zum Autofahren durch weite und verlassene Landschaften eignet. War auf jeden Fall super.

Anschließend war auf der Hauptbühne Melancholie angesagt, denn die Vorzeige-Briten I Am Kloot betraten die Stage. Und was für ein famoses Bild sie dort abgaben: Sänger und Gitarrist Johnny Bramwell mit seinem original englischen Trinkergesicht, der Bassist im Sitzen tief über sein Instrument gebeugt und der Drummer mit Sonnenbrille und zeitweise pinken Schlagzeugbesen. Zwischen den grandiosen Songs über “drinking and disaster” (O-Ton Bramwell) gab es außerdem wunderbar britisch genuschelte Ansagen. Und der arme Sänger schwitzte in der Sonne tatsächlich beinahe sein gesamtes Hemd voll – das ist wahrer Einsatz!

I Am Kloot

Die darauffolgenden Spurve Laerke sind dagegen ziemlich an mir vorbeigegangen. Also weiter zu Melancholie Teil 2, diesmal aus Deutschland: Unser aller Lieblings-Singer/Songwriter Gisbert zu Knyphausen war zusammen mit seiner Band an der Reihe. Bei seinen Zwischenansagen scheint noch immer diese lausbubenhafte Schüchternheit durch, aber sobald er seine Akustikgitarre mit dem “Musik ist scheiße!”-Sticker drauf² anschlägt und dazu singt, merkt man, dass er zu den ganz großen seiner Zunft gehört. Ein schöner Moment: Direkt nach einer Songankündigung von Gisbert erschallt lauter Jubel von der anderen Seite des Geländes – Thomas Müller hatte gerade das 1:0 für Deutschland geschossen, unter den Augen derjenigen, die die Fußballleinwand dem Musikprogramm vorzogen.

Gisbert zu Knyphausen

Weiter ging es mit der isländischen Band Who Knew, der man ihre Herkunft aber kaum anhörte. Schließlich spielen sie gerne partytauglichen Indie-Rock voller jugendlichem Leichtsinn. Außerdem verzichten sie unter heißen Bühnenscheinwerfern möglichst auf überschüssige Bekleidung. Eine ihrer Aufforderungen an das Publikum bringt eigentlich schon ziemlich genau auf den Punkt, worum es geht: “Please jump around and do silly things!” War insgesamt nicht ganz so meine Musik, aber dennoch ein mitreißender Auftritt.

An dieser Stelle ist nun die Zeit gekommen, ein Geständnis abzulegen: Ich habe mich nie wirklich eingehend mit dem Werk von Blumfeld auseinandergesetzt. Das mag töricht sein, ist aber so. Die Soloplatte von Jochen Distelmeyer aus dem letzten Jahr konnte mich jedenfalls nicht begeistern. Und auch live fand ich ihn und seine dazugehörigen Backing-Band eher langweilig. Zudem kam er nicht unbedingt sympathisch rüber, fand ich. Aber naja, so kann man sich wenigstens zwischendurch ohne schlechtes Gewissen der Nahrungsaufnahme zuwenden.

Die nächste Band, Flashguns, wird in England momentan wohl ziemlich gehypt. Man sieht: Ein oberkörperfreies englisches Arbeiterkind mit Hooligan-Frisur an der Gitarre, ein verschüchterter Nichtsoganz-Dandy am Bass und ein rothaariger Normalo am Schlagzeug. So weit, so verstörend. Man hört: Mal heftigen Rock, mal verkappte Indie-Hits für die Tanzfläche, mal Psychedelisches. So ist das wohl, wenn man heutzutage Myspace und Youtube sei Dank mehr unterschiedliche Einflüsse hat, als man an Händen und Füßen abzählen kann. Insgesamt wirkt das Ganze irgendwie noch etwas unentschlossen. Aber die Band ist ja noch jung, und man wird ganz sicher noch von ihnen hören in Zukunft.

Flashguns

Die letzte Band des Samstagabends und somit auch des gesamten Festivals war anschließend Friska Viljor aus Schweden. Was alle an denen finden, kann ich allerdings nicht so richtig nachvollziehen. Für mich klingt ihr Indie-Folk-Kneipen-Rock wie ABBA für Leute, die gerne Bier trinken. Vor lauter Kumpelhaftigkeit und angetrunkenem Schulterklopfen vergessen sie meiner Meinung nach zu sehr, auch mal gute Songs zu schreiben. Aber naja, ich will niemandem seinen Spaß verübeln, das Publikum auf dem Phono Pop zeigte sich jedenfalls ziemlich begeistert von der Band.

Friska Viljor

Außerdem musste ich so auch nicht traurig darüber sein, bereits vor Ende des Auftritts zur S-Bahn nach Mainz eilen zu müssen, hinter mir zwei Tage mit exzellenter Musik und zahlreichen schönen Momenten. Phono Pop, wir werden uns wiedersehen!

Mehr Fotos vom Phono Pop 2010 gibt es hier zu sehen.

1. Allen voran natürlich dEUS
2. Bloße Ironie? Augenzwinkernder Verdruss? Man weiß es nicht genau…

Scumbag Philosopher – Social Networking Site (Bandhomepage)

Lange hats gedauert, aber nun ist es soweit: Auch indiestreber ist jetzt bei Facebook. Dort könnt ihr Fan von uns werden, bzw. bekunden, dass euch indiestreber.de gefällt, und verpasst so keine Artikel mehr. Und Kommunizieren kann man über diese Plattform bekanntlich auch.

Hier geht’s lang.

Ric war schonmal da, matti auch, thomas fährt dieses jahr zum zweiten, ich zum fünften und Jonas zum ersten Mal. Es gibt wohl kein Festival in Deutschland, was besser zu unsererem musikalischen Selbstverständnis passt als das Melt! in Gräfenhainichen. Auch wenn es in den letzten Jahren schon beinahe zu groß geworden ist. Egal, dieses Jahr sind wir wieder dabei.

Matzes persönliche Highlights: Audiolith-Pferdemarkt (vor allem Saalschutz – Erinnerungen werden wach an das einzige Highlight 2008), Darwin Deez, Jónsi, Chris Cunningham, Trip Fontaine, Two Door Cinema Club (außer, dass die gleichzeitig mit Tocotronic spielen), Tocotronic, Hurts, Edu K., Foals (trotz schwachem neuem Album).

Jonas’ persönliche Highlights: Blood Red Shoes, Health, Foals, Trip Fontaine, Bonaparte (live immer wieder ein Erlebnis), Massive Attack, Johnossi, An Horse, Kings Of Convenience, Die Sterne (ich konnte mich zwar bisher mit dem neuen Kram nicht so recht anfreunden, bin aber drauf gespannt, wie’s auf der Bühne wird), Get Well Soon, Broken Bells, Tocotronic… und wahrscheinlich noch zahlreiche andere Bands, die ich bisher noch nicht ausreichend kenne.

Das gesamte Line-Up: 1000 Robota, A-Trak, An Horse, Archie Bronson Outfit, Ata, Autokratz, Ben Klock, Beta, Black Rose, Blood Red Shoes, Bonaparte, Booka Shade, Boris, Bratze, Broken Bells, Carl Craig feat. Mike Banks, Chris Cunningham, Chromeo, Clues, Crookers, Danger, Daniel Haaksman, Darwin Deez, Delphic, Dendemann, Die Sterne, Dirty Disco Youth, Dirty Projectors, DJ Pete, DJ Shadow, dOP, Douster, Edu K., Egotronic, Ellen Allien, Empro, Ewan Pearson, Fake Blood, Foals, Four Tet, Fred Falke, Friendly Fires, Frittenbude, Fucked Up, Get Well Soon, Goldfrapp, Groove Armada, Health, Hemmann & Kaden, Hercules And Love Affair, Holy Ghost, Hurts, Jackmaster, Jamaica, Jamie Lidell, Jamie T., Jamie XX, Ja, Panik, Johnossi, Jónsi, Joris Voorn, Kele, Kings Of Convenience, Kode 9 vs. Martyn, Lindstrøm & Christabelle, Mala, Marcel Dettmann, Marcel Fengler, Markus Kavka, Martina Topley-Bird, Massive Attack, Matias Aguayo & Band, Matthias Tanzmann, Midlake, Miike Snow, Moderat feat. Paul St. Hilaire & Dellé, Modeselektor feat. Bonaparte, Monika Kruse, ND Baumecker, Nick Höppner, Norman Nodge, Oliver Koletzki, Pantha Du Prince, Philipp Poisel, Popof, Post War Years, Prosumer, Pttrns, Ricardo Villalobos, Riton, Roman Flügel, Sascha Funke, Schlachthofbronx, Shed, Shout Out Louds, Simian Mobile Disco, Sinden, Skate, Slagmalsklubben, Steffi, Sweat X, Tama Sumo, The Big Pink, The Futureheads, The Very Best, The xx, Tiefschwarz, Tiga, Tobias Thomas, Tocotronic, Tommie Sunshine, Trip Fontaine, Turbostaat, Two Door Cinema Club, Wareika, WhoMadeWho, Yeasayer

Ort, Zeit, Preis: Ferropolis, Gräfenhainichen, 15. bis 18. Juli. Karten kosteten ca. 110 Euro, sind aber leider schon ausverkauft. Nur für den Pferdemarkt gibt es noch Karten.

Weitere Links: Festival-Homepage | Auch der stylespion fährt zum Melt | Event bei last.fm | Festivalbericht 2005 | 2006 | 2007 | 2008 – Teil 1 – Teil 2 – Teil 3

Falls ihr unser Zelt findet, kommt ruhig auf ein Bier vorbei. Und wenn ihr noch Tipps habt, wen man unbedingt sehen muss, dann immer her damit.

auf jeden fall geht es um die band katze, die 2005 das vielleicht unterschätzteste Album des gesamten letzten Jahrzehnts aufgenommen hat. und dass, obwohl sänger klaus cornfields vorherige 90er-Band Throw that Beat in the Garbage Can! mit zumindest ein wenig ähnlicher Musik in den neunzigern das Spex-Titelbild zierte und sogar einen MTV-European-Music-Award gewann. Ach ja, er zeichnete ganz nebenbei auch Comics für die Intro und war unter anderem für das Timid Tiger-Bandlogo (von dem sie sich ja mittlerweile verabschiedet haben) verantwortlich.

Aber das markanteste an ihm ist und bleibt seine Stimme. Ergänzend kommt bei Katze dazu vor allem die genauso markante Stimme von Minki Warhol. Und eben eine ganz eigene Art von Musik. Man könnte die Richtung Bubblegum-Punk nennen, die PR-Abteilung spricht von Comic- oder Lollypop-Punk. Geht ja in die gleiche Richtung. Ein wenig elektronisch und teilweise eigentlich viel zu zuckersüße Melodien. Und trotzdem gibt es immer diese Brüche, ohne die das Ganze dann vielleicht doch irgendwann einmal langweilig werden könnte.

So wechseln sich eine ziemlich eingängige Country-Nummer wie Du hältst deine Hände (einem der absoluten Anspieltipps) mit in Ansätzen kakophonisch instrumentierten und ebenso gesungenen Liedern wie dem Titelsong Du bist meine Freunde und schnell gespielten punkigeren Stücken wie dem Opener Franzi wir wollen, dass du bei uns in der Band mitmachst ab. Eins haben all diese Stücke neben den schon angesprochenen sehr markanten Stimmen und der extremen Catchyness gemeinsam: Tolle Texte. Ob es jetzt um das “betrunkene Arschloch auf der Parkbank” (Du hältst deine Hände) oder in Zeilen wie “in meinen Liebesbriefen suchst du nur die Schreibfehler” (Hübsch aber Dumm) um die Probleme mit dieser Sache namens Liebe geht – immer hört man auch ein Augenzwinkern und meist wird ein neuer Blick geworfen auf altbekannte Pop-Themen.

Selten hat Musik, nie hat Punk so viel Spaß gemacht.

(Aber das beste an dem Album ist vielleicht auch, dass ich mit kaum anderer Musik so gut Jonas nerven kann.)

Katze – Du Bist meine Freunde (digital ab 9., physisch ab 23. Juli 2010, ZickZack/What’s So Funny About/Indigo)

Katze bei myspace | Homepage

Katze – Du Bist meine Freunde

Katze sind im September zusammen mit der Blockflöte des Todes auf Deutschland-Tour:

• 14.09.10 Bremen (MS Treue)
• 15.09.10 Hamburg (Silber)
• 16.09.10 Berlin (Comet)
• 19.09.10 Köln (Underground)
• 20.09.10 Frankfurt (Das Bett)
• 21.09.10 München (Orangehouse)
• 22.09.10 Nürnberg (Muz)
• 23.09.10 Leipzig (Moritzbastei)
• 25.09.10 Gera (Haus der Pioniere)
• 26.09.10 Dresden (Bärenzwinger)

1. Konzerte

Die Indelicates kommen wieder nach Deutschland. Vor ein paar Wochen waren sie ja schon einmal kurz hier, und im August kommen sie dann noch einmal für mindestens zwei Konzerte nach Deutschland. Und zwar spielen sie am 5. August im Bett in Frankfurt und zwei Tage später auf dem lokpop Festival in Osnabrück.

2. Alben

Album Nummer zwei ist kaum draußen – und mittlerweile auch auf CD zu erhalten – da wird schon Album Nummer drei angekündigt. Mit Erscheinungsdatum noch in 2010. Dem Vernehmen nach wird es wohl eine Art Konzeptalbum werden über den Sektenguru David Koresh (also genau das Album, das mal irgendwann als Simons Soloprojekt angekündigt war). Ein Snippet-Preview gibt es auch schon:

(Pressemitteilung zum Album)

3. Videos

Die Indelicates haben ja auch angekündigt, jedes Lied vom Album Songs for Swinging Lovers in einem Video zu verarbeiten. Nach Sympathy for the Devil waren nun die nächsten beiden dran:

The Indelicates – Jerusalem

The Indelicates – Jerusalem

4. Homepage

Die alte Homepage hat ausgedient, die neue ist zumindest vorerst auf den Seiten der eigenen “Plattenfirma” Corporate Records untergebracht.

Bonustrack: Die Indelicates als Filmstars

Al, Gitarrist der Indelicates und kleiner Bruder von Simon, ist an einer Webserie namens “Becoming Batman” (später: “Being Batman”) beteiligt, die nicht nur die Handlung von Batman nach Großbritannien verlegt und dabei ziemlich lustig ist (zumindest sind das die ersten paar Folgen, die ich gesehen habe), sondern in der in der zweiten Staffel “Being Batman” auch Julia und Simon mitspielen.

Interessant wird es vor allem dann, wenn die Band auf mehrstimmige Gesangslinien setzt und mit Songstrukturen und Rhythmen experimentiert, wie etwa in “Lost Time”. Auch das abschließende “Illuminate Insomnia” mit seinem weltumgreifenden Refrain kann überzeugen.

Insgesamt überwiegen die ruhigen Momente auf dem Album, die dadurch erzeugte Atmosphäre wirkt allerdings nicht ganz so düster und beklemmend wie der wie ausgestorben wirkende Spielpatz bei Nacht im Artwork dazu. Zeitweise erinnern Godzilla Was A Friend Of Mine an eine abgeklärtertere Version von Sparta, doch einer eindeutigen Schubladenzuordnung entziehen sie sich durch ihre eklektische Herangehensweise. Wie an einem Büffet picken sie sich von allem etwas heraus und verstauen es manierlich auf ihrem Teller.

Man hat bei allen gelungenen Ansätzen allerdings teilweise das Gefühl, dass der entscheidende Funken Risikobereitschaft fehlt. Mit ihren sauber geschriebenen und arrangierten Songs gehen Godzilla Was A Friend Of Mine noch ein wenig zu sehr auf Nummer sicher. Nichtsdestotrotz sollte man die Band im Auge behalten.

Godzilla Was A Friend Of Mine – dto. (2010, lässt sich bei der Band per Mail bestellen)

Godzilla Was A Friend Of Mine bei Myspace

allerdings sind an diesem song nicht nur herrenmagazin beteiligt, der song ist eine kollaboration. bereits im letzten jahr verriet mir herrenmagazin-sänger deniz jaspersen im interview fürs mainzer campusradio folgendes: “beim hip hop gibt es immer total viele kollaborationen und alle machen mit. beim indie gibt es sowas zum beispiel gar nicht, das finde ich immer total blöd. deshalb unterstütze ich kolloaborationen.” gesagt, getan! das es dann aber ausgerechnet gisbert zu knyphausen sein würde, der sich an dieser kollaboration beteiligt, reißt mich dann doch im wahrsten sinne des wortes vom hocker. meine zwei deutschsprachigen lieblingskünstler in einem song, etwas schöneres hätte ich mir für das musikjahr 2010 nicht erträumen können.

bevor ihr aber weiter lesend bei dieser riesigen lobhudelei verweilt, widmet euch doch lieber hörend dem erwähnten lied, verschafft euch selbst einen eindruck und zählt mit mir die tage bis zum 3. september herunter!

The Field Mice – Canada

florence and the machine – you got the love (2009)

the xx – you got the love (Florence and the Machine Cover) (2009)

the xx – you got the love (Florence and the Machine Cover) feat. Florence and the Machine (Glastonbury 2010):

(via nerdcore)

(und mindestens eine andere tolle version gibt es noch)

cats on fire – your woman

es gibt lieder, die ohne besonderen grund einen ganz besonderen platz in der individuellen musikbiographie beanspruchen. your woman von white town ist für mich eines dieser lieder. ein one-hit-wonder erster güte, von einem indischstämmigen engländer zusammengebastelt. irgendwann habe ich mir sogar die dazugehörige ep abort, retry, fail? gekauft, deren titel von einer ms-dos-fehlermeldung inspiriert war (wir befinden uns nämlich noch in der technischen steinzeit der 1990er jahre). ich habe mich sehr gefreut als ich vor kurzem über die obige coverversion der finnischen indiepopband cats on fire gestolpert bin. und habe gleich noch folgende, auch sehr interessante russische coverversion des lieds gefunden – übrigens mit dem originalvideo:

Перец и колесики VS White town – Я не буду твоей бабой (Your woman) Чартова дурь

Bush – Afterlife

Das neue Bush-Album Everything Always Now soll noch irgendwann 2010 erscheinen.

(via Nicorola)

Auch wenn man es beim Blick aus dem Fenster nicht so recht glauben mag: Der Festivalsommer ist bereits in vollem Gange. Und deshalb wollen wir euch an dieser Stelle auf eine kleine Perle in der diesjährigen Festivallandschaft hinweisen, die den Namen Phono Pop trägt.

Die Organisatoren dieses bewusst gemütlich und familiär gehaltenen Festivals haben es bereits in den vergangenen Jahren stets geschafft, ein starkes Line Up zu einem geringen Preis präsentieren zu können. Aber in diesem Jahr haben sie sich wirklich selbst übertroffen. So gibt es für nur 26 Euro insgesamt siebzehn durchweg hochkarätige Indie-Bands aus sieben verschiedenen Ländern zu sehen.

Das Aufgebot reicht von den deutschen Feuilleton-Lieblingen Jochen Distelmeyer und Gisbert zu Knyphausen bis hin zu den unglaublich fantastischen kanadischen Krachmachern Japandroids.¹ Für härtere Töne sorgen auch die allgegenwärtigen Punkrocker von Turbostaat, die kalifornischen Noise-Newcomer Health sowie Urlaub in Polen. Wer eher auf Melancholie steht, wird von Get Well Soon und den Briten I Am Kloot bedient. Auch dem talentierten Nachwuchs – vertreten von den Lokalmatadoren Trip Fontaine, den Isländern Who Knew und den Engländern Flashguns – wird eine Chance gegeben. Und als wäre das nicht bereits genug des Guten, spielen auch noch Friska Viljor aus Schweden und Mintzkov aus Belgien.

Weil die eigentliche Heimatstätte des Festivals – die Festung in Rüsselsheim – gerade saniert wird, findet das Spektakel dieses mal auf dem Opel-Werksgelände statt. Industriecharme ist also garantiert, und als Rahmenprogramm gibt es außerdem noch Fotoaustellungen sowie Visuals von den Wiesbadenern Digital Milk.

Hier nochmal die Eckdaten auf einen Blick:

Was? Phono Pop Festival

Wo? Opel-Werksgelände Rüsselsheim

Wann? 9. und 10.7.2010

Wie viel? Festivalticket 26 Euro im VVK (35 Euro AK), Tagesticket 17 Euro im VVK (22 Euro AK)

Weitere Infos gibts hier.

1. Mein persönliches Highlight!

(Robert Carl Blank bei Myspace)

Aktuelles Album: Robert Carl Blank – Last Time I Saw Dave (2010, Analoghouse/Cargo), eigentlich permanent auf Tour.

Besonders der Bass rückt dabei als melodiegebendes Instrument weiter in den Vordergrund, als man es von vielen Bands gewohnt ist. Aber auch jede Menge anderer Klangerzeuger kommen auf der Platte zum Einsatz – von wohlbekannten wie Klavier und Gitarre bis hin zu exotischeren wie dem Glockenspiel oder der Mbira. Zur rhythmischen Untermalung dienen zwei Drumsets sowie Percussions, für die Fülle sorgen Samples und Loops. Dazu gibt es immer wieder mehrstimmige Gesangslinien oder auch lässig aus dem Ärmel geschüttelte Rap-Parts.

Die Klangassoziationen reichen von Weilheim über I Might Be Wrong bis hin zum kunterbunten knertz! Kollektiv. Aber das trifft es alles nicht richtig. „Beteigeuze“ ist Pop und Anti-Pop zugleich: zu smart für den Mainstream und zu funkelnd-schön für den Außenseiterstatus.

Umso erstaunlicher, dass die Band derzeit noch ohne Label dasteht. Also liebe Plattenfirmen: Zuschlagen und euch eine enorm talentierte Band sichern! Intelligenteren und frischeren Indie Pop hat man in diesem Jahr jedenfalls noch von niemandem gehört.

Tending To Huey – Beteigeuze (lässt sich ab sofort bei der Band per Mail bestellen)

Tending To Huey bei Myspace

aber wofür gibt es die USA? Weezer haben nämlich einen ziemlich großartigen Song aufgenommen. Refrain: “It matters how you play the game. It matters that you can take the pain.” Zumindest musikalisch werden die Jungs aus der neuen Welt heute abend das erste wirklich interessante Spiel dieser WM gewinnen. Auch wenn Mark E. Smith für seine Heimat mit in den Ring steigt. (via und bitte weiterlesen im taz-popblog)

Weezer – Represent (via Stereogum)

der beste deutsche beitrag dieses jahr ist übrigens imho das hier. aber das nur am rande.

Vor lauter Lärm und Stoner-Heaviness verlieren Neume dabei jedoch nie die Melodie und den Groove aus dem Blick. Man fühlt sich an die Kollegen von DŸSE erinnert, allerdings mit leichtem Grunge-Einschlag. Und auch vor komplexen Songstrukturen wie im knapp elfminütigen Puls schrecken Neume nicht zurück – inklusive angetäuschtem Gitarrensolo und furiosem instrumentalen Finale. Wenig später wird dann mit schrägen Takten und Dissonanzen die Weltuntergangsmaschine angeworfen. Zum Abschluss gibt es mit dem verhältnismäßig ruhig beginnenden, sich aber zu einem wahren Brecher steigernden The Chemist nochmal ein Highlight.

Einziges Problem an der Platte: Wenn man sie zuhause angemessen laut aufdreht, kann man auch gleich seinen Mietvertrag zerreißen. Da hilft wohl nur der Besuch eines Livekonzerts der Band. Wohliges Ohrenklingeln garantiert!

Neume – Inch (ab 11.06.10, BluNoise Records/Alive!)

Neume bei Myspace

Die Platte bietet gleich ein paar Highlights: Zum einen wäre da natürlich Worte wiegen schwer, in dem Ex-Spandau-Mitglied und Herrenmagazin-Frontmann Deniz Jaspersen als Gastsänger zu hören ist. Der Song ist wunderbar, sobald man sich von der wohl schlimmsten Textzeile des Albums, mit der eben dieser Song beginnt: “Worte wiegen schwer, das ist prekär.”

Ansonsten sind es nämlich neben großartigen Gitarrenlinien vor allem die Texte, die die Band auch auf diesem Album auszeichnen. Manch andere Band wäre zum Beispiel bei einem Thema wie Gentrifizierung entweder in Punk-Plattitüden oder, noch schlimmer, in Sozialromantik abgerutscht – nicht so Spandau in Altona. Es wird vor allem beobachtet und die eigene Ratlosigkeit in so einer Situation geschildert.

Ein weiterer Höhepunkt ist Lied Nummer 8, Gesucht, Gesehen, Gebrannt, DIE Hymne für Konzertgänger. Genauer als hier ist wohl selten das Gefühl, ein Konzert seiner Lieblingsband zu sehen, beschrieben worden – schöner wohl noch nie.

Spandau – Als die Jugend kollabierte (CD im Digipak, 2010, Eigenvertrieb via Bandhomepage)

Das sauschön gemachte Ding hört auf den schmunzelnden Namen If I Had A Hi-Fi und versammelt hinter seiner liebevoll gestalteten Hülle verschiedenste Titel. Ob Megahit der frühen Neunziger (Depeche Mode – Enjoy The Silence) oder süßliches Kleinod (Janine von Arthur Russell) – Sänger Matthew Caws zufolge hat die Band hier einfach all das in einen Topf geschmissen, was ihren Mitgliedern so gefällt. Evolution etwa ist ein Lieblingslied von Bassist Daniel Lorca. Auf dem erschöpften Heimweg von einem langen Tag am Strand lief der Song der spanischen Band Mercromina im Radio – und Lorca hat sich sofort in ihn verliebt.

Nada Surf schaffen es, kuschelige Französische Chansons, New Wave und knackigen Indie gemeinsam harmonierend in Szene zu setzen. Die Band hat den unterschiedlichen Songs ihren unnachahmlichen Stempel aufgedrückt – zur Freude aller Fans. Meint man zu Beginn des Albums vielleicht doch noch, eine etwas dröge Sammlung in den Händen zu halten, ändert sich diese Meinung spätestens nach dem dritten Hördurchlauf oder einer Autofahrt von Berlin nach Mainz. Mal wieder schaffen es die New Yorker Jungs, ein Album wie aus einem Guss zu produzieren, dessen unzählige Ohrwürmer einen auch Wochen später noch ungefragt wohlig umarmen.

Im Juli touren Nada Surf übrigens bereits zum zweiten Mal mit ihrer charmanten Coverplatte durch Europa. Ein Besuch lohnt sich definitiv.

Nada Surf – If I Had A Hi-Fi (2010, Rykodisc/Warner)

Nada Surf – Enjoy The Silence (Depeche Mode Cover)

The New Pornographers – The Crash Years

(das Video wurde schon gestern bei Pitchfork veröffentlicht, hatte dort aber miserabelste Bildqualität. Mehr Infos zum Video gibt es übrigens im Matablog)

Mittlerweile ist das Konzert im Schlachthof auch schon eineinhalb Wochen vorbei. Vorher hab ich die Jungs von Beat!Beat!Beat! nicht nur das Poesiealbum ausfüllen lassen, sondern mich mit ihnen auch unter anderem über die Schule, das Leben in der Kleinstadt und das Dasein als sehr junge Band unterhalten. Und heute endlich habe ich das Interview auch abgetippt.

Auf eurer myspace-Seite steht unter anderem, dass ihr momentan am Schmieden großer Pläne seid. Bezieht sich das nur auf euch als Band oder auch auf euer Privatleben – zumal die meisten von euch ja letztes oder dieses Jahr Abi gemacht haben?

Joshua: Ich geh noch weiter zur Schule, und mach nächstes Jahr mein Abi. Marius und Tim sind schon fertig und schauen jetzt erst einmal wie groß das mit der Band noch wird. Gerade weil auch das Album ansteht, was ja auch viel Arbeit macht, ist es ungünstig, ein Studium oder so anzufangen. Die beiden sind aber mit dem Zivildienst auch schon durch. Moritz hat morgen seine mündliche Prüfung und hat danach sein Abi hoffentlich in der Tasche. Ich denke aber, wir schauen jetzt erst mal, dass wir das Album in den Kasten kriegen und je nachdem, was das für Wellen schlägt, entscheiden wir, wie es weitergeht. Studieren werden wir aber denke ich früher oder später schon noch, nur ob das jetzt nächstes Jahr ist oder wann anders, das hängt schon irgendwie auch mit der Band zusammen.

Wie läuft das dann mit der Schule, wenn ihr auf Tour seid? Kriegt ihr extra frei oder könnt ihr dann nur in den Ferien touren?

Marius: Bisher mussten wir immer in den Ferien touren. Im Sommer, auf den Festivals, ist das ja eh meistens am Wochenende – da war das nie ein Problem. Da konnte man das dann meistens so klären, dass man die 5. oder 6. Stunde ausfallen lassen konnte. Die Touren waren bis jetzt halt immer in den Ferien. Die jetzige passte zum Beispiel gut wegen Pfingsten. Aber das muss man halt immer klären mit der Schule, oder die Touren halt in den Ferien machen.

In Deutschland ist es, im Gegensatz zu England ja ganz schön ungewöhnlich, als junge Band mit solcher Musik, wie ihr sie macht, bekannt zu werden. Und man hat es dann, würd ich zumindest vermuten, ziemlich schwer, ernstgenommen zu werden neben den ganzen Mitte 30-, Anfang 40-Bands. Habt ihr euer junges Alter jemals als problematisch empfunden?

Joshua: Ganz im Gegenteil. Die Leute kommen uns, ich will nicht sagen „mit einer besonderen Gunst“ entgegen, aber die sind zum Teil schon beeindruckt, dass wir eben so jung sind und trotzdem schon die Musik machen, die wir machen. Und von Musikern aus Deutschland… Na ja, unser Plattenchef und Freund ist ja Dennis Scheider von Muff Potter, unser Booking macht GHVC, und da lernen wir jetzt auch jede Menge Leute aus der Branche kennen. Und die sind alle super aufgeschlossen und da steht das Alter nicht so im Vordergrund. Man spekuliert glaub ich eher darauf, was noch aus uns werden kann, gerade weil wir so jung sind. Da ist ja hoffentlich auch noch Steigerungspotential drin. Selbst wenn wir jetzt drei Jahre nichts mehr machen, und dann wieder rauskommen, sind wir ja immer noch ziemlich jung und das ist echt ein Luxus.

Könnt ihr euch denn vorstellen, in 20 Jahren oder so immer noch auf der Bühne zu stehen?

Joshua: Joa, ich mein, wir haben uns eigentlich alle mehr oder weniger dafür entschieden, dass Musik unser Ding ist. Wenn das klappt, dass man davon ein bisschen Leben kann, wäre das Super. Wenn nicht, ist auch nicht schlimm, weil jeder von uns trotzdem weiter Musik machen würde. Ob still und heimlich oder auf der Bühne, ist dann eine andere Sache. Ob ich mit dreißig noch auf der Bühne stehen will, kann ich echt nicht sagen, aber im Moment kann ich kein Ende absehen.

Noch in diesem Jahr soll eher erstes Album erscheinen. Wie weit seid ihr damit?

Joshua: Die Songs sind geschrieben, ein paar Demos haben wir schon aufgenommen.

Werden die dann auch Live schon gespielt?

Joshua: Ein Teil davon, noch nicht alle. Ein Großteil der Songs ist im Liveset dabei. Wir müssen das auch Live erproben. Ich glaub, wir könnten keinen Song aufs Album nehmen, den wir nicht Live schon erprobt hätten.

Gab es denn auch schon Songs, die ihr Live gespielt habt und die dann gar nicht angekommen sind und deshalb wieder verworfen wurden?

Joshua: Eher andersherum. Es gab schon ein, zwei Songs, die wurden immer wieder eingefordert, aber wir spielen die eigentlich nicht mehr so gerne. Wir haben natürlich schon Songs geschrieben, die wir auch wieder aus dem Liveset verbannt haben, ganz einfach, weil wir mit 16, 17 mit der Band angefangen haben. In den zwei Jahren haben wir aber so viel Entwicklung durchgemacht, auch was den Stil angeht, so dass wir unheimlich viel nicht mehr spielen wollen, weil es einfach nicht mehr passt. Manche alten Songs gefallen uns einfach nicht mehr, aber so Reaktionen aus dem Publikum, dass bei bestimmten Songs Tomaten auf die Bühne geflogen sind oder so, hatten wir noch nicht.

Ihr kommt ja aus Viersen, einer relativ kleinen Stadt. Schlägt sich das auch irgendwie nieder in euren Songs, würdet ihr also anders klingen, wenn ihr aus Berlin oder Hamburg kommen würdet? Oder wäre zumindest eure Karriere anders verlaufen?

Tim: Anders klingen glaub ich nicht. Kann ich aber schlecht einschätzen. Wir würden glaub ich immer noch wir selbst sein, und Karrieremäßig ist es glaub ich gefährlich, in Berlin zu leben, wenn man als Band anfängt. Die Karriere wäre auf jeden Fall anders verlaufen.

Moritz: Mittlerweile macht es glaub ich auch keinen so großen Unterschied mehr, ob man aus Brooklyn oder aus Viersen kommt, man bekommt ja durch das Internet überall den selben Input. Wir hätten glaub ich die gleichen Vorbilder, wenn wir aus einer Metropole kommen würden. Aber dort gäbe es dann tausend andere Bands, die auch fresh klingen. Da ist es dann halt schwerer herauszustechen. Wir hatten halt Glück, dass wir im Dorf halt nur so Punkbands hatten, von daher war es ein bisschen leichter, aufzufallen.

Also gibt es definitiv einen Standortvorteil Viersen?

Joshua: In Viersen ist halt Pop der Punk, quasi. Also, wenn man Popmusik macht, ist man dort eher der Außenseiter, und die Punks sind mehr so der Mainstream in Viersen. Dazu kommt auch noch, dass wir von Anfang an oft auch in Köln unterwegs waren, dort auch relativ früh schon Konzerte gespielt haben. Marius wohnt mittlerweile auch dort. Ich glaube, wir sind auch nicht so die Kuhschubser, die Dorfkinder, die auf einem Bauernhof leben. Wir konnten uns daheim halt abseits von einer Szene entwickeln. Und das find ich ein bisschen bemerkenswert.

Und das alles nur, weil wir auch flattrn wollten. Aber wenigstens funktioniert das jetzt. Nach dreistündigem durchwühlen von mysql-Datenbanken, php-skripten und dergleichen. Und wirklich Ahnung hab ich davon nicht.

(Ich habe übrigens auch noch drei flattr-Einladungen rumliegen. Wer will, meldet sich einfach per kommentar oder mail.)

Gewinnspiel ist vorbei, Gewinner wurde benachrichtigt, die Daten aller anderen natürlich vernichtet. Danke für eure zahlreiche Teilnahme!

Rock am Ring ist seit ewiger Zeit ausverkauft. Doch einen letzten Hoffnungsschimmer gibt es noch. Wir verlosen nämlich einmal zwei Tickets für das Festival, dass schon am kommenden Wochenende stattfindet. Und das beste: Ein Hochsitzflug auf dem Jägermeister-Hochsitz ist auch noch dabei. Was ihr machen müsst, um zu gewinnen, sowie weitere Infos erfahrt ihr nach dem Klick auf weiterlesen.

1. Mail-Programm oder -Account öffnen.
2. In das Adressfeld matze[at]indiestreber.de eingeben.
3. In das Betrefffeld “Rock am Ring” eingeben.
4. In das Nachrichtenfeld euern Vollständigen Namen, eure Adresse sowie eure Handynummer anzugeben.
5. Auf “Abschicken” klicken.
6. Auf euer Glück hoffen.

(Teilnahme ab 18, indiestreber.de-Redakteure sind Ausgeschlossen, ebenso der Rechtsweg. Einsendeschluss ist Morgen, Dienstag, 1. Juni, 12 Uhr Mittags.)

Wie gesagt beinhaltet der Gewinn zusätzlich zum Eintritt für zwei Personen zum Festival die Mitfahrt auf dem Jägermeister Hochsitz (siehe auch Foto oben). Dort kann dann aus 50 Metern Höhe das Festivalgeschehen genossen werden. Die Tickets für den Hochsitz, den es auch auf einigen anderen Festivals gibt, kann man nicht kaufen, nur gewinnen. Entweder hier oder auf den Festivals selbst per SMS.

Guildo Horn – Guildo hat euch lieb

Mal kein Indie, aber trotzdem Musik. Und passend zum aktuellen politischen Geschehen. (Erklärung hier)

Natürlich kann man solche Artikel wenig kommentieren, da sie ja meist wenig kontrovers sind. Aber hier habt ihr nun die Möglichkeit, alles loszuwerden. Wie fandet ihr die Aktion? Besser oder schlechter als unsere sonstigen Artikel? Besser oder schlechter als unsere bisherigen Aktionen? Gut ausgedacht und schlecht ausgeführt oder andersrum? Oder doch ganz anders?

1. sorry, der musste hier jetzt sein

zager and evans – in the year 2525

was die zukunft bringt wissen wir erst wenn sie gegenwart ist. trotzdem – oder gerade deshalb – gehört es zu den lieblingsbeschäftigungen der menschheit, sich gedanken über das zu machen, was nach nicht ist. und vielleicht sichert uns diese fähigkeit ja am ende doch das überleben.

hauptsächlich in der literatur, aber auch in der musik werdenschon immer gerne zukunftsvisionen zwischen utopie und anarchie¹ gesponnen. zager and evans machten sich 1969 gedanken über die zukunft, und zwar ganz konkrete:

In the year 2525
If man is still alive
If woman can survive
They may find…

In the year 3535
Ain’t gonna need to tell the truth, tell no lies
Everything you think, do and say
Is in the pill you took today

In the year 4545
Ain’t gonna need your teeth, won’t need your eyes
You won’t find a thing to chew
Nobody’s gonna look at you

In the year 5555
Your arms are hangin` limp at your sides
Your legs got nothing to do
Some machine doing that for you

In the year 6565
Ain’t gonna need no husband, won’t need no wife
You’ll pick your son, pick your daughter too
From the bottom of a long glass tube

In the year 7510
If God is coming he oughta` make it by then
Maybe he’ll look around himself and say
”Guess it’s time for the Judgement day”

In the year 8510
God is gonna shake his mighty head
He’ll either say ”I’m pleased where man has been”
Or tear it down and start again

In the year 9595
I’m kind of wondering if man is gonna be alive
He’s taken everything this old earth can give
And he ain’t put back nothing…

Now it’s been 10,000 years
Man has cried a billion tears
For what he never knew
Now man’s reign is through
But throught eternal night
The twinkling of starlight
So very far away
Maybe it’s only yesterday…

die themen sind natürlich aus der einschlägigen science-fiction-literatur bekannt, und teilweise wohl früher als gedacht schon – zumindest teilweise – realität. mit seiner kritischen einstellung gegenüber der totalen vereinnahmung und rationalisierung der welt – des menschen und seiner umwelt, somit der ganzen erde – harmonierte in the year 2525 perfekt mit dem zeitgeist des jahres 1969, das wohl doch einen bleibenden eindruck in der weltgeschichte hinterlassen hat und weiter hinterlassen wird. zager and evans bleibt allerdings wohl nur der ruhm, das bekannteste one-hit-wonder aller zeiten² hervorgebracht zu haben.

1. oder auch beides zusammen
2. platz 1 u.a. in deutschland, der schweiz, großbritannien und den usa

“Blue Skies” ist das zweite Album von Grand Sports. Und eins vorweg, es ist weder eine schlechte noch eine langweilige Platte geworden. Aber eben auch keine, die einen vom Hocker reißt. Es sind solide bis gute Rocksongs darauf zu finden (allen voran der Opener The Truth und das Titelstück Blue Skies). Und die Zusammenarbeit mit dem Blunoise-Produzenten Guido Lucas war ohne Frage eine gute Idee, denn das ungehobelt Krachige steht dem Album gut zu Gesicht und verleiht ihm einen gewissen Charme.

Zur Auflockerung dienen mal ein paar Handclaps (All We Need) oder ein unerwarteter Reggea-Part (Flowers On The Moon). Dabei merkt man der Band an, dass sie sich nicht darum schert, was gerade angesagt ist und was nicht. Das mag man lobenswert finden, allerdings sorgt es in diesem Fall dafür, dass “Blue Skies” in etwa so spektakulär gerät wie ein Feierabendbier in der Stammkneipe.

Etwas experimenteller wird es erst gegen Ende mit dem ausufernd betitelten Instrumental The Rough Cutting Edges Of The Selfproclaimed Quack Named Dr. Raloscisum, welches verhalten in Richtung Prog schielt. Zum Abschluss gibt es mit Seven Riders dann noch einen ordentlichen Schuss Melancholie, bevor sich der Song beharrlich steigert und das Album nach einem angemessen zelebrierten Gitarrengeschrammel ausklingt. Auch das ist beileibe keine neue Idee.

Man kann es nicht anders sagen: Mit “Blue Skies” ist Grand Sports eine ordentliche Rockplatte gelungen. Nicht mehr und nicht weniger.

Grand Sports – Blue Skies (ab 28.05.10, BluNoise Records / Alive!)

Grand Sports bei Myspace

A. The Suburbs



AA. Month of May

Das dritte Arcade Fire-Album The Suburbs erscheint in Deutschland am 30. Juli (USA/UK am 2. bzw. 3. August) via City Slang, kann aber schon auf der Bandwebseite vorbestellt werden. Dann erhält man auch die beiden obigen Songs als kostenlose Vorab-Downloads.

Icke & Er – Meine Stars (download via Soundcloud)

Sie galten mal als erste deutsche Youtube-Stars, manch einer hielt sie sogar für die einzig wahren Berliner Rapper – und dass, obwohl sie aus Spandau kommen, was ja bekanntlich nur politisch zu Berlin gehört (oder so). 2008 lösten sich Icke & Er allerdings nach nur einem Album und eineinhalb Jahren auf. Nun, im Mai 2010 sind sie zurück. Morgen erscheint ihr neues Album L.I.B.E. im Selbstverlag. Es ist lediglich über ihre Homepage zu beziehen, und enthält neben obigem Song jede Menge potentielle Hits (ich hab die Platte schon gehört und find sie ziemlich gut) und ganz viel Berlinerisch.

Cornelius – 2010

Endlich angekommen in der Gegenwart! Nach achtzig aufregenden und ereignisreichen Tagen hat uns unsere Zeitmaschine wieder zurück ins Hier und Jetzt katapultiert.

Was wir dort vorfinden, ist allerdings nicht gerade besonders prickelnd: Ein Erdbeben im sowieso schon arg gebeutelten Haiti, eine tödliche Entgleisung bei den Olympischen Winterspielen, ein zustandsähnlicher Krieg in Afghanistan, ein abstürzender polnischer Präsident, ein Guido Westerwelle, der wehrlose Hartz IV-Empfänger mit seiner FDP-Stammwählerschaft verwechselt, katholische Priester, die sich an Kindern vergreifen, ein Vulkan, der sich erdreistet, in ganz Europa den Flugverkehr zum Erliegen zu bringen, eine Ölpest im Golf von Mexiko, riesige Schuldenberge in Griechenland, der Euro in der Krise, die Welt sowieso, dazu ein viel zu langer Winter und ein Frühling, der immer noch nicht richtig in die Puschen kommt.

Aber immerhin ist Roland Koch gerade zurückgetreten – eine gute Nachricht aus dem sonst bisher so trist verlaufenen Jahr 2010 gibt es also doch. Außerdem steht ja auch gerade die WM vor der Tür. Wobei: Ob die für Deutschland so toll laufen wird, ist momentan doch sehr zweifelhaft. Aber das ist Schnee von morgen, der uns heute noch nicht zu kümmern braucht.

Was der experimentelle Soundtüftler Cornelius zum Jahr 2010 zu sagen hat, weiß ich leider nicht, was ich allerdings weiß, ist, dass er von einigen auch als der japanische Beck bezeichnet wird und sein Album “Fantasma”, auf dem auch der obige Song zu finden ist, bereits 1997 erschien. Das reicht erstmal an Fact-Dropping, wer mehr wissen will, darf selbst recherchieren. Sein fideles Stück namens 2010 vermag uns jedenfalls ein wenig Ablenkung von den ganzen schlechten Nachrichten zu bescheren, die derzeit die Medienwelt zupflastern.

Und weil unsere Zeitmaschine gerade sowieso noch neben uns steht, wagen wir am morgigen Tag zum Abschluss noch einen kleinen Abstecher in die ferne Zukunft…

(Beat!Beat!Beat! bei Myspace)

K.I.Z. – Rauher Wind

Vor eineinhalb Jahren, als die Lehman Brothers gerade pleite gegangen waren und Damien Hirst am gleichen Tag Millionenpreise für streitbare Kunst erlöst hatte, also zu Beginn der Wirtschaftskrise, hatten wir schon einmal eine Playlist zum Thema gepostet. Aber den Kapitalismus gibt es immer noch, der Konsum in Deutschland geht sogar wieder nach oben.

Und Banker und Manager verdienen immer noch in einem Jahr mehr als die meisten Menschen in ihrem ganzen Leben.¹ Aber sind sie damit glücklich? Glaubt man Deutschlands bester Rapgruppe dieser Tage, haben auch Banker es nicht leicht:

hier oben weht ein rauher Wind, keiner hört uns wenn wir traurig sind,
ich verkauf noch dieses Wertpapier, mach den Computer aus und spring aus dem Fenster!

So heißt es in Rauher Wind von K.I.Z., in dem auch die vermeintlichen Bösewichte einmal zu Wort kommen. Natürlich ist, wie üblich bei dieser Band, nicht alles ernstzunehmen. Aber der Song zeigt doch in sehr schönen Worten und Metaphern den Zynismus, der das Treiben manch eines Managers begleiten muss:

Wieso immer ich? Ihr kehrt die Fakten untern Tisch,
Kinder fallen im Irak, mein Aktien etwa nicht?

Im Lied werden dann auch munter alle gesellschaftlichen und politischen Probleme in einen Topf geworfen: Arbeitslosigkeit und Hartz IV, der Irak-Krieg und die gesamte Lage in Nahost. Statt Lösungen gibt es aber auch hier nur blanken Zynismus. Aber so ist sie, die Welt. Nicht nur bei K.I.Z..

1. Ich weiß, das ist verallgemeinert, aber im großen und ganzen doch nicht ganz falsch.

Pernice Brothers – Cronulla Breakdown

Sydney 2005. Eine Woche unter der Sonne. Durch den strandnahen Stadtteil Cronulla drängt sich ganz in mittelalterlicher lynchmanier ein in Badehosen gekleideter Mob. Mit australischen Fahnen und Bier bewaffnet, erinnert die grölende Zusammenkunft dieses proletarischen Haufens an ein Volksfest im Sommer. Doch hier wird nicht der Freude wegen gefeiert, sondern aufgrund von Rassenhass. Wenige Stunden zuvor war mutmaßlich ein Lifesaver am Strand Opfer eines Angriffes von Libanesen geworden. Dazu muss man wissen, dass ein Lifesaver in Australien den Status eines Halbgottes hat. Libanesen hingegen konnte man, sofern man das wollte, rund vier Jahre nach den Anschlägen vom 11. September schnell als Terroristen oder zumindest “Islamisten” brandmarken. Die Jagd war eröffnet.

Was überraschte war nicht das spontane Zustandekommen einer Menge junger Australier an sich, sondern der rassistische Hintergrund der Zusammenrottung. Knapp dreißig Jahre nach Abschaffung der “White Australia Policy” gilt das Land im 21. Jahrhundert vielen schließlich als Musterbeispiel für gelungene Integration und Multikulturalität. Doch im Dezember 2005 zeigte sich auch im sonnigen Down Under die hässliche Fratze von Rassismus und Nationalismus. “No Lebs!” wurde da gerufen, die roten Köpfe nassgeschwitzt in die Höhe gereckt. Libanesen wurden von biertrunkenen Australiern zusammengeschlagen und Australier im Gegenzug von rachelüsternen Arabern niedergestochen.

“Our Disgrace” titelte der Daily Telegraph schuldbewusst an einem heißen Dezembermorgen. “Cronulla Riot That Shames Australia�s Values” war die Unterzeile. Tatsächlich fanden es ziemlich viele Australier nämlich ziemlich blöde, dass ihr entspanntes Image nun eventuell leiden könnte. Die Pernice Brothers aus dem fernen Massachusetts haben damit übrigens wahrscheinlich herzlich wenig zu tun. Aber: Sie haben einen Song mit dem Titel “Cronulla Breakdown” geschrieben. Das war zwar wahrsagerische vier Jahre vor besagten Geschehnissen, doch der Song enthielt schon damals mehr Wahrheit, als den neuenglischen Jungs wohl bewusst war.

we tried so hard to make the worst of a bad situation

Der Trick, mit einer spezifischen Ortsbezeichnung Fans an eben jenem Ort zu gewinnen, zog anscheinend übrigens auch hier. “Cronulla Breakdown”, was auf der Tour-EP “Australia 2002″ erschien, fasste nämlich auch flott Fuß auf bekannten Aussie-Samplern wie etwa “Spunk”. Ein zeitloses Argument zum Hören gibt’s zum Schluß: Die Pernice Brothers machen einfach wundervoll entspannte Musik, die besonders hier nach der zweiten Hälfte von Foo Fighters’ “In Your Honour” klingt. Da heißt es Anlehnen und eben doch wieder in australischen Klischees verfallen: Surfen, Sonne, Surfen, Sonne, Surfen…

bush – the people that we love (speed kills)

Der 11. September 2001 ist zweifelsohne eine der wichtigsten Wegmarken unserer Zeit. Mittlerweile wird dieses Datum in einem Atemzug mit Zweitem Weltkrieg und Wiedervereinigung genannt. Eine neue Zeitrechnung, ja eine neue Epoche begann an diesem Tag. Seit die zwei großen Betonstelen in der Skyline New Yorks fehlen, werden – und das nicht nur in der �westlichen� Welt – neue Bezugsrahmen für die Begriffe �gut� und �böse� gesetzt. Und ist die Moral unserer Gesellschaft erst einmal auf den Thron gesetzt, lässt es sich mit den Realitäten der Welt praktischerweise auch viel besser leben.

Was auf 9-11 folgte waren neue Wüstenkriege und ein seltsamer Antiamerikanismus, der in unseren Breiten um sich ging. Bush musste für alles herhalten. Doch egal, wie viel der Schelte letztlich gerechtfertigt sein mag, auch an den Namensvettern des 43. US-Amerikanischen Präsidenten gingen die grausamen Anschläge am Big Apple nicht spurlos vorbei. Dieser kleine Fakt mag allerdings höchstens für vernarrte Fans der Band oder perfektionistische Pop&Rock-Musikhistoriker von Bedeutung sein. Wir stellen ihn trotzdem noch einmal kurz vor.

Nach Jahren der Irrungen preschte die britische Post-Grunge-Band Bush nämlich 2001 mit ihrem vierten Album �Golden State� durch die Reihen der Geschmackspolizei. Die ach so schmierige und pathetische Massenband um den Schönling Gavin Rossdale hatte es auf einmal geschafft, auch Teile der Indieszene für sich zu gewinnen. Ob das nun wirklich an ihrer Musik lag oder am Ende nicht doch einfach vielmehr daran, dass sie nicht mehr so �mainstreamig� daherkamen, sprich nicht mehr von jedem Kiddie gehört wurden, sei einmal dahingestellt.

Nur einen knappen Monat nach den Geschehnissen des 11. Septembers ergab es sich auf jeden Fall, dass Bush ihr neues Album �Golden State� veröffentlichten. Der Entwurf sah vor, dass auf dem ockerfarbenen Cover ein verschwommenes Flugzeug abgebildet sein sollte. Die brachial-poppige erste Single sollte auf den Namen �Speed Kills� hören und auf dem zweiten Lied der Platte, dem melancholisch derben �Headful of Ghosts� singt Gavin:

I stand around at American weddings

I stand around for family

I�m at my best when I�m terrorist inside

At my best when it�s on me

Ein Wunder unter diesen Umständen, dass Gavin auch unter Bush (also George W. �) überhaupt noch nach Amerika reisen durfte. Aber das Flugzeug wurde ja von Band und Label selbst vom Plattencover entfernt, die Single nach der Textzeile �The People That We Love� umbenannt und �terrorist� in �maverick� abgeändert. Na Bush sei dank. Ob pietätvoll oder bescheuert, sei an dieser Stelle einmal dahingestellt.

Belle And Sebastian – Piazza, New York catcher

Sport und Musik hatten wir ja bei der Zeitreise schonmal. Während es in Deutschland in solchen Songs fast zwangsläufig um Fußball geht, sieht es in anderen Ländern anders aus. Trotzdem ist es verwunderlich, dass gerade eine schottische Band ein Lied über einen uramerikanischen Sport schreibt. Es geht natürlich um Belle and Sebastian, und ihrem Song Piazza, New York Catcher, der spätestens seit seinem Erscheinen auf dem Juno-Soundtrack auch einer größeren Masse Musikhörern bekannt sein dürfte.

In ihm geht es, zumindest am Rande, um den wohl besten “Hitting Catcher” der Baseball-Geschichte, Mike Piazza. “Hitting Catcher” heißt in diesem Fall, dass er der Catcher mit den meisten Homeruns der Major League-Geschichte ist. 427 mal schlug Piazza den Ball in die Ränge.

Mindestens zweimal wird der Sportler im Song auch explizit angesprochen:

San Francisco�s calling us, the Giants and Mets¹ will play
Piazza, New York catcher, are you straight or are you gay?

Zugegeben, die zweite Hälfte der zweiten Zeile mag zuerst verwirren, aber immer wieder gab es Gerüchte, dass Mike Piazza schwul sei. Er tat sein bestes, um sie zu widerlegen: Im Januar 2005 heiratete er das Playmate Alicia Rickter. Mittlerweile haben die beiden zwei Kinder.

Aber der Belle and Sebastian-Song erschien ja schon 2003. Es gibt aber auch noch mindestens eine andere Stelle im Song, in der auf Piazzas Baseballspiel Bezug genommen wird:

The catcher hits for .318 and catches every day
The pitcher puts religion first and rests on holidays
He goes into cathedrals and lies prostrate on the floor
He knows the drink affects his speed he�s praying for a doorway

Und das stimmt dann auch größtenteils. Piazza ist streng gläubig. Und in vielen Saisons wird er wohl auch einen Batting Average von .318 erreicht haben – über seine gesamte Karrier verteilt liegt er bei exzellenten .308. Aber seht selbst, was für eine Bedeutung er für sein langjähriges Team, die New York Mets hatte:

Kein Wunder, dass dann auch Schotten auf ihn aufmerksam werden. Ob Piazza den Song kennt, weiß ich nicht so ganz genau. Er ist schließlich Metal-Fan.

Der Titel dieses Posts ist übrigens geklaut aus dem Amerikanischen Baseball-Stadio-Song schlechthin, Take me out to the Ballgame aus dem Jahr 1908

Edward Meeker – Take Me Out To the Ball Game

1. das beste daran ist, dass Piazza erstens gegen die San Francisco Giants für die New York Mets den 352. Homerun seiner Karrier traf, mit dem er Rekordhalter wurde

pulp – disco 2000

wie fieberte man im 20. jahrhundert dem neuen jahrtausend entgegen – ob phantastische zukunftsträume oder apokalyptische endzeitvisionen, irgendwas großes, besonderes musste doch kommen. ewiger krieg oder ewiger frieden, totale liebe oder totaler hass, schwarz oder weiss, vernichtung oder erleuchtung. und jetzt? dümpelt die menschheit immer noch vor sich hin, ohne sich für irgendwas entschieden zu haben.

musikalisch lassen sich die erkenntnisse ähnlich zusammenfassen: nichts weltbewegend neues, viele revivals, sogar die 80er wurden irgendwann wieder halbwegs salonfähig. rock’n'roll ist lebendiger als je zuvor, elektronische musik mischt inzwischen fast überall mit, indie ist zu mainstream geworden und andersrum.

britpop ist zwar zumindest klinisch tot – im übrigen genauso wie new labour und “cool britannia” -� aber in vielen facetten lebendiger als zuvor. musikalisch hat sich britische rockmusik ausdifferenziert, die grundhaltung lebt aber sowohl musikalisch als auch in stil, auftreten und design fort. fast jede indiedisco schaut heute irgendwie aus wie das video zu “disco 2000″ von pulp, womit gleichzeitig der stil der 60er und 70er jahre fest im hier und jetzt verankert ist.

und auch in “disco 2000″ vergeht die zeit und doch bleibt alles beim alten. die protagonisten trauern vergebenen chancen hinterher und verlieren sich in erinnerungen an träume, die sie einst hatten. das soll das ganze große leben sein? ist doch alles schon mal dagewesen, kopiert, geklaut, wieder aufgewärmt, und besser ist es dadurch auch nicht geworden.

so ist das leben. und wer das begriffen hat kann endlich die wichtigen dinge angehen: die zukunft, die wie gestern sein wird.

saalschutz – 19, 9 & 90¹

ich möchte eine party feiern wie wenn’s 1999 wär
1999 ist noch gar nicht allzu lange her
ich will zurück nach 1999

bratzeln saalschutz 2004 auf ihrem debutalbum “das ist nicht mein problem”. damit ist die philosophie der schweizer elektropunks schon erschöpfend zusammengefasst: gefeiert wird bedingungslos, probleme werden einfach ignoriert. ich kann mich allerdings nicht erinnern, dass es 1999 besonders viel

jubel trubel discokugel

gegeben haben soll – dazu muss man schon in die 70er jahre zurück. es sei denn saalschutz meinen eurodance damit. oder die loveparade. die singlecharts des jahres 1999 sehen wie folgt aus: auf platz 1 lou bega mit seinem “mambo no. 5″; auf der 2 eiffel 65 mit “blue (da ba dee)”; es folgen whitney houston und britney spears – die alle beide inzwischen ihren zenit mehr als überschritten haben.

vielleicht haben saalschutz schon 1999 die besseren partys gefeiert? oder es ist doch nur die konservative sehnsucht nach den “guten” alten zeiten? wahrscheinlich ist aber wieder alles nur geklaut – und zwar aus der vergangenheit, aus dem jahr 1984:

So tonight I’m gonna party like it’s 1999!

prince – 1999

1. kein offizielles musikvideo

rekord – 18/05/1997¹

18. Mai 1997. Pfingstsonntag. bei rock am ring spielen kiss als headliner sowie placebo auf der alternastage. der fsv mainz 05 gewinnt sein zweitligaheimspiel gegen die stuttgarter kickers mit 1:0; der hsv entlässt nach der 0:4-niederlage gegen köln am samstag seinen trainer felix magath. in cannes geht die goldene palme zu gleichen teilen an den iranischen Regisseur Abbas Kiarostami und den Japaner Shohei Imamura. andorra ratifiziert ein abkommen über die anerkennung von diplomen mit frankreich. der deutsche jazzmusiker horst lippmann stirbt. in rheinland-pfalz beginnen die feierlichkeiten zum 50jährigen landesjubiläum. das wetter in deutschland: bei über 20 grad warm, aber kaum sonnig; im süden gegen abend gewitter.

und in wiesbaden wird folgender songtext geschrieben:

heute ist ein schlechter tag um schlecht gelaunt zu sein
weil heute ausnahmsweise grad die sonne mal scheint
ich schleppe mich zum plattenspieler und mach ne platte an
weil man bei [???]² morgens am besten aufstehn kann

ich merke dass mein kopf sehr schmerzt er spürt die letzte nacht
ich frag mich was der kopf von [???] wohl heute morgen sagt
nach nem kaffee und ner dusche nehm ich den bus zum park
dort werd ich in der sonne schlafen den ganzen lieben tag

ich wache auf und um mich rum schlafen alle die ich mag
sie hatten wohl den gleichen plan an diesem frühlingstag
und du wachst auf und schaust dich um drehst dich zu mir rum und fragst
ist das nicht ein schönes bild ich hab’s mir ausgedacht

ich wache auf und um mich rum schlafen alle die ich mag
sie hatten wohl den gleichen plan an diesem frühlingstag
und du wachst auf und schaust dich um drehst dich zu mir rum und fragst
ist das nicht ein schönes bild ich hab’s mir ausgedacht
an diesem frühlingstag

rekord waren einfach ihrer zeit vorraus: sie machten deutschen indierock, als sich ausserhalb der hamburger schule noch kaum jemand dafür interessierte. und sie schafften es nie ihre heimatstadt wiesbaden hinter sich zu lassen. und genau dieses hängenbleiben, diese mischung aus hass auf und geborgenheit im altbekannten scheint diese band geprägt zu haben. wiesbaden hatten mit readymade eine weitere band, die kurze zeit später aufbrach aber nie wirklich weit kam, obwohl sie es verdient gehabt hätten. der schlachthof war die bühne, das label rewika die gute stube. aber drumherum nichts als mitteldeutsche kulturödnis.

rekord veröffentlichen zwischen 1995 und 1998 drei alben und lösten sich dann auf. auch andere bands mit ehemaligen rekord-mitgliedern wie tobacco oder darlo konnten nie richtig fuß fassen. der rekord-schlagzeuger rainer dinges starb am 11. mai 2009 auf der intensivstation eines wiesbadener krankenhauses an organversagen. er konnte weder in wiesbaden überleben noch die stadt hinter sich lassen. daran ist er wohl zerbrochen.

die erinnerung an ihn lebt in der musik von rekord weiter.

1. leider ist nicht bekannt wer die rechte an dem song hat, deswegen nur ein ausschnitt
2. bin über hinweise auf die fehlenden textstellen dankbar

wizo – kopfschuss

27. juni 1993. auf dem bahnhof bad kleinen sterben der gsg-9-beamte michael newrzella und das raf-mitglied wolfgang grams; das raf-mitglied birgit hogefeld wird verhaftet. die genauen umstände des todes von grams sind bis heute nicht geklärt; der einsatz kostet bundesinnenminister rudolf seiters sowie dem generalbundesanwalt und dem leiter des bka den job. die nachwehen von fast 20 jahren raf sind auch in den 90er jahren noch zu spüren.

deutscher politpunk nimmt seine – wenn auch noch nicht sehr punkigen – anfänge in der berliner hausbesetzer-szene mit deren hausband ton steine scherben, die ebenso wie die raf 1970 gegründet wird. gemeinsame wurzeln sind die studentenunruhen der 60er jahre mit dem gewaltsamen tod benno ohnesorgs 1967 als brennpunkt. die 70er waren das jahrzehnt des punks, während sich die szene in den 80er jahren aufsplittete und teilweise neu orientierte.

rechtsextreme gewalttaten in den frühen 90er jahren führen zu einem wiederaufleben des politpunks. 1986 gegründet zählen wizo spätestens seit 1994, dem erscheinungsjahr ihres albums �UUAARRGH!�, zu den bekanntesten deutschpunk-bands der nachwendezeit. und auf diesem album befindet sich der song “kopfschuss”, der die ereignisse in bad kleinen aus linksradikaler sicht beurteilt:

In der deutschen Verfassung steht: Die Todesstrafe ist abgeschafft,
doch hin und wieder tritt diese Verfassung ausser Kraft.
Denn um die Sicherheit im deutschen Staat mit allen mitteln zu bewahren
holt man sich immer wieder gerne Rat bei den Gesetzen von vor sechzig Jahren.

Was früher die Gestapo war ist heut das BKA
nur damals setzte man Henker ein und heut gibt es die GSG9

Kopfschuss – das war kein Selbstmord, das war Mord
Kopfschuss – ihr habt gelogen seit dem ersten Wort
Kopfschuss – Das war ein mieser, feiger Mord
Kopfschuss – und ich glaube euch kein Wort
nie mehr ein Wort

Ist die Regierung erst in Panik, gilt weder Ordnung noch Moral
Das Gesetz wird ausgeschaltet und das Menschenrecht egal.
Polizei ist Staat im Staat, Selbstherrlichkeit regiert
Ist der Staatsfeind lokalisiert, wird auf Rambo-Art agiert.

bad kleinen sollte -� wenn auch unfreiwillig – der letzte bedeutende öffentliche auftritt der raf sein: sie löst sich 1998 selbst auf. ¹

bundespräsident horst köhler hat gestern ein gnadengesuch von birgit hogefeld abgelehnt, die 1998 zu lebenslanger haft verurteilt wurde.²

wizo lösen sich 2005 auf und vereinigen sich 2010 wieder. für diesen sommer sind 6 festivalauftritte und ein neues album geplant.

1. berichte über eine “vierte generation”, die auf strukturen und geheime waffenlager der raf zugriff hat, scheinen zumindest stark übertrieben zu sein
2. sie wird vorraussichtlich im juni 2011 entlassen

Die vollständige wirkung eines neuen gisbert zu knyphausen-albums entfaltet sich erst dann, wenn man die dazugehörigen songs zum ersten mal live gehört hat. Das durfte ich in überwältigender art und weise am vergangenen Freitag im wiesbadener schlachthof erfahren.

Um die 1000 zuhörer fanden sich zur kollektiven gänsehaut ein. Manche von ihnen kennen gisbert, seit er ein kleiner junge war. Manche sind vielleicht gerade erst jetzt durch die fast schon unheimliche mediale gisbert zu knyphausen-manie auf ihn aufmerksam geworden. Manche hatten sich einfach eingefunden, um traumhaft schöne lieblingslieder wie �erwischt� oder �sommertag� laut mitzusingen.

Auch meine wenigkeit ließ sich das mitsingen nicht verbieten. Der ein oder andere böse blick eines eher stillen konzertgenießers brachte mich zwar an den rande eines schlechten gewissens. �Dieses verflog aber schlagartig, als gisbert mir nach dem konzert gestand, vor ein paar jahren noch selbst einer der lautesten �mitsinger� auf bright eyes konzerten gewesen zu sein.

“Teile dieser Platte sind so schwarz wie das Cover”, schreibt jan wigger. mal abgesehen davon, dass das artwork von tina polster wie schon beim ersten album wieder ganz fabelhaft gelungen ist, wirkt das album wirklich textlich düsterer als das debüt. all der melancholische tiefgang wird aber immer wieder flankiert von schroffer lakonie. bestes beispiel hierfür ist “melancholie” – für mich das “spieglein, spieglein” des neuen albums – mit zeilen wie “ich mein, du weißt ja, eigentlich mag ich dich sehr gerne, wenn du nur ab und zu mal deine fresse halten würdest.” genau diese ganz eigene mischung aus poesie, pathos, wortwitz und alltagssprache ist es, die gisbert zu knyphausen ausmacht und abhebt� von all den anderen talentierten deutschsprachigen songwritern unserer zeit.

bei all den lobeshymnen auf die knyphausenschen texte sollte man nicht vergessen, dass “hurra! hurra! so nicht!” ein kunstwerk einer fünfköpfigen band ist. frenzy suhr, gunnar ennen, jens fricke und sebastian deufel gehören genauso dazu wie ihr namhafter bandkopf. damit das auch der letzte mitbekommt, wird es im eröffnungssong des albums “hey” gleich richtig laut. die musikalische untermalung der band verbindet die melancholischen und die wenigen euphorischen stücke der platte zu einer einheit, setzt stücken wie “grau, grau, grau!” oder “kräne” (eine art abschieds-hymne an hamburg und seinen hafen) die krone auf und sorgt vielleicht dafür, dass als referenzen in zukunft nicht mehr nur element of crime und reinhard mey sondern auch wilco oder the notwist herangezogen werden.

so oder so ist der inzwischen in berlin gelandete musiker gisbert zu knyphausen mit seinem zweiten album im mainstream angekommen. das beweisen 1000 besucher im schlachthof in wiesbaden, das beweist eine mehrseitige story im rolling stone aber zu allererst beweisen das elf ausnahmslos grandiose songs.

das foto hat übrigens anna thut geschossen. vielen dank dafür!

It was two years after New kids hit the charts

Six years after Madonna stole my heart

It was TLC on the radio and …

“Stop-Hammer time”

Chilli peppers sure could rock

And Kiedis made the covers with the help of a sock

I turned down sports for Faith No More

While Slash fed his snakes with blonds from the tour

Achtzehn Jahre noch bis zur Gegenwart … Daniel Cirera ist wohl eines dieser One Album Wonders – zumindest bisher, denn nach seinem sehr hochwertigen Debut kam erst einmal nichts … und das war in 2004. der schwede mit spanischen wurzeln ist mittlerweile 33 und hat mittlerweile eine karriere im juristischen bereich ergriffen – ob da also noch was kommt? man darf seine zweifel haben, obwohl die hoffnung ja doch immer zuletzt stirbt …

Someone Still Loves You Boris Yeltsin – Glue Girls

Sommer 1991. Deutschland ist mittlerweile wiedervereinigt, und auch in Russland gab es schon vor drei Jahren freie Wahlen. Einer der Gewählten und Mitglied der ersten parlamentarischen Oppositionsgruppe in der Geschichte Russlands: Boris Nikolajewitsch Jelzin, der im Juni auch zum Präsidenten der Russischen Teilrepublik gewählt wird. Im August bezieht Jelzin dann erfolgreich für seinen Staatschef Stellung gegenüber den August-Putschisten, die zurück in den sowjetischen Sozialismus wollten. Im November schließlich wird die Kommunistische Partei KPdSU in der russischen Teilrepublik verboten, und zum Jahreswechsel 1991/92 hört die Sowjetunion auf zu existieren.

Hier aber hört, zumindest vom heutigen Standpunkt aus betrachtet, der positive Beitrag Jelzins zur Weltgeschichte auf: Seine Präsidentschaft in der neugegründeten Russischen Förderation war überschattet von Wirtschaftskrisen, dem ersten Tschetschenienkrieg und Korruption:

Boris Jelzin hinterließ das Land am Rande des Bankrotts, mit zerrütteten staatlichen Strukturen, verarmter Bevölkerung, drastisch gesunkenem internationalen Einfluss und mitten im zweiten Tschetschenien-Krieg. Heute ist er für viele Russen vor allem das Symbol für den allgemeinen Niedergang, Oligarchie sowie für eine Epoche persönlicher und nationaler Erniedrigung. (Wikipedia)

Wie schön, dass ihn wenigstens eine Amerikanische Band noch mag, auch wenn Jelzin die Band wohl nicht mehr kennengelernt hat. Sie gründete sich 2004, vier Jahre nach Jelzins letztem Coup: Am 31.12.1999, wenige Stunden bevor Millionen Menschen ein Jahr zu früh ins neue Millenium starteten, trat er öffentlichkeitswirksam von seinem Amt zurück und machte Platz für einen ehemaligen KGB-Agenten namens Vladimir Putin. Bekannt wurden Someone Still Loves You Boris Yeltsin aber erst kurz vor dem Tod von Boris Jelzin im April 2007. So bleibt von Jelzin hier nur einer der prägnantesten Bandnamen der jüngeren Geschichte, wobei dieser laut Sänger Philipp Dickey lediglich benutzt wurde, weil er sich gut anhöre. Ob die Band durch den Namen aber eher mehr oder eher weniger russische Fans hat – man weiß es nicht.

In Deutschland ist übrigens von ihm noch etwas anderes geblieben, was auch von anderen russischen und sowjetischen Staatsoberhäuptern übrig ist: Es gibt einen nach ihm benannten Wodka. Doch während Wodka Gorbatschow zum Beispiel in Kneipen und Bars eine der Standardmarken ist, ist Jelzin Wodka teilweise für unter 5 Euro im Supermarkt zu haben und, unter uns, ein ziemlich übles Gesöff. Aber vielleicht hat das ja etwas mit der Trinkfreude des ehemaligen Präsidenten zu tun:

Portugal. The Man – 1989

Wenn Musiker historische Themen in ihren Songs verarbeiten, dann geschieht das häufig nach folgendem Motto: Was nicht passt, wird passend gemacht. Ein Paradebeispiel dafür steht heute auf dem Programm.

Erstens wurde John Baldwin Gourley, der Sänger von Portugal. The Man, keineswegs im Jahr 1989 geboren, auch wenn er das im gleichnamigen Song oben so hingebungsvoll singt. Klar, sonst wäre er bei Erscheinen des ersten Portugal. The Man-Albums auch gerade einmal 17 Jahre alt gewesen. Doch das ist nicht der einzige Haken an der Sache. Wie Gourley in einem Interview erzählte, geht es in dem Lied darum, wie er als Kind den Ausbruch des zweiten Golfkriegs erlebte. Der begann jedoch erst im Jahre 1990. Weil sich das allerdings wesentlich schlechter singen lässt, wurden die Geschichtsbücher eben ganz einfach links liegen gelassen.

Doch auch so wird der erschreckende Eindruck deutlich, den ein im Fernsehen übertragener Krieg auf die Seele eines Kindes ausüben kann, wobei der Text jedoch ziemlich abstrakt bleibt:

I was born in 1989
and it’ll be over soon
no moon children or people’s sun
or ringing in my ears
when I felt that awful news

Wenn man dagegen in Deutschland an das Jahr 1989 denkt, erscheint sofort der Mauerfall vor dem geistigen Auge. Er war der Beginn davon, dass aus zwei deutschen Staaten wieder einer wurde. Doch ob das, was da zusammenwuchs, wirklich zusammengehört, daran scheiden sich bis heute die Geister. Aber immerhin können sich die Wölfe an blühenden Landschaften erfreuen. Und den verkappten Hippies von Portugal. The Man würde so ein Naturidyll sicher auch gefallen.

Und wo er keine hat, erkämpft er sie sich. Oder singt zumindest drüber, wie in Opener, Titeltrack und kommender Single Enklave. Hier werden (wie auch auf einer zugehörigen Seite, die sich auch unter einem der QR-Codes im Booklet findet und einem sich in der Produktion befindenden Video) Freiräume für alles gute und schöne gefordert. Das klingt dann sowohl musikalisch und textlich ziemlich nach Hamburger Schule – und das soll nicht die letzte Referenz sein, die einem beim Hören der EP einfällt.

Der Promozettel² nennt beinahe zu jedem Song eine internationale Größe, die ähnlich klingen soll – dass dabei aus Brian Molko Brian Moloko wird, ist wahrscheinlich bloßer Zufall. Aber der Placebo-Vergleich passt schon überraschend – aber das Original ist wie meistens besser als die Kopie. Zum Glück ist All die Geister mit denen ich schlief aber der schwächste Song der Ep.

Im nächsten Song 22.22 besinnt sich Daniel Decker nämlich wieder auf PSO-Zeiten und liefert eine ziemlich großartige Satire auf alle Wichtigtuer unter den Songwritern. Und auch, wenn wir genau diese Musiker ja oft mit am meisten lieben, macht es Spaß, einmal über – oder eben mit ihnen – zu lachen.

Lied Nummer vier (Vorstadtjunge) ist dann die 1:1-Übertragung des 80er Jahre Gay-Klassikers Smalltown Boy von Bronski Beat, und deshalb sparen wir das hier mal aus.

Schließlich geht es im Anschluss daran zum besten Lied des Albums, Langsames Gift. Ich bin ja der festen Überzeugung, dass jeder Platte eine Ballade gut zu Gesicht steht, und bei Enklave ist es der letzte Song. Schaurig-schöner hat zumindest dieses Jahr noch kaum jemand all den Schmerz, den man beim Gang durch diese Welt fühlt, beschrieben. Und ist dann auch noch zu einem Happy End gekommen.

Daniel Decker – Enklave EP (ab 28.5.2010, Tumbleweed/Broken Silence)

1. Lolila gibt es aber noch. Daniel schrieb mir, dass er sich allerdings bei der Platte auf die Musik konzentrieren wollte.
2. übrigens verfasst von Oliver Minck of Wolke- und Oliver Minck Erfahrung-Fame

… und das feiern wir heute abend auf dem gisbert-konzert in wiesbaden.

Gisbert zu Knyphausen – Dreh Dich Nicht Um

(Dreh dich nicht um ist übrigens eins der Highlights des sehr tollen zweiten Albums Hurra! Hurra! So Nicht., dass schon vor zwei Wochen erschienen ist, und hier auch rezensiert wird, sobald wir ausgeknobelt haben, wer diese Aufgabe übernimmt – und derjenige dann Zeit gefunden hat, dem Album auch gerecht zu werden.)

milow – herald of free enterprise

this is the legend of eight sisters; herald was the famous one

acht roro-faehrungluecke sind es, die milow hier besingt (die Princess Victoria, 1953 – die SS Heraklion, 1966 – die Wahine, 1968 – eben die Herald of Free Enterprise, 1987 – die Jan Heweliusz, 1993 – die Estonia, 1994 – die Express Samina, 2000 – die al-Salam Boccaccio 98, 2006). und auch wenn die herald wohl nur deswegen hervorgehoben wird, weil sie vor bruegge, in milow’s heimatland belgien, gesunken ist … fuer den rest von uns ist wohl eher die estonia-katastrophe noch in erinnerung.

am 6. maerz 1987 lief die herald am fruehen abend richtung dover aus, doch schon kurze zeit spaeter drang eine grosse menge wasser durch die bugklappen ein. die grosse wassermenge und verrutschte ladung brachten das schiff nach wenigen minuten zum kentern – dem umstand, dass man auf eine sandbank auflief, ist es wohl zu verdanken, dass es “nur” 193 tote gab, und ueber 400 leute gerettet wurden.

inzwischen fast gang und gaebe bei groesseren katastrophen, haben ueber 80 (britische) kuenstler eine coverversion des beatles-titels ‘let it be’ aufgenommen, um die hinterbliebenen der opfer finanziell zu unterstuetzen:

ferry aid – let it be.

Eigentlich bin ich kein besonders großer Freund von Hunden. Die meisten von ihnen sind mir zu aufdringlich, unselbstständig und treudoof, außerdem riechen sie häufig streng. Aber es gibt natürlich Ausnahmen. Zum Beispiel Girella, eine portugiesische Wasserhund-Dame, die ich am vergangenen Wochenende auf der (Pop Up-Messe in Leipzig entdeckt habe.

Girella ist nicht nur cooler und lässiger als viele ihrer Artgenossen, sondern hat auch einen guten Musikgeschmack. Wenn ihr ein Lied gefällt, legt sie ihren Kopf auf den Lautsprecher des Autoradios ihres Herrchens Garvin Nolte, und der arrangiert dann flugs ein Fotoshooting mit der betreffenden Band. Über 100 Bands hat Girella im Rahmen des “Dog likes music”-Fotoprojekts so schon getroffen, unter anderem Franz Ferdinand, TV On The Radio, Death Cab For Cutie, Editors und The Kills. Mit ihrem wuscheligen Fell und der kalten Schnauze fügt sie sich dabei nahezu perfekt in die Bandporträts ein und stiehlt den musizierenden Zweibeinern teilweise sogar die Show.

Einige famose Beispiele davon kann man sich online anschauen. Und wer mit Girella in Kontakt treten will, kann das etwa über ihre digitale Hundehütte oder über Facebook tun.

Death Cab for Cutie – Expo ’86

Und wieder sind wir beim Gefühl des Loslassens und Wiederaufraffens, des Verlassen-werdens, Freischwimmens und Nach-vorne-schauens. Darum geht es nämlich auch in Death Cab For Cuties Expo ’86¹. Erschienen auf dem Meisterwerk Transatlanticism, gelang das Stück zu hohen Ehren; zwischen den treibenden Title and Registration und The Sound of Settling bildet es trotz seinem Schwung einen Ruhepol, wobei man sich zu der Leichtigkeit des Songs in Wolken fallen lassen möchte – oder zumindest aufs frisch gewaschene Bettzeug. Der Text ist nachdenklich aber optimistisch. Es muss weiter gehen und gewartet wird hier nicht.

Another diet fed by crippling defeat
And I am waiting for that sense of relief
I am waiting for you to flee this scene
As if you held in your hand a smoking gun
And on the floor laid the one you said you loved

Nur was die Expo’86 in Vancouver nun damit zu tun hat, bleibt im Dunkeln. Na gut, da die Death Cabs aus Seattle kommen, kann es natürlich gut sein, dass zum Beispiel Ben Gibbard einfach mal die 200 Kilometer entfernte Weltausstellung zum Thema Transport und Kommunikation besucht hat. Vielleicht am Ende einer Beziehung, oder frisch verlassen, oder mittendrin.

Sometimes I think this cycle never ends

Vielleicht waren auch die Riesenräder der Weltausstellung eine Inspiration. Vielleicht haben Gibbard und Walla aber auch einfach nur am puren Klang des Namens �Expo ’86� gefallen gefunden.

And what’s strange is they’re all basically the same
So I don’t ask names anymore

we slide from top to bottom then we turn and climb again.

1. Das nächste Album der kanadischen Band Wolf Parade wird übrigens auch so heißen.

Pulp – Last day of the Miner’s strike

12. Mai 2010. Großbritannien hat eine neue Regierung, David Cameron. Babyface. Konservativ und trotzdem weich. Was soll das? Da war Margaret Thatcher noch von ganz anderem Schrot und Korn. Hart. Rassistisch. Die eiserne Lady.

Neulich las man in einer großen englischen Zeitung, das bisher jeder große UK-Premier vor großen, umwälzenden und geschichtsschreibenden Aufgaben stand. Für Churchill war es der Zweite Weltkrieg, für Brown zuletzt die sogenannte Finanzkrise. Für Margaret Thatcher waren es die Gewerkschaften und die Arbeiter aus dem Norden. Sie starteten Streiks, obwohl es klar war, dass die Kohleförderung im Königreich einfach nicht mehr rentabel war. Nokia baut ja schließlich auch nicht mehr im Ruhrgebiet. Alles ganz klar. Denkt man jetzt.

The Last Day of the Miner’s Strike. Pulp. Das pure England. Damals wurden die Streikbrecher von ihren Kameraden bespuckt und verachtet. Doch die meisten fanden’s richtig. Was nicht rentabel ist, muss weg. Pulp erinnern daran. Ein Bier auf Pulp. Ein Bier auf die Minenarbeiter. Oder so.

Don’t let them fool you again, sing Hallelujah

moscow olympics – still

wie entdeckst du neue musik? liest du einschlägige fachpublikationen? orientierst du dich vielleicht an blogs wie diesem hier? gehst du auf konzerte auch von dir unbekannten bands und lässt dich inspirieren? kopierst du die festplatten von deinen freunden? lässt du dich vom musikfachhändler deines vertrauens beraten? oder klickst du dich nächtelang durch myspace und youtube?

bei mir trifft teilweise alles oben genannte zu – und manchmal entdeckt man auf eigenartigen wegen musik, deren existenz auch die beste phantasie nicht erträumen hätte können.

ich habe schon chilenischen britpop gehört, norwegische polka und jamaikanische coverversionen von modern talking.¹ jetzt wollte ich über “moscow olympics” von orange juice schreiben – leider gibt es dazu kein video bei youtube. dafür bin ich auf eine band namens moscow olympics gestossen. erstmal nichts besonderes, aber: die band kommt von den phillipinen und klingt nach bestem britischem shoegazing.

und schon haben wir ein hochkomplexes themencluster zusammengetragen: fokuspunkt sind die olympischen spiele 1980 in moskau, die aufgrund des sowjetischen einmarsches in afghanistan 1979 von vielen islamischen sowie westlichen staaten boykottiert wurden – unter anderem auch von deutschland, den usa und den philippinen. dieses thema hat die glasgower band orange juice² in eben jenem jahr 1980 zu einem lied inspiriert, dessen songtext allerdings einzig und allein aus einem wiederholten “moscow” besteht und eine b-seite ihrer ersten single “falling and laughing” ist. und während orange juice dem post-punk zugerechnet werden, gilt eine andere schottische band aus der gleichen zeit,³ namentlich die cocteau twins, als eine der wegbereiter des shoegazing.⁴

orange juice – falling and laughing

alles klar? hier noch mal eine kurze zusammenfassung: 1980, moscow olympics, glasgow, orange juice, philippinen, shoegazing, cocteau twins. danke, internet, für dein unendlich vernetztes wissen. im jahr 1980 hätte ich diesen artikel nicht schreiben können. geschweige denn shoegazing von den philippinen entdecken.

1. übrigens alles großartige lieder
2. die als urgesteine der “glasgow school” gelten, die eventuell als inspiration für die namensgebung der hamburger schule gelten kann
3. die auch aus dem post-punk entstand
4. shoegazing entsteht allerdings erst mitte bis ende der 80er jahre als eigenständige musikrichtung

The Divine Comedy – At the Indie Disco

Gar nicht mitgekriegt bis zur (Pop Up, wo der gute Herr ja auch gespielt hat: Neil Hannon alias The Divine Comedy bringt Ende des Monats ein neues Album heraus. Bang Goes The Knighthood wird es heißen, und was ich bisher daraus gehört habe, klingt schonmal großartig. So wie obige erste Single, zum Beispiel.

(Man verzeihe mir übrigens das obige, total ausgelutschte Wortspiel.)

… but alive – Erinnert sich jemand an Kalle Del’Haye?

Die Bayern sind vergangenes Wochenende schon wieder Meister geworden. Zwei weitere Titel können sie in den nächsten Wochen noch gewinnen und so unter anderem noch mehr Geld für neue Spieler ausgeben. Mir geht es dabei gar nicht darum, dass das unfair sei den anderen Manschaften gegenüber, sondern darum, dass es für manch einen Spieler gar nicht gut ist, zu den Bayern zu wechseln – auch wenn dort das große Geld und die großen Titel auf einen warten.

Das jüngste Beispiel hierfür ist wohl Lukas Podolski, der während seiner Zeit beim ständigen Abstiegskandidaten bzw. Absteiger FC Köln nicht nur Torschützenkönig der ersten Liga, sondern auch einer der Stars der deutschen Nationalmanschaft wurde. Als er aber nach der WM 2006 zu den Bayern wechselte, änderte sich einiges: Er war nicht mehr Star des Teams, nahm stattdessen immer häufiger auf der Bank Platz. Auch die Rückkehr nach Köln brachte nicht die erhoffte Wende: Zwar ist er der unbestrittene Star des Teams, auf dem Platz gelangen ihm in 20 Spielen aber gerade einmal zwei Tore. Wie gut, dass wenigstens Jogi Löw noch an ihn glaubt: “Prinz Poldi” ist zumindest schonmal im vorläufigen Kader für die diesjährige WM.

Noch schlimmer traf es aber vor mittlerweile fast 30 Jahren einen anderen deutschen Stürmer: Karl “Kalle” Del’Haye, geboren 1955 in Aachen. Er war einer der großen Stars von Borussia Mönchengladbach in den späten 70er Jahren und galt als bester Linksaußen der Bundesliga. Kein wunder, dass irgendwann der FC Bayern anklopfte. Für die damalige Rekordsumme von 1,3 Mio. D-Mark wechselte Del’Haye zur Saison 1980/81 nach München. Er hätte eigentlich damit rechnen können, dass ihn dort kein einfaches Leben erwarten würde, schließlich hatten die Bayern außer ihm zwei der besten Stürmer ihrer Zeit in ihren Reihen: Karl-Heinz Rummenige und Dieter Hoeness. Später wurden die zwar durch Rummeniges jüngeren Bruder Michael und noch später Roland Wohlfarth ersetzt, Del’Haye schaffte es aber auch gegen diese beiden nicht, sich durchzusetzen. In seiner letzten Saison bei den Bayern kam er nicht einmal zum Einsatz, zu den beiden Länderspielen, die er noch zu Gladbacher Zeiten absolvierte, kamen keine neuen hinzu. Und auch seine letzte Station, der damalige Erstligist Fortuna Düsseldorf, brachte nicht die erhoffte Wende. Hier erzielte er in 23 Spielen nicht ein Tor. 1988 ließ er seine Karriere im Amateurfußball ausklingen.

Lukas Podolski war da gerade 3 Jahre alt.

Marcus Wiebusch, heute Sänger von Kettcar, war während seiner Jugend in Hamburg Ende der siebziger Gladbach-Fan. Und da man zu der Zeit als Gladbach-Fan vor allem auch Kalle Del’Haye lieben musste, war es auch nicht verwunderlich, dass er 15 Jahre später ein Lied über sein einstiges Idol schrieb, zumal sich das Schicksal Del’Hayes ja auch als warnende Metapher für das ganze Leben werten lässt: “Schuster, bleib bei deinen Leisten”, denn “Hochmut kommt vor dem Fall”. Was sich in diesen alten Sprichwörtern komisch anhört, klingt bei Herrn Wiebusch dann so:

Wenn man sich heute in seiner Eitelkeit sonnt,
Und es morgen anders kommt,
Das kann ja ganz schön bitter werden.

Denn manchmal, da geht es statt rauf auch nieder
Und dann findest du dich auf der Ersatzbank wieder.
Und dann auf der Tribüne, von allen vergessen,
Frag Kalle ‘del Haye, der müsste es wissen. (ganzer Text)

Das Lied erschien übrigens gleich zweimal: In der obigen Version als Bonus-Track auf dem letzten … but Alive-Album Hallo Endorphin 1999 und schon einmal fünf Jahre eher auf Marcus’ Solotape Hippiekacke. Und noch einmal erinnerte man sich an den Flügelstürmer: Kettcars Hauptsache Glauben enthält die Zeile �An Kalle Del�Haye als besten Linksaußen [...] Hauptsache du glaubst.”

Auf Marcus Wiebuschs Projekte kann man die ganze Geschichte nicht wirklich anwenden: Zwar wandte man sich nach dem Ende von …but Alive mit Kettcar einer wesentlich größeren Hörerschaft zu, verließ den Punk und umarmte den Pop, aber auch damit hatte man Erfolg. Manchmal muss man vielleicht auch einfach etwas neues probieren, um nicht stehenzubleiben.

Trotzdem, noch einmal auf den Fußball bezogen: Ich hatte gehofft, es nie sagen zu müssen, aber dieses eine Mal muss ich den Toten Hosen dann doch einmal Recht geben.

Die Toten Hosen – Bayern

…And You Will Know Us By The Trail Of Dead – Mark David Chapman

Es ist der 8. Dezember 1980, etwa 17 Uhr. John Lennon, der frühere Beatle und als Ikone der Friedensbewegung noch immer ein Weltstar, verlässt zusammen mit seiner Frau Yoko Ono die gemeinsame Wohnung im Dakota Building in New York City, um ins Studio zu fahren. Draußen vor dem Haus drückt ihm jemand seine aktuelle Platte “Double Fantasy” in die Hand, Lennon signiert sie und gibt sie dem vermeintlichen Fan zurück. Der Fotograf Paul Goresh, der zufällig daneben steht, macht ein Bild davon. Es ist das letzte Foto, auf dem John Lennon lebend zu sehen ist.

Der jemand war Mark David Chapman. Er steht immer noch vor dem Haus, als Lennon um kurz vor elf zurückkommt. “Mr. Lennon?” sagt er unsicher fragend, als dieser an ihm vorbeigeht. Dann holt er einen 38mm Revolver aus seiner Tasche und schießt Lennon fünfmal in den Rücken. Ein Schuss trifft die Aorta, Lennon verliert viel Blut, den Transport ins Krankenhaus überlebt er nicht. Chapman setzt sich derweil auf den Bürgersteig vor dem Haus und schlägt das Buch auf, welches ihm mehr bedeutet als alles andere auf der Welt – “Der Fänger im Roggen” von J.D. Salinger.

Seit seiner Kinderheit ist Chapman von diesem Roman besessen und identifiziert sich mit dessen Hauptfigur Holden Caulfield. Früher am Tag kauft er sich extra noch ein Exemplar des Buches, denn seines hat er zuhause in Hawaii vergessen. Auf eine Seite hat er folgende Worte geschrieben: “This is my statement”, unterzeichnet hat er sie mit “Holden Caulfield”. Als die Polizei eintrifft, findet sie Chapman lesend vor. Ohne sich zu wehren, lässt er sich verhaften.

Wer Mark David Chapman ist, und was sein Motiv war, lässt sich nur schwer sagen. Sein Leben lang war Chapman eine zerrissene Persönlichkeit, die um ihre Identität rang. Seine Geschichte ist eine von krankhafter Obsession. Er war als “wiedergeborener” Christ ein streng religiöser Mensch, außerdem zunächst ein Beatles-Fan. Teilweise unterschrieb er sogar Dokumente mit dem Namen John Lennon und heiratete so wie dieser eine Japanerin. Doch sein Idol wurde irgendwann zum Verräter und somit zum Feindbild. Später sagte Chapman einmal, der Mord sei ein Versuch gewesen, Lennons Berühmtheit auf sich selbst zu übertragen. Die Aufforderung dazu leitete er aus dem “Fänger im Roggen” ab.

Doch auch nach allen möglichen Erklärungsversuchen bleibt am Ende die fassungslose Frage im Raum stehen:

What have you done, Mark David Chapman?

Vor Gericht plädierte Chapman gegen den Rat seines Anwaltes für “schuldig”. Im Schlussplädoyer trug er einen Absatz aus dem “Fänger im Roggen” vor. Obwohl sechs von neun psychiatrischen Gutachten bei ihm eine psychotische Störung diagnostiziert hatten, wurde er für schuldfähig befunden und zu mindestens 20 Jahren Gefägnis verurteilt.

Und noch heute sitzt er für seine Tat im Gefängnis von Attica nahe Buffalo, fünf Anträge auf Haftentlassung wurden bereits abgelehnt. Wahrscheinlich wird er bis zu seinem Tod dort bleiben.

Smashing Pumpkins – 1979

Im Jahr 1979 sind so einige Sachen passiert, an die man sich heute noch erinnert: Die brutalen Roten Khmer werden aus Kambodscha vertrieben, im Rahmen der Islamischen Revolution kehrt Ajatollah Chomeini in den Iran zurück, im benachbarten Irak gelangt Saddam Hussein an die Macht, außerdem wird Maggie Thatcher britische Premierministerin. Aber um keines dieser Themen soll es heute gehen. Denn all diese Sachen hätten auch in einem beliebigen anderen Jahr stattfinden können. Stattdessen wenden wir uns daher lieber unserem Song des Tages zu.

Etwas polemisch könnte man vielleicht sagen, dass 1979 von den Smashing Pumpkins so etwas wie das Summer Of 69¹ für Leute mit gutem Musikgeschmack ist. Es geht jedenfalls um nostalgisch verklärte Erinnerungen an das süße und unbeschwerte Teenagerleben, auch wenn der Text dabei recht nebulös bleibt:

And I don’t even care
To shake these zipper blues
And we don’t know
Just where our bones will rest to dust
I guess forgotten and absorbed
Into the earth below

Nicht ganz klar ist außerdem, ob Billy Corgan davon singt, wie er als damals 12-Jähriger das Jahr 1979 erlebte, oder ob es um die Generation der um das Jahr 1979 Geborenen geht, in deren Jugendzeit in den frühen Neunzigern der Grunge und der Alternative Rock seine Blütezeit erlebten. Aber das ist wohl auch das bestechende an 1979: Der Song funktioniert für jede Generation von neuem, eben weil er ein universelles und nicht an ein bestimmtes Ereignis gebundenes Gefühl vermittelt.

1. ein Song übrigens, den wir in unserer kleinen Zeitreise hier wohlweislich ausgespart haben

Nada Surf – Blizzard of `77

Blickt man einmal kurz zurück in das Jahr 2002, entdeckt man Überraschendes. Ungläubig stellt man nicht nur fest, dass es schon verrückte acht Jahre her ist, dass unsere Ohren mit �How You Remind Me� von ein paar unauffällig dreinschauenden Kanadiern dauerterrorisiert wurden – und leicht verdutzt nimmt man die Tatsache zur Kenntnis, dass Nada Surf damals noch als Helden des Emocore gepriesen wurden, ja in Verbindung mit der kuschligen Band von manchen Leuten sogar der Begriff �Godfathers of Emo� in den Mund genommen wurde. Schluck. Aber ja, so war das eben. 2002 verstand man unter �Emo� noch etwas anderes als nur lustig angezogene Jugendliche am Bahnhofsvorplatz, die sich gegenseitig über ihr Leid und ihre schlechten Friseure beschweren (wer hat hier denn Vorurteile?). 2002 war Emo eben aber noch süßlich und fein. So wie Nada Surf eben.

Und wahrlich emotional haben sich die drei New Yorker spätestens mit �Let Go� in die Herzen vieler Gutmenschen gespielt, die sich als solche bezeichnet nicht angegriffen fühlen, sondern in ihrem Denken und Fühlen bestätigt. Melancholie und Hoffung blubbern einem auf dem dritten Album der Band wie Whirlpool-Wasser ins Gesicht. Davor steht aber der Sprung ins Wasser – und der ist Nada Surf mit �Blizzard of 77� nahezu, ja hier passt das Wort mal, perfekt gelungen.

Januar 1977, New York. Ein von den großen Seen heranziehender Blizzard erreicht mit seinen eisigen Ausläufern die Metropole New York – und legt sie binnen kürzester Zeit lahm. Die Stadt versinkt im Schnee, versinkt im Chaos und schlummert schließlich ein. Ein dicker Haufen Schnee hat sich ungefragt wie ein Schlafsack um die niemals schlafende Stadt gehüllt. Matthew Caws, heute Sänger von Nada Surf, schaute aus dem Fenster und war begeistert: �Als hätte sich die Natur ihren Raum zurückerobert.� 25 Jahre später schreibt er einen Song über das Erlebte jener Nacht. Ein kleines, klares aber verträumtes Wunderwerk hat er damit geschaffen. Einmal meinte er, dass der Name ‘Nada Surf’ in Spanien das Gefühl beschreibt, trotz Steinen im Weg und scheinbarer Hoffnungslosigkeit einfach weiterzugehen, aufzustehen und zu lachen.

but in the middle of the night i worry
it’s blurry even without light

i know i have got a negative edge
that’s why i sharpen all the others a lot

Sehnsucht und Melancholie verlieren die drei von Nada Surf aber nie, auch nicht mit ihrem 2002er Sprung ins Wasser, ihrem Blizzard of ’77.

i miss you more than i knew

(via Der Feuilletonist)

Jonas und ich sind übrigens heute und morgen auf der (Pop Up in Leipzig, von wo wir bestimmt ein paar neue Themen mitbringen. Vor Sonntag oder Montag kommt dafür aber (außer der Reise durch die Zeit) nix neues hier.

Jan Delay – Söhne Stammheims

Nachdem mein Monitor lange Zeit mehr oder weniger eine weiße Fläche war, die nur ab und an durch das aufdringlich gelbe Blinken des Instant Messenger an Farbe und Aktivität gewann, wurde mir eindeutig klar, dass die heutige Geschichtsstunde keine einfache ist. Über Nazis lachen ist mittlerweile üblich, spätestens seit Guido Knopp sogar nötig, Ereignisse wie der Erste Weltkrieg waren sicher tragisch, liegen aber in einer Welt so fern der heutigen, dass sie für uns kaum noch vorstellbar sind, aber Terrorismus ist das tägliche Brot des 21. Jahrhunderts und somit in jedem Kopf mit konkreten allabendlichen Nachrichtenbildern behaftet. Wie erklärt man nun den deutschen Terrorismus des 20. Jahrhunderts ohne diesen auf irgendeine Art und Weise zu rechtfertigen, aber gleichzeitig auch ohne ihn mit dem Tagesgeschäft Terror gleichzusetzen?

Vielleicht sollte ich einfach am Anfang anfangen, aber wo ist dieser Beginn? Soll man, wie bei vielem was sich in der Bundesrepublik zugetragen hat, irgendwann zwischen 1933 und 1945 anfangen oder beginnt man, wenn man die RAF als Reaktion auf das Todschweigen der Nazivergangenheit durch die Elterngeneration sieht, bereits so den Terror zu rechtfertigen? Hier zeigt sich, wie prekär eigentlich dieses Thema Rote Armee Fraktion ist und wie leicht man sich daran seine Finger verbrennen kann. Ein definitiver Anknüpfungspunkt für die Erklärung des Phänomens RAF ist die 68er Studentenbewegung, die bereits vor einigen Tagen Thema hier war. Nachdem Tod Benno Ohnesorgs 1967 und dem Anschlag auf Rudi Dutschke 1968 kam es zu einer Radikalisierung innerhalb jener heterogenen Gruppe der demonstrierenden Studierendenschaft. Aus dieser wachsenden Gewaltbereitschaft der Demonstranten entstand eine militaristische kapitalismuskritische Terrorbewegung. Offiziell gegründet wurde die RAF 1970 im Rahmen der Befreiung Andreas Baaders aus Polizeigewahrsam.

Was in den folgenden Jahren passierte ist bekannt, spätestens seit der ehemalige Spiegel-Chefredakteur Stefan Aust es in seinem Buch �der Baader-Meinhof-Komplex� und der Produzent Bernd Eichinger es im gleichnamigen Film darstellte sogar fast schon mythologisiert. So starben in den 28 Jahren RAF insgesamt 54 Menschen an Terror und ihren Folgen, davon 20 RAF-Mitglieder. Stammheim wurde zeitweise zum Inbegriff staatlicher Rechtswillkür und der Mord an Generalstaatsanwalt Siegfried Buback beschäftigt noch heute (so genannte) Nachrichtenmagazine und die deutsche Justiz.

Nun kommt Jan Delay des Weges und nimmt Stammheim als Bild der aktuellen Kapitalismus-Kritik. In seinem Song �die Söhne Stammheims� äußert sich Delay, der im deutschen Herbst 1977 ein Jahr alt war und wahrscheinlich noch in die Windeln machte, nämlich wie folgt:

Nun kämpfen die Menschen nur noch für Hunde und Benzin
folgen Jürgen und Zlatko doch nicht mehr Baader und Ensslin.
Die die Unheil und Armut und Krankheit verbreiten,
für sie herrschen sorglose Zeiten, da kein bisschen
Sprengstoff sie daran hindert, ihre Geschäfte zu betreiben.

Der Gedanke, der hinter seiner Kritik steckt, in allen Ehren. Aber ist diese Anprangerung nicht eine unnötige und unpassende Glorifizierung des Terrors und beinhaltet er nicht das fadenscheinige Argument, dass der Zweck alle Mittel heiligen würde? Eins jedenfalls zeigt sich wieder, das Thema RAF ist und bleibt mit Vorsicht zu genießen.

Manic Street Preachers – The Love of Richard Nixon

Wir hatten es hier ja bereits von US-amerikanischen Präsidenten, genauso wie von Verschwörungen. Einer, der nachweislich beides auf sich vereint, ist der 37. Präsident der USA, Richard Nixon. Er ist bis heute der einzige US-Präsident, dessen Amtszeit nicht mit dem Ende der zweiten Amtsperiode, einer Abwahl oder einem Attentat endete. Stattdessen trat Nixon zurück, und zwar 1974 nach der sogenannten Watergate-Affäre.

Unter “Watergate” sind diverse Amtsmissbräuche als US-Präsident zusammengefasst, am bekanntesten davon ist wohl die Spionage gegen politische Gegner. Der Name “Watergate” kommt von dem Gebäudekomplex, in den in einer der bekanntesten Aktionen eingebrochen wurde. Aber auch illegale Spenden und Zuwendungen und sogar der Verkauf von Botschafterposten trugen zum vorzeitigen Ende der Nixon’schen Präsidentschaft bei.

Die Manic Street Preachers – als Briten – stellen sich in ihrem Song bzw. im zugehörigen Video vor, was wohl gewesen wäre, wenn all diese Praktiken, vor allem der Einbruch in den Watergate-Komplex, nicht passiert wären. Oder nicht rausgekommen wären und bis heute nur Legende oder nicht einmal das. Vielleicht wäre Nixon heutzutage dann einer der beliebtesten Präsidenten. Vielleicht würden seine Worte weniger zynisch klingen, vielleicht würde man sie besser verstehen und nachvollziehen können:

In all the decisions I have made in my public life,
I have always tried to do what was best for the nation.
I have never been a quitter.

Um die Jugend geht es auch auf dem neuen Album. Gleich eine ganze Hymne (Anthem for doomed youth) wird ihr gewidmet und vor ihren Eltern gewarnt (Be afraid of your parents). Das sind aber nicht die einzigen Songs, die quasi eine Fortsetzung von ihren jeweiligen Vorgängern auf Album Nummer eins darstellen: Europe ist natürlich Teil Zwei des Songs America¹, klingt aber musikalisch vollkommen anders: Wo America noch Ohrwurm-Potenzial en masse hatte, ist Europe einer der kantigsten Songs, den die Band jemals veröffentlicht hat.

The Indelicates – Europe

Und auch musikalisch knüpft man dort an, wo man aufgehört hatte: Your Money ist mit seinem Piano-Intro und der erst danach einsetzenden E-Gitarre – genau wie Jerusalem (hier sind es vor allem die Drums) – ein wohl archetypisches Indelicates-Stück. Und auch textlich bewegt man sich auf gewohnt hohem Niveau. Zwar hat man nicht mehr bei jedem Refrain das Gefühl, sich jeden zweiten Satz auf die Haut tätowieren oder zumindest auf ein T-Shirt schreiben zu wollen, hochintelligent sind die Texte aber allemal. Und poetisch noch dazu. Beispiel gefällig? “No Garden and no home we are Greeks in the age of Rome/With no right to criticise the happily dull to Grecian eyes/Now the world has no need of the songs that we sang/We are savages you and I and we will hang, hang, hang” (Savages).

Auch wenn es so klingt, als sei Songs for Swinging Lovers der zweite Teil von American Demo, ist das Album alles andere als das. Es ist ein absolut eigenständiges Album, das völlig getrennt vom Debut betrachtet werden muss. Ob es auf Dauer besser, gleich oder schlechter als sein Vorgänger ist, weiß ich auch nach dem mindestens sechsten Durchlauf nicht. Wenn ich mich entschieden habe, melde ich mich. Eigentlich ist es aber auch egal: Songs for swinging Lovers ist nämlich ein großartiges Album. Punkt.

(Ein weiteres absolutes Highlight des Albums ist übrigens auch das hier schonmal vorgestellte Sympathy for the Devil.)

The Indelicates – Sympathy for the Devil

The Indelicates – Songs for Swinging Lovers (2010, als Pay-What-You-Like-Download via Corporate Records, Physische Tonträger ab Juni 2010)

(Ich weiß, hatte euch den Artikel schon für gestern versprochen, hab es aber nicht geschafft. Sorry.)

1. man munkelt, dass auch die übrigen Kontinente noch verarbeitet werden sollen

auch wenn es, wie gesagt, einer der schwächsten songs des albums ist:

The New Pornographers – Your Hands (Together)

(und das video ist ja auch nicht schlecht…)

(via Spinner)

U2 – Sunday, Bloody Sunday

Die Geschichte von Unterdrückung und Gewalt in Irland, auf �Eire�, ist eine lange und tragische. Einen traurigen Höhepunkt erreichten die offenen Konflikte zwischen Besatzern und Besetzten am 30. Januar 1972, jenem Sonntag im nordirischen Derry, an dem britische Soldaten 13 unbewaffnete Zivilisten erschossen. Trotz weltweit rund einem Dutzend weiterer Sonntage, die heute im allgemeinen Sprachgebrauch mit dem Adjektiv �bloody� bezeichnet werden, war es eben jener Sonntag in der Bogside, der besonders lange popkulturelle Schatten warf und die Inspiration für Kulturschaffende aller Genres lieferte.

Besonders prominent geschieh dies mit �Sunday, Bloody Sunday� etwa zehn Jahre später, als sich U2 mit einem ihrer einprägsamsten (viele sagen: besten) Songs der Thematik widmeten. Man mag den Iren und vor allem Bono (der seinen Namen einem Hörgerätefachgeschäft zu verdanken hat) zwar auch hier pathetisches Gehabe und den Drang zur naiven Weltverbesserung vorwerfen (ja, auch das kann man) – so ganz kalt aber, lässt dieser Song selbst die größten U2-Hasser nicht.

I can�t believe the news today
Oh, I can�t close my eyes
And make it go away

Ein treibender Rhythmus zusammen mit Bonos unverschämt einprägsamer Melodie übt die magnetische Wirkung aus. Der Text passt perfekt. Im Kopf formieren sich Bilder, und selbst in der U-Bahn kann einem dabei schon mal ein wütend kalter Schauer über den Rücken laufen, heiß-kalt, so wie die Beziehung vieler zu U2. Man denkt an die Ungerechtigkeit dieses blutigen Sonntags. Und man denkt an all die anderen Ungerechtigkeiten dieser Welt, die nicht vierzig Jahre zurückliegen, sondern immer noch Tag für Tag geschehen – und erschreckend unaufmerksam rezipiert werden.

And it�s true we are immune
When fact is fiction and TV reality
And today the millions cry
We eat and drink while tomorrow they die

Bis heute haben U2 den Song über 600 Mal live gespielt und ihn dabei politisch stets weiter ins Rampenlicht gestellt. Mit gevoideten Akkorden im Rücken ruft Bono dabei ein lautes �no more!� in die Menge – und auch hier ist wohl Gänsehaut garantiert. In seiner Gesamtform kann das Ins-Rampenlicht-Stellen dabei etwa als Kritik an aktuellen Repressionen nicht-regierungskonformer Demonstranten geschehen, wie zuletzt 2009 mit Blick auf den Iran. Es kann aber auch so aussehen, dass Bono nach den Anschlägen vom 11. September in New York zu den Akkorden des Liedes die USA-Flagge von links nach rechts schwenkt.

The real battle just began
To claim the victory Jesus won
On�

Tja, U2 bleiben halt doch U2.

Eines der besten Dinge bei den New Pornographers ist, dass die drei wichtigsten Bandmitglieder, Neu-Woodstocker Carl Newman, Dan Bejar¹ und die wohl bekannteste Solokünstlerin der Band, Neko Case, außerhalb der Band ziemlich unterschiedliche Musik machen. Es kreist alles irgendwie um das weite Feld Indie-Pop, aber ein A.C. Newman-Album klingt dann doch ganz anders als eins von Neko Case oder gar die neueste Destroyer-Ep. Entsprechend abwechslungsreich klingen so regelmäßig auch die New Pornographers-Alben. Auch dieses Mal.

Der Opener The Moves und das schon bekannte Your Hands (together), zum Beispiel, weisen noch einen letzten Rest Glam Rock auf. Für sich genommen sind es keine schlechten Songs, können aber mit dem Rest des Albums größtenteils nicht mithalten. Denn das, was sonst auf dem Album zu hören ist, gehört mit zu dem schönsten und besten, was 2010 bisher erschienen ist (und wahrscheinlich erscheinen wird): Silver Jenny Dollar ist der beste Song, den Dan Bejar mindestens seit dem 2003er Testament to Youth in Verse (auf Electric Version) für die Pornographers geschrieben hat. Sein Refrain, mit Background-Gesang von A.C. Newman und seiner Nichte und neuestem Bandmitglied Kathryn Calder, dürfte die nächsten Wochen nicht mehr aus meinem Kopf gehen. Mit Valkyrie and the Roller Disco ist auf dem Album auch wieder eine wunderschöne mehrstimmig gesungene Ballade enthalten, und My Shepherd, das wohl dunkelste Stück auf der Platte, begeistert mit einem Bläser-Solo. Dazu gibt es dann noch ein paar Stücke, die irgendwie typisch nach Pornographers (z.B. die erste Single Crash Years) bzw. nach dem jeweiligen Nebenprojekt des Songwriters klingen (If you can’t see my Mirrors könnte genausogut auf einem Destroyer-Album sein), die nichtsdestoweniger tolle Songs sind.

Vielleicht sind es auch sie, die das Album so gut machen: Bei einer so großen Band muss man ja immer Angst haben, dass ein Album ziemlich ausfranst und kein roter Faden mehr zu erkennen ist. Die Pornographers haben es auf Together einmal mehr geschafft, trotz sehr unterschiedlicher Songs diesen roten Faden zu finden.

The New Pornographers – Together (2010, Matador/Beggars Group/Indigo)

1. um den es ja erst vor ein paar Tagen hier bei indiestreber ging.

Marilyn Monroe – Happy Birthday

Heute vor genau drei Jahren war es soweit: Indiestreber erblickte mit einem Artikel über Tocotronic das Licht der Welt. Und bis heute haben wir über niemanden häufiger geschrieben als über die großen Helden der deutschen Musik.

Außerdem haben wir dieses Jahr haben sogar Geschenke bekommen: Die Indelicates haben ihr Album nun doch auch in Deutschland draußen, und heute erscheint auch Offiziell das neue New Pornographers-Album.¹

Uns selbst haben wir dann noch den kleinen Button spendiert, den ihr ab jetzt unter allen Artikeln seht, und mit dem ihr unsere Werke euren Freunden bei Facebook empfehlen könnt.

Wenn ihr auch was geschenkt haben wollt, dann guckt mal bei Spreeblick, dort wurden ein paar Download-Compilations zusammengestellt.

In diesem Sinne: Auf die nächsten 3 Jahre. Und darüber hinaus…

(in den nächsten zwei bis drei wochen haben wir übrigens nochmal zu feiern: wir stehen kurz vor 1000 Artikeln.)

1. laut Plattenfirma ist es in Deutschland zwar schon seit letztem Freitag draußen, bei Amazon aber nur mit größeren Verzögerungen lieferbar, und die MP3s gibt es dort auch erst seit gestern. Egal, auch zu Together kommt heute die ausführliche Kritik

Okkervil River – John Allyn Smith Sails

Der US-amerikanische Dichter John Berryman, geboren 1914 als John Allyn Smith, hatte sein gesamtes Leben lang einen treuen Begleiter: Den Selbstmord. Es begann mit seinem Vater, einem Banker, der sich erschoss, als der kleine John gerade mal zwölf Jahre alt war. Dieses Ereignis sollte ihn zeit seines Leben nicht mehr loslassen und führte dazu, dass Berrymans Gedichte immer wieder um das Thema Suizid kreisten. Doch damit nicht genug, hinzu kam noch, dass auch zahlreiche von Berrymans Kollegen und Freunden – unter anderem Sylvia Plath und Randall Jarrell – ihrem Leben ein vorzeitiges Ende setzten.

Wie so viele gebeutelte Künstlerseelen trieb es John Berryman in den Alkoholismus und in Depressionen. Der Mann mit dem imposanten Bart und der großen runden Brille galt außerdem als Exzentriker, der als Leiter des Writers� Workshop an der University of Iowa seine Schüler beleidigte, ihre Gedichte aufs heftigste verriss und sich teilweise sogar mit ihnen prügelte. Kurzum: Berryman lebte das Leben es gebrochenen Genies.

Das alles führt uns zu unserer heutigen Station, dem 7. Januar 1972. Denn an diesem Tag war es schließlich auch für John Berryman soweit. Ich übergebe hiermit das Wort an Will Sheff, den Frontmann von Okkervil River, der sich im obigen Song in den Dichter hineinversetzt und aus seiner Perspektive die letzten Momente seines Lebens besingt. Schon die ersten beiden Zeilen sind dabei ein grandioser Kunstgriff:

By the second verse, dear friends,
My head will burst and my life will end

Also nichts wie rein in die besagte zweite Strophe, in der sich Berryman von einer Brücke in Minneapolis stürzt:

From a bridge on Washington Avenue,
the year of 1972 broke my bones and skull,
and it was memorable.

[...]

And at the funeral, the University cried at three poems
they’d present in place of a broken me.

Am Ende wechselt das Lied dann in das Traditional Sloop John B, welches von den Beach Boys bekannt gemacht wurde. Bloß dass sich die Worte auf einmal nicht mehr auf ein altes marodes Schiff namens John B., sondern auf John Berryman beziehen:

I hear my father fall,
and I hear my mother call,
and I hear the others all whispering, come home.
I’m sorry to go. I loved you all so,
but this is the worst trip I’ve ever been on.

[...]

So hoist up the John B. sail!
See how the main sail sets.
I’m full in my heart and my head and I want to go home,
with a book in each hand, in the way I had planned.
I feel so broke up, I want to go home.

Wer an dieser Stelle noch nicht davon überzeugt ist, dass Will Sheff zu den großartigsten Songwritern unserer Zeit gehört, der sollte die beiden wunderbaren Okkervil River-Werke “The Stage Names” und “The Stand Ins” hören und sich selbst überzeugen. Bleibt nur zu hoffen, dass es das Schicksal mit diesem Genie besser meint, und uns der gute Will noch so lange wie möglich erhalten bleibt.

Wir wissen, dass viele von Euch enttäuscht waren, weil wir die Veröffentlichung unseres Albums in Eurer Region zunächst zurückgehalten haben. Das bedauern wir aufrichtig – derlei Restriktionen widersprechen all unseren Grundsätzen den freien Austausch von Daten in der ganzen Welt betreffend, und wir haben uns die letzten drei Wochen deshalb sehr schlecht gefühlt. Wir hoffen, dass Ihr die Gründe dafür nachvollziehen werdet.

Mehr in der Pressemitteilung der Band. Und morgen hier ein ausgiebiges Review.

(via twitter)

(hatte vorhin im Bus noch drüber nachgedacht, wann es das album endlich auch in Deutschland gibt)

Beulah – If We Can Land A Man On The Moon, Surely I Can Win Your Heart

Halten wir an dieser Stelle zunächst inne und blicken einmal darauf zurück, was die Menschheit bisher erreicht hat: Sie hat das Feuer gezähmt, das Rad erfunden, wilde Tiere domestiziert, Behausungen gebaut, die mit der Zeit immer aufwändiger und prunkvoller wurden, bedeutende Kunstwerke geschaffen und alle möglichen Dinge erfunden, die das Leben leichter und angenehmer machen. Rastlos angetrieben vom Fortschritt hat der Homo Sapiens, dieses im Vergleich zu den Tieren lächerlich wenig behaarte und der Natur schutzlos ausgelieferte Wesen, die ganze Welt erobert. Doch die nächste Grenze, die es zu überwinden gilt, wartet bereits auf ihn: Die unendlichen Weiten des Weltraums, ein Stoff für wilde Eroberungsfantasien.

In den 1950er und 60er Jahren waren die Raumfahrtgelüste besonders ausgeprägt, denn die Menschen waren angefixt von Science Fiction-Serien wie “Star Trek” und Filmen wie Stanley Kubrick’s “2001″. Außerdem war ja immer noch Kalter Krieg, und die USA sowie die Sowjetunion suchten ständig nach neuen Möglichkeiten, den jeweiligen Konkurrenten technologisch zu übertreffen. So wurden auf beiden Seiten gigantische Geldbeträge in die Weltraumforschung gesteckt, und im Jahr 1969 schafften die USA schließlich den Durchbruch. “Das ist ein kleiner Schritt für mich, aber ein großer Sprung für die Menschheit.”, so lauteten die berühmten Worte von Neil Armstrong, mit denen er unter den Augen der Welt zuhause am Fernsehschirm den Mond betrat.

Aber was hat uns der ganze Aufwand eigentlich gebracht? Trotz allem technischen Fortschritt scheitern die Menschen immer noch vor allem an den kleinen, scheinbar banalen Dingen: Wieso fällt der blöde Toast immer auf die Marmeladenseite? Wieso geht es an der anderen Supermarktkasse mal wieder viel schneller? Wieso lässt sich der letzte Rest der Zahnpastatube nicht ordentlich rausbekommen? Wieso musste dieser verdammte Köter genau dahin scheißen, wo ich ein paar Stunden später mit meinem Schuh hintrete? Und wieso verliebt sich dieses Mädchen oder jener Junge bloß nicht in mich? Immerhin: Zumindest von letzterer Frage Gebeutelte können in unserem heutigen Song des Tages Aufmunterung finden.

Aber waren die Amerikaner damals überhaupt wirklich auf dem Mond? Bis zum heutigen Tag wird dies von einigen Leuten vehement bestritten. Das alles soll nur ein großer Fake gewesen sein, um im kalten Krieg so richtig auftrumpfen zu können. In den Chor der Zweifler reihen sich auch die Hardcore-Helden von Refused ein, wobei der Titel des folgenden Songs eher metaphorisch gemeint ist und es eigentlich um etwas anderes geht:¹

Refused – The Apollo Programme Was A Hoax

Aber egal ob die Menschen tatsächlich auf dem Mond waren oder das ganze doch nur in einem TV-Studio in Nevada stattgefunden hat: Fest steht, dass der Mensch sowohl bei kleinen Schritten als auch bei großen Sprüngen gerne ins Stolpern gerät.

1. nämlich um die Abschaffung des Kapitalismus, so wie eigentlich immer bei Refused

Rainald Grebe – 1968

Um Rainald Grebes Song über die 68er zu verstehen, müssen wir zuallererst ins Jahr 2007 gehen: Kai Diekmann, Chefredakteur der BILD-Zeitung, schrieb ein Buch mit dem wunderbaren Titel Der große Selbstbetrug: Wie wir um unsere Zukunft gebracht werden, aus dem vor allem genau die von Rainald Grebe in seinem Songtext verarbeiteten und parodierten Vorwürfe im kollektiven Gedächtnis blieben:

Vorher waren alle Menschen froh.
Alle Menschen waren hetero,
weil Schwulsein ja eine Krankheit war
und da war keiner krank, Gott sei Dank.
Die 68er sind an allem schuld.

Single-Parties gab’s noch keine,
die SPD hatte noch Ortsvereine.
Die Ehe hielt bis zur Beerdigung
und nicht bis zur Selbstverwirklichung.
Die 68er sind an allem schuld.

Bei Problemen ging man nicht zum Therapeuten,
man ging in die Kirche oder gleich in die Kneipe.
Was ist Yoga, Yin und Yang und der ganze Dreck
gegen ein Halleluja und ein Herrengedeck?
Die 68er sind an allem schuld.

Dabei war es eigentlich kein Wunder, dass gerade Kai Diekmann als einer der bekanntesten Vertreter des Springer-Verlages hart gegen die bis heute von vielen Bewunderten 68ern um Rudi Dutschke und Co. schoss. Dass der Verlag in der damaligen Zeit gegen die Studenten anschrieb, wurde ja mittlerweile eingestanden, aber bis heute scheint das Thema eher ein rotes Tuch zu sein bei Springer.

Trotzdem ist, wenn man einem Interview von Rainald Grebe mit der taz glaubt, nicht alles reine Parodie in dem Lied. Vor allem sei es der Neid gegenüber der Generation: “Die haben etwas gerissen – und ich nicht. Das hat sich bei mir im Hinterkopf festgesetzt.”

Während Grebes Ode an die 68er 2008 geschrieben, wurde, einer Zeit, als die 68er-Bewegung von den Medien eher in ein kritisches Licht gerückt wurde, veröffentlichte PeterLicht sieben Jahre vorher ein Lied über die selben Menschen, das aber einen etwas anderen Punkt beleuchtet: Es geht um die Glorifizierung der eigenen Vergangenheit, und dass die permanente Beschäftigung damit nervt:

Ihr lieben Achtundsechziger
Danke für Alles – Ihr dürft gehn

[...]

Und macht euch noch eine schöne Zeit
Und erzählt euch untereinander wie das alles so war
Ihr könnt auch einen Dia-Abend machen
Einen Dia-Abend von der Revolution
Und da sitzt ihr dann alle
Und erzählt euch untereinander wie das alles so war
Bildet Netzwerke für eure Dia-Abende!

(Peterlicht – Ihr lieben 68er)

Der richtige Umgang, die richtige Sicht auf die 68er-Bewegung¹ liegt – wie so oft – irgendwo dazwischen. Zwischen Diekmann, Peterlicht und Rainald Grebe – und den ganzen anderen.

1. zu der es natürlich auch einen Wikipedia-Artikel gibt, falls ihr euch mehr informieren wollt

Against Me! – Clich� Guevara

Wir schreiben den 9. Oktober 1967, es ist Mittagszeit im kleinen bolivianischen Dorf La Higuera. Ein gewisser Mario Ter�n hat sich endlich genug Mut angetrunken, um den ihm auferlegten Befehl auszuführen. Vielleicht etwas zu voreilig hatte sich der Feldwebel der bolivianischen Armee freiwillig dazu gemeldet, einen Gefangenen zu exekutieren. Nicht irgendeinen wohlgemerkt, sondern den legendären Revolutionär und Guerillakrieger Ernesto Guevara de la Serna, von aller Welt kurz Che genannt. Um 13:10 Uhr treffen neun Kugeln aus Ter�ns Maschinengewehr Che Guevara, der sofort tot ist.

Was Ches letzte Worte waren, ob er gejammert und um Gnade gefleht hat oder sich ganz cool und unerschrocken gab, ist nicht überliefert. Wenn es stimmt, dass kurz vor dem Tod das eigene Leben noch einmal vor dem geistigen Auge vorbeizieht, dann hat Che Guevara in diesen letzten Sekunden unter anderem folgendes gesehen: Seine Kindheit in Argentinien als Sohn einer großbürgerlichen Familie; sein Medizinstudium, das ihn auf zahlreiche Reisen quer durch Lateinamerika das Elend der dortigen Bevölkerung vor Augen führte; seinen Einsatz als Kommandante in der kubanischen Revolution, die 1959 zum Sturz des Diktators Batista führte; seine Zeit als kubanischer Industrieminister und Leiter der Zentralbank; schließlich die Guerillakriege in den Dschungeln des Kongos und Boliviens.

Doch sein Tod war erst der Beginn eines gigantischen Mythos. Zweifellos hat das 20. Jahrhundert Ikonen in rauher Menge hervorgebracht, aber wohl keine davon verfügt über eine ähnlich messianische Strahlkraft wie Che Guevara. Er steht für Idealismus genauso wie für Coolness, für Rebellion genauso wie für Individualismus, verbindet Popkultur mit Politik. Er gibt einem das wohlige Gefühl, auf der richtigen Seite zu stehen, die außerdem noch irgendwie verrucht und sexy ist. Das Foto, auf dem er geradezu majestätisch in die Ferne blickt, hat sich in das kollektive Gedächtnis der Geschichte eingebrannt und die Jahrzehnte überdauert. Auch wenn es für einige blasphemisch klingen mag: Che Guevara war der Jesus des 20. Jahrhunderts.

Doch der Songtitel des obigen Liedes von Against Me! trifft es ziemlich gut, denn kein Symbol hält ewig, irgendwann wird durch Abnutzung ein Klischee daraus. Und so ist das Abbild Che Guevaras inzwischen dazu verdammt, auf T-Shirts gedruckt zu werden, mit denen liebevoll erzogene Bürgerkinder verzweifelt versuchen, sich das letzte bisschen Abgrenzung zu erhalten.

Der Bass knarzt mürrisch, die Schlagzeugbecken scheppern, schiefe Gitarrenakkorde hauen dazwischen, die Stimme scheint von weit draußen zu kommen. Gewohnte Songstrukturen werden dabei aufgebrochen, man weiß nie so ganz was als nächstes passiert. Auf Mitsingrefrains wartet man jedenfalls vergebens. Das alles trägt zu der klaustrophobischen und leicht verstörenden Atmosphäre bei, die das Album erzeugt.

Gerade die ersten drei Songs Gorilla The Bull, Not Fences Mere Masks und Unsilvered Mirrors strotzen nur so vor Verzweiflung und Energie. Mit den darauffolgenden Liedern lassen es Untied States dann etwas subtiler angehen. Beeindruckend ist dabei unter anderem, wie lebensmüde sie in These Dead Birds selbst einen eigentlich beschwingten 6/8-Takt klingen lassen können. In Take Times For Always wird dann anschließend wieder Gift und Galle gespuckt. Holding Up Walls entspricht dagegen wohl ihrem Verständnis einer zugänglichen Single, klingt allerdings immer noch mehr nach aufgeschlagenen Knien als nach Tanzfläche.

Kurz: Dieses Album könnte wohl sogar Sven Väth die gute Laune austreiben. Freunden von hinter- und abgründigem Noise-Rock mit Avantgarde-Einschlag vermag es dafür ein zufriedenes Grinsen ins Gesicht zu zaubern.

Untied States – Instant Everything, Constant Nothing (ab 30.4.10, Distile Records)

1. Man ertappt sich sogar teilweise dabei, wie man erwartet, dass gleich Kim Gordons heiser-burschikose Stimme einsetzt.

Wie schon bei den drei Vorrunden verlosen wir auch hier Karten, das beste daran ist aber, dass diesmal auch die Reise nach Berlin dabei ist. Mehr dazu aber unten, erst einmal stellen wir euch die Finalisten vor.

The Films

The Films – Holiday (Acoustic)

The Films aus Carolina (USA) machen Musik, die meist etwas rockiger ist als das, was ihr oben seht. In der Vorrunde setzten sie sich gegen die Silversun Pickups und Amusement Parks on Fire durch.

Hot Hot Heat

Hot Hot Heat – Times a thousand

Hot Hot Heat vertreten Kanada im Finale der Rock:Liga und haben deshalb zumindest bei mir schon einmal einen Bonus. Nein, im ernst, wie die anderen beiden Bands auch, sind HHH ziemlich gut. Sonst hätten sie sich in der Vorrunde wohl auch nicht gegen die Teenagers und Official Secrets Act durchgesetzt.

Hadouken!

Hadouken! – Turn the Lights out

Eigentlich sollten an dieser Stelle Does it offend you, yeah!? stehen, die hatten nämlich in der Gruppe C gegen Hadouken! und Datarock gewonnen. Aufgrund anderer Verpflichtungen können die aber nicht, und die ihnen wohl ähnlichste Band, die in der Gruppe Platz zwei belegt hatte, rückte nach.

Das Gewinnspiel

Das Finale findet am 29. Mai 2010 im Kesselhaus in Berlin statt und ihr könnt dabei sein. Wir verlosen eine Reise nach Berlin für zwei Personen, inkl. Reisekosten, Übernachtung, Tickets für die Show und Aftershow-Party.

Was ihr dafür tun müsst:

• über 18 sein
• ein mail schreiben an matze/ät/indiestreber.de mit einer kleinen begründung, wieso gerade ihr gewinnen solltet. in dem text muss jeweils ein songtitel jeder der drei teilnehmenden bands vorkommen.
• in den lostopf kommen dann alle geschichten, die wenigstens etwas sinn machen.
• Einsendeschluss ist der 9. Mai, 12 Uhr Mittags. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. Der Gewinner wird dann kontaktiert, um alle nötigen Daten von ihm und seiner Begleitung zu bekommen, damit die mit uns zusammenarbeitende Promo-Firma alles buchen kann.

Wer nicht gewinnt: Karten kosten 10 Euro.

The Who – The Real Me

Die Anfänge der britischen Mod-Bewegung liegen in den späten 1950er Jahren. Damals wollten sich besonders Angehörige der Arbeiterschicht, gemäß des Leitspruchs �Der Schein bestimmt das Sein�, von ihrem Schmuddelimage lösen und sich durch Stil und Verhalten der Oberschicht annähern. Plötzlich trug die Jugend maßgeschneiderte Anzüge und Markenklamotten. Um diese angemessen zu schützen, wurde während der Motorrollerfahrt ein Parka übergezogen, der schon bald das Markenzeichen der Bewegung wurde. Vor allem in den 1960er sowie in dem Wiederaufleben der Bewegung Ende der 1970er wurde dieser mit zahlreichen Aufnähern von Mod-Bands verziert: The Kinks, The Yardbirds, Small Faces und andere fanden sich schon bald in aufgestickter oder -genähter Form auf den meist olivgrünen Jacken.

Eine Band allerdings stach unter den zahlreichen von den Mods favorisierten Musikgruppen heraus: The Who. Die Formation um Gitarrist und Songschreiber Pete Townshend war es auch, die das Logo der Bewegung in ihrem Bandemblem aufgriff; die ursprünglich aus den Reihen der Royal Airforce stammenden Kokarde. The Who waren es auch, die der Modbewegung im Jahre 1973 durch ihr Rockmusical �Quadrophenia� neuen Auftrieb verliehen. Das Doppelalbum erzählte die Geschichte des jungen Mods Jimmy, der im London der 1960er aufwuchs und mit den Problemen im Übergang zum Erwachsenwerden kämpft. Sechs Jahre später wurde diese Geschichte, inklusive der Musik von The Who, verfilmt.

The Who – 5:15

Trotz ihrer herausragenden Stellung in den Modkreisen galten aber nicht die Bandmitglieder von The Who als die größten Mods. In der zweiten Welle der Bewegung erlangten andere Bands wie The Jam Berühmtheit, in der Paul Weller als Sänger und Gitarrist mitwirkte, welcher schon bald als der Modfather oder ewiger Mod bezeichnet wurde. Und auch heute noch lässt Weller den typischen Stil der subkulturellen Bewegung in seiner Kleidung und Attitüde weiterleben, sodass er diesen Namen auch noch gut 50 Jahre nach der Entstehung der Mods und etwa 35 nach seinen ersten Erfolgen mit seiner Band mit Stolz trägt.

The Jam – Going Underground

Paul Weller – Come On Let’s Go

The Ooks Of Hazzard – Kids

(via electru, schon ein paar tage alt)

Jens Friebe – Kennedy

Gestern ging es hier ja schon einmal um Verschwörungstheorien. Um kaum ein Ereignis – 9/11 vielleicht ausgenommen – gibt es aber so viele wie um die Ermordung des 35. Präsidenten der Vereinigten Staaten von Amerika, John Fitzgerald Kennedy.

Kennedy stammt aus einer seit über hundert Jahren und bis heute einflussreichen Familie: Schon sein Großvater, Sohn eines irischen Einwanderers, war Politiker, unter anderem im Senat von Massassuchets. JFKs Vater Joseph Patrick brachte es auf nicht immer ganz legale Weise zu einem ziemlichen Vermögen und ehelichte die Tochter des Bürgermeisters von Boston. Eine Freundin der Familie war unter anderem die deutsche Filmdiva Marlene Dietrich.

Die bekannteste Generation im Kennedy-Clan aber ist die der Kinder dieses Joseph Patrick Kennedys. Unter dessen insgesamt neun Kindern stachen dabei neben dem späteren Präsidenten sein Bruder Robert Francis, späterer Justizminister und unter ähnlich mysteriösen Umständen wie John umgebracht, und seine Schwester Eunice Kennedy-Shriver, Begründerin der Special Olympics und (2009 verstorbene) Schwiegermutter von Arnold Schwarzenegger.¹

Am weitesten brachte es aber der 1917 geborene John Fitzgerald Kennedy, trotz (oder gerade wegen) einer nur 1036 Tage währenden Amtszeit bis heute einer der bekanntesten und vor allem auch beliebtesten Präsidenten der USA. Dabei war seine Präsidentschaft nicht ganz ohne Probleme verlaufen: Nur ein Jahr nach der missglückten Invasion der Schweinebucht musste Kennedy die Kubakrise meistern, und der Krieg in Vietnam verlief auch nicht nach Plan. Im privaten sagte man sowohl ihm als auch seinem Bruder eine Affäre mit Marylin Monroe nach, offiziell war JFK aber seit 1953 mit Jacqueline Lee Bouvier² verheiratet.

Der 22. November 1963 schließlich sollte eigentlich ein ganz normaler Wahlkampfauftritt werden. Die Demokraten in Texas waren allerdings aufgebracht, unter anderem wegen der Kuba-Politik ihres Präsidenten. Der hatte sich aber anscheinend noch etliche Feinde mehr gemacht. Schließlich wurde er während der Fahrt durch die Innenstadt von Dallas erschossen. Die Ermittlungen ergaben, dass ein 24jähriger Mann namens Lee Harvey Oswald die Schüsse abgegeben hat. Dass dieser nur zwei Tage nach dem Attentat in Polizeigewahrsam von einem Nachtclubbesitzer erschossen wurde, noch bevor Anklage gegen ihn erhoben wurde, macht den Fall nicht durchsichtiger, ganz im Gegenteil.

Es gibt nämlich zahlreiche Fakten, die zumindest gegen eine Alleintäterschaft Oswalds sprechen. So deutet einiges darauf hin, dass es noch mindestens einen weiteren Schützen gegeben haben muss. Eine der häufigsten Elemente in den verschiedenen Theorien ist dann auch, dass Oswald zwar beteiligt war, aber im Auftrag von jemand anders arbeitete. Besonders beliebt in dieser Hinsicht: Die CIA. Schließlich soll er Verbindungen dorthin gehabt haben, und Kennedy hatte sich in der Behörde nach der missglückten Invasion in der Schweinebucht durch Entlassungen in der Führungsetage unbeliebt gemacht. Ebenfalls gerne genommen als Sündenbock ist natürlich auch Kuba, manchmal auch in Zusammenarbeit mit dem sowjetischen Geheimdienst KGB. Aber vielleicht war es auch die Mafia, wahlweise die an der Ostküste oder in den Südstaaten oder gleich die Finanzwelt. Oder gar Kennedys Vize Lyndon B. Johnson, der immerhin durch das Attentat Präsident wurde – es gibt zahlreiche Verdächtige.

Ich wär wohl euer Präsident
Und ihr findet mich o.k.
Ich fahr an euch vorbei und wink
In einem Cabriolet

Und das Volk staunt wie ein Kind
Das noch nichts weiß von all dem Bösen
Sterne und Streifen wehen im Wind
Als sich die Schüsse lösen
(Jens Friebe – Kennedy)

Die bis heute ungeklärten Morde an JFK und RFK sind aber nicht die einzigen tragischen und teilweise durchaus gruseligen Todesfälle im Kennedy-Clan: Erst 1999 stürzte John F. Kennedy jr., der Sohn des früheren Präsidenten, mit einem Privatflugzeug in den Tod und reihte sich damit in eine lange Liste ein, die häufig auch als Kennedy Curse bezeichnet wird, einem “Fluch”, dem zwischen 1944 und 1999 insgesamt bis zu 15 Kennedys bzw. der Familie nahestehende Personen zum Opfer gefallen sein sollen.

Ob sich die Dead Kennedys, eine der bekanntesten US-Punkbands der frühen 80er, nur nach JFK oder gleich nach der ganzen Familie benannten, bleibt also offen.

Dead Kennedys – Holiday in Cambodia (Live)

1. Daneben war mit Edward Moore (“Ted”) ein weiterer Bruder JFKs Senator.
2. die knapp fünf Jahre nach dem Tod JFKs den griechischen Milliardär Aristoteles Onassis und war fortan als Jacqueline Kennedy Onassis oder “Jacky O” bekannt